Une exploration du corps de l’homme noir à travers le sport

Dans THE CONTEST – le combat, les œuvres s’attaquent à sa relation profondément personnelle et autrefois éloignée avec son père, un culturiste et boxeur. Jiménez utilise le boxeur et le culturiste comme des motifs, rappelant les premières idées sur le corps, en particulier le corps de l’homme noir. Placés dans chaque « pose » ou ring de boxe, les boxeurs et les culturistes de grande taille se battent, leurs positions sont puissantes, à côté de sculptures de bronze de têtes avec des coiffures de boxe colorées. Il trouve la beauté dans la couleur et la physicalité sculpturale des coiffes de boxe et du protège-jambes qui transforment le corps en quelque chose de fort, puissant et protégé.

Dans la continuité du travail de Jiménez, la dernière itération de ses collages colorés fait allusion à la culture occidentale par la réutilisation de matériaux quotidiens tels que le papier peint, les marques de vêtements populaires, les coupures de magazines et les amates, papiers d’écorce traditionnels de l’artisanat mexicain. La matérialité du fusain permet à l’artiste de construire des figures statuesques en marbre qui font référence à la sculpture gréco-romaine et à la façon dont la beauté masculine a été interprétée à travers la lentille d’un canon historique de l’art occidental.

En découpant ces matériaux et en les reconstituant, Jiménez permet de reconstituer des souvenirs en utilisant les fragments matériels d’images qui faisaient littéralement partie de ses souvenirs, peut-être de ceux de son père, et peut-être même de nos propres souvenirs. L’artiste souligne que « l’œuvre est devenue une tapisserie de ma vie qui transcrit et reconstruit l’idée sociétale fixe du corps noir dans la culture populaire, tout en sapant les notions de normativité du genre au sein d’une subjectivité noire« .

Clotilde Jiménez

Le travail de Clotilde Jiménez est essentiellement figuratif ; bien qu’il y ait eu un départ dans les compositions de natures mortes, ces moments font également référence au corps. Dans le portrait conventionnel, les artistes dépeignent les expressions du visage pour transmettre les pensées intérieures de leurs sujets ; souvent, des récits particuliers sont supposés à la vue d’yeux désemparés, d’un sourire menaçant ou d’un regard froid et vide. Contrairement aux modes conventionnels du portrait, comme un abstractionniste, Jiménez utilise des émotions auto-évaluées pour créer une forme expressionniste. Grâce à une auto-analyse rigoureuse des rencontres émotionnelles de sa vie, ces formes apparaissent comme des visages, des corps et des symboles, à partir d’expériences vécues, de méditations critiques et d’un dialogue historique sur l’art.

La savante figuration de Jiménez n’est pas statique, elle est destinée à être envisagée techniquement et formellement seule. Bien que la sophistication des capacités techniques considérables de l’artiste justifie un engagement critique et des éloges, les qualités les plus convaincantes de son travail sont basées sur le concept. Dans des modes disparates : croquis de journal, dessins et peintures entièrement réalisés, sculptures en bronze et collages, le corps est toujours au centre, opérant dans des portraits individuels et de groupe qui privilégient ses poses et ses gestes expressifs, dans des récits idiosyncrasiques, accentués par des vêtements et des accessoires.

En faisant référence à des aspects complexes de la vie de Jiménez, des couches de collage multimédia stratégiquement découpées et disposées, activent une vision dynamique des récits visuels présentés. « La plupart de mes travaux sont autobiographiques, donc le collage me permet de raconter plusieurs histoires en même temps », déclare Jiménez. À travers un objectif kaléidoscopique, des portraits composites au sein de vignettes montagnardes, offrent un regard onirique sur les pensées intérieures de l’artiste.

« Je veux être un conteur d’histoires pour les gens qui me ressemblent. Les personnes dont les histoires ont été marginalisées et ignorées. Ce que je veux faire, c’est être la personne dont j’ai eu besoin en grandissant, quelqu’un qui dépeint les complexités de la vie des Noirs, ce que signifie être queer et comment il n’y a pas de mal à cela. J’ai l’intention d’offrir une plus grande représentation de ma communauté dans le cadre du canon de l’histoire de l’art« . Clothilde Jiménez

THE CONTEST – Le combat

Clothilde Jiménez

Mariane Ibrahim

Juillet 11 – Août 22, 2020

437 N. Paulina St

Chicago, IL 60622

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La galerie Mariane Ibrahim représente, en Amérique du Nord, l’artiste Raphaël Barontini, lauréat 2019 du 2ème Prix du Prix International de la Tapisserie d’Aubusson en France.

Raphaël Barontini est un artiste français dont le travail est une fusion de peinture classique et de fragments contemporains. Ses sujets incluent l’iconographie classique, l’histoire coloniale et la culture visuelle des Caraïbes françaises enracinées dans l’ascendance africaine. Ses images d’un autre monde sont renforcées par sa pratique multidisciplinaire, s’affinant sur des éléments photographiques, chaque pièce commence par un collage numérique, puisant ses images dans ses archives personnelles ou dans ses collections de musée. Raphaël Barontini superpose des concepts pluriels dans sa toile de fond et assemble intentionnellement des éléments numériques et analogiques tout en professant ses influences dadaïstes. De plus, ses collages hybrides reflètent des questions rhétoriques et des critiques postcoloniales face à l’histoire.

Drapeaux, bannières, fanions, rideaux, tapisseries – les images monochromatiques sérigraphiées et imprimées numériquement, agrémentées de couleurs vives, sont superposées sur les textiles. Barontini s’engage avec les attributs symboliques des tissus déployés pour exalter les prouesses armurières. La nature hybride de son travail est accentuée par la fluidité de sa matière, utilisant l’assemblage textile pour préfacer les éléments dichotomiques et lui permettant d’explorer des installations spatiales. Dans son œuvre, Raphaël Barontini utilise souvent le terme « créolisation » associé aux écrivains et penseurs des Caraïbes françaises (où Barontini a ses racines), comme Édouard Glissant et Aimé Césaire, et compare sa pratique au dadaïste Hannah Höch ou à Romare Bearden, collagiste afro-américaine.

En 2019, Raphaël Barontini a été sélectionné par le Groupe LVMH afin de rejoindre son programme de résidence parrainé par LVMH Métiers d’Art, qui débutera en janvier 2020. Raphaël Barontini passera six mois à travailler avec des artisans à la tannerie de cuir long Heng à Singapour. Barontini aura accès aux ressources de production de la tannerie et travaillera en étroite collaboration avec ses artisans locaux. Raphael Barontini est également représenté en Turquie par The Pill et en Espagne par Espai Tactel.

L’artiste, qui vit et travaille à Saint-Denis, dans la banlieue nord de Paris, a étudié au Hunter College of Art à New York et à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts à Paris où il obtint son diplôme en 2009.

L’artiste a exposé ses œuvres dans des galeries et des musées du monde entier, notamment au Brésil, en France, en Haïti, au Mali, au Maroc, au Pérou, en Afrique du Sud, en Espagne, au Royaume-Uni et aux États-Unis. Il a également participé à des biennales internationales à Bamako, Casablanca, Lima et Thessalonique. L’artiste présente actuellement une exposition personnelle institutionnelle au SCAD Museum of Art de Savannah, à Savannah, à l’exposition en cours jusqu’en janvier 2020.

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Pour marquer l’inauguration de leur nouvel espace à Chicago, la galerie Mariane Ibrahim présente Take Me to the Water – Emmène-moi à l’eau, une exposition solo d’œuvres inédites de l’artiste Ayana V. Jackson, du 20 septembre au 26 octobre 2019. L’exposition coïncidera avec l’EXPO Chicago et la Biennale d’architecture de Chicago.

Ayana V. Jackson étend son lexique visuel vers de nouveaux territoires

Emmène-moi à l’eau présente un aperçu holistique de l’œuvre de Jackson à ce jour. Un point culminant de divers éléments discursifs présents dans la carrière de Jackson qui s’étend sur plus d’une décennie. Ces portraits et ces études du mouvement donnent une idée de l’ampleur de sa pratique, tout en l’emmenant vers de nouveaux territoires par rapport à l’éventail de ses performances.

Jackson a utilisé l’impulsion archivistique pour évaluer l’impact du regard colonial sur l’histoire de la photographie et sa relation aux idées au corps. Elle utilise son objectif pour déconstruire le portrait du XIXe et du début du XXe siècle afin de questionner le rôle de la photographie dans la construction identitaire. Sa thèse se complique d’autant plus par la présence de l’artiste elle-même en tant que sujet. Elle utilise son propre corps pour interpréter les personnages qu’elle met en scène.

Le portrait photographique comme outil de déconstruction d’une image

Le travail d’Ayana V. Jackson cherche à cristalliser l’expérience de l’Afrique contemporaine et des sociétés diasporiques africaines. Elle utilise ses compétences techniques aiguisées pour créer des portraits d’une franchise envoûtante qui dépeignent diverses constructions de l’identité africaine et afro-américaine. Ses images sont d’une complexité irrésistible : Il s’agit d’allusions historiques, de ré-appropriations de moments passés et de cartes des considérations éthiques impliquées dans la relation entre la photographe, le sujet et le spectateur.

Bien que Emmène-moi à l’eau s’inscrive dans la lignée du « travail de mémoire » de l’artiste, il s’agit d’un changement frappant par rapport à son engagement envers les histoires vécues, car elle choisit d’embrasser le monde magique de la fiction spéculative. Ses nouveaux personnages habitent une aquatopia peuplée d’humanoïdesaquatiques dont les attributs s’inspirent des esprits africains et de la diaspora africaine. D’Olokun à Mame Coumba bang, de Kianda à Drexciya, de Yenanja à Mami Wata, Jackson s’intéresse aux « mondes mythiques que nous avons étudiés », mais souligne qu’elle est « plus concernée par ceux que nous avons appris à oublier ».

Les photographies de Jackson font partie de plusieurs collections publiques et privées, dont le Studio Museum de Harlem, NYC ; le Newark Museum, NJ ; la collection JP Chase Morgan, NY ; le Musée d’Art de l’université de Princeton, NJ ; la Galerie Nationale de Victoria, Melbourne, Australie ; le MoCP Chicago, IL ; la Fondation Bill and Melinda Gates, Seattle, WA. Née aux États-Unis, basée entre Johannesburg, New York et Paris, Jackson a été boursière de la New York Fondation des amateurs d’Arts pour la photographie en 2014 et lauréate de la bourse Smithsonian en 2018.

Emmène-moi à l’eau par Ayana V. Jackson
du 20 septembre au 26 octobre 2019.

MARIANE IBRAHIM
437, rue N. Paulina
Chicago, IL 60622

Vernissage le 20 septembre 2019

Pour de plus amples informations, veuillez contacter la galerie Mariane Ibrahim

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