Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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Qu’est-ce qui fait un portrait ? Que découvrons-nous à travers les créations et les reconstitutions de notre propre image ? Au fur et à mesure que la beauté de chaque image est révélée, les limites du langage le sont aussi.

Cette exposition explore l’idée du portrait en tant qu’outil permettant de cartographier la composition psychologique du sujet humain. – Dr Ernst van der Waall

L’exposition rassemble les œuvres de treize artistes sud-africains qui, à travers leur travail, luttent avec la notion de soi. On y retrouve des portraits traditionnels (peints et gravés) ponctués d’œuvres déformées et déconcertantes. En témoigne l’oeuvre de  Marlene Steyn — in her feel her out her face mask (2019), une huile sur toile qui représente un visage féminin, au cheveux bleus qui porte un t-shirt ou un pull bleu et blanc rayé. Le visage de la femme se compose de plusieurs visages et au moins neuf paires d’yeux sont visibles – une répétition curieuse qui rend l’image totalement captivante et troublante.

L’exposition présente des portraits de différents styles : On passe des œuvres en acrylique du peintre John Murray, aux autoportraits complexes de Georgina Gratrix, aux contours profonds et tactiles de Mostaff Muchawaya, puis aux coups de pinceau sourds et à la palette de Alexis Preller – un rendu tout à fait saisissant.g.

Le portrait est une façon de s’attaquer à l’extérieur de l’être humain (raser la surface du corps et traduire les traces de l’émotion en marques sur la toile ou sur un morceau de papier), tout en creusant plus profondément, en essayant d’arracher les couches du sujet humain pour explorer son fonctionnement intérieur. – Dr Ernst van der Waall

Le portrait occupe une position très inconfortable dans l’histoire de l’art, car relayés à une époque où les portraits (en particulier les portraits peints) étaient réservés à quelques privilégiés ce qui est d’ailleurs encore le cas aujourd’hui ; De nos jours avec la photographie omniprésente et plus accessible, la capture de portrait est devient de plus en plus populaire. Entre ces deux extrêmes, nous trouvons un langage commun qui nous permet d’examiner en profondeur ce que signifie se voir soi-même et les autres à travers l’imagerie – ce qui se transforme en un questionnement sur les notions de beauté, désir, d’identité et d’âme.

La liste complète des artistes participants comprend Albert Adams, Braam Kruger, Peter Clarke, Christo Coetzee, Kate Gottgens, Georgina Gratrix, Johann Louw, Mostaff Muchawaya, John Murray, Alexis Preller, Gerard Sekoto, Marlene Steyn et Simon Stone. Les œuvres seront exposées jusqu’au 19 avril.

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Bonhams a annoncé récemment que Roubi L’Roubi, commissaire de l’exposition « Forêts et Spiritueux : Arts figuratifs de l’école de Khartum » , qui a eu lieu à la Galerie Saatchi, organisera une section de sa vente aux enchères d’art africain le mercredi 20 mars prochain à New Bond Street, Londres. La vente aux enchères mettra en vedette des œuvres choisies par L’Roubi dans une section intitulée Les courants créatifs du Nil.

Roubi L’Roubi a déclaré : « Je suis ravi d’avoir été invité à être commissaire de cette exposition importante et novatrice. L’art dépeint la condition humaine en temps réel et nulle part ailleurs cela n’est rendu de manière plus authentique que chez les artistes qui ont vécu et travaillé le long du Nil. »

Parmi les autres artistes présentés par Roubi L’Roubi dans « les courants créatifs du Nil », Ibrahim El-Salahi, l’un des fondateurs de l’éminente école d’art de Khartoum, avec son œuvre Standing Figure, estimée entre 18.000 et 23.000 euros, et l’artiste soudanaise Salah El Mur, diplômée de l’école, qui a notamment peint les habitants de Khartoum en train de jouer dans son oeuvre intitulée Jour de sortie en famille dans la forêt de Sunnet, 2016. L’œuvre a déjà été exposée à la Galerie Saatchi et est estimée entre 12 000 et 18 000 euros. La peinture rouge élaborée de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, Texte sacré, est estimée entre 9 400 et 14 000 euros.

Pour L’Roubi, le Nil est à la fois le facteur d’unification et de division entre les artistes du Soudan et de l’Ethiopie et devient la base du talent et de la compétence qui seront mis en valeur.

Giles Peppiatt, responsable du département d’art moderne et contemporain d’Afrique chez Bonhams, a déclaré : « En cette période de grand intérêt pour l’art africain, nous sommes heureux de présenter Roubi L’Roubi, « Courants Créatifs du Nil » dans le cadre de notre vente d’art dédiée à l’art moderne et contemporain d’Afrique. Présenter ces œuvres aux côtés de leaders du marché tels que Sekoto et Enwonwu, donne à Bonhams une brillante occasion d’attirer l’attention sur l’art africain contemporain. »

Benedict Chukwukadibia Enwonwu et Gerard Sekoto sont deux des meilleurs lots de la vente aux enchères de Bonhams. La sculpture en bois d’une jeune femme de Ben Enwonwu, intitulée Fruit Seller, et la peinture vibrante de Gerard Sekoto les lessiveuses, circa 1940, ont toutes deux une valeur estimée entre 120 000 et 180 000 euros.

D’autres temps forts de la vente comprendront:

• Vladimir Grigoryevich Tretchikoff, Combattant de coq, estimé entre 70 000 et 110 000 €
• Gérard Sekoto, Les preneuses d’eau, vers 1940, estimé entre 59 000 et 94 000€
• Frans David Oerder (Sud-Africain, 1867-1944), Na die maal (Après le repas), 1896, Estimé entre 14 000 et 21 000€
• Irma Stern (sud-africaine, 1894-1966), Fille à la cruche. Estimé entre 59 000 et 94 000€

Vente aux enchères d’Art moderne et Contemporain d’Afrique
Bonhams
20 Mars 2019, 17H
Londres, New Bond Street

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