Les installations immersives, expériences artistiques multi-sensorielles et interactives font toutes partie intégrante des scènes artistiques contemporaines africaines. Dans un monde de l’art globalisé et hyper-connecté, une nouvelle génération d’artistes utilise la technologie pour créer et diffuser leurs œuvres. Malgré le nombre croissant de vidéos, de films, d’installations multimédias et d’œuvres d’art numérique réalisées par des artistes d’Afrique et de sa diaspora, peu d’études ont porté sur les scènes des nouveaux médias en Afrique et ailleurs.

L’histoire de l’art en Afrique n’est pas souvent mise en avant ou, tout aussi néfaste, enseignée dans le contexte d’une perspective occidentale. Une approche polycentrique et approfondie de l’histoire des scènes artistiques contemporaines africaines permettrait de découvrir les développements qui ont conduit à une scène artistique africaine dynamique qui utilise la technologie, dans toute sa richesse. Les artistes africains sont à la pointe de l’innovation esthétique et de l’exploration conceptuelle, créant des œuvres d’art qui examinent les réalités socio-économiques et politiques, les traditions et la diversité des expériences sur le continent et dans sa diaspora.

Cette nouvelle série s’accompagne d’une mise en garde : il est clair que la scène artistique en Afrique est incroyablement variée ; chaque pays a sa propre pratique ; chaque artiste a sa propre histoire. L’Afrique n’est pas un monolithe, Artskop3437 est spécifiquement fondé sur la mise en valeur de la diversité des expériences artistiques du continent. Cet essai ne prétends pas être exhaustif sur la question des nouveaux médias et des technologie dans l’art en Afrique mais a la vocation de faire prendre conscience sur leur présence au sein des pratiques artistiques des artistes du continent.

Le renforcement de la visibilité du talent africain sur la scène artistique contemporaine peut prendre plusieurs formes, dont cette série en cours. Nous souhaitons ajouter à l’espace public de conversation numérique des articles complets, ainsi que des immersions et entretiens avec des artistes du continent et de la diaspora.

Cette série offre l’occasion d’examiner les facteurs culturels, socio-économiques, politiques et technologiques qui ont donné lieu au développement de nouveau support artistique en Afrique dans le contexte d’une histoire de l’art mondiale, en mettant l’accent sur les questions de performance, de politique identitaire et d’échanges transnationaux. Bien qu’il y ait des héritages de styles artistiques traditionnels comme le constructivisme et les abstractions géométriques, des enquêtes visuelles sur l’immigration, la mondialisation et le post-colonialisme dans le champ d’application; une partie de la pratique du continent est de jouer avec les matériaux, y compris l’art numérique.

Art et Technologie

L’art numérique est une pratique artistique qui utilise la technologie numérique dans le cadre du processus de création ou de présentation et constitue un élément fondamental de l’art contemporain de pointe d’aujourd’hui, rendu possible par l’évolution rapide des technologies. Il fait à la fois partie de la production et de la distribution numériques de l’art et s’inscrit dans le cadre plus large des arts des nouveaux médias. L’art des nouveaux médias est une œuvre d’art créée avec les nouvelles technologies médiatiques, ce qui inclut l’art numérique, l’animation par ordinateur, l’art virtuel, l’art sur Internet, l’art interactif, l’infographie, la robotique, l’impression en 3D, l’art cyborg et l’art en tant que biotechnologie.

En Afrique, les artistes ne se limitent pas à exploiter les prolifiques connaissances artisanales du continent, mais créent également des œuvres de manière résolument novatrice. L’artiste multidisciplinaire vidéaste, sculpteur kenyan Cyrus Kabiru défie les idées de la modernisation contemporaine avec des œuvres qui traitent de la transformation de la modernisation et de l’idée de l’avenir. Il est surtout connu pour ses lunettes sculpturales ou « C-Stunners ». Les lunettes « Afrodazzled » quant à elles ont été fabriquées à partir de matériaux recyclés et trouvés à Nairobi. Son art mixte défie les genres et reflète non seulement ses racines kenyanes, mais aussi sa vision internationale.

L’étude des nouveaux outils médiatiques est également un élément central du langage visuel de l’artiste portugais-angolais Pedro Pires. Sa pratique se concentre sur l’exploration des questions relatives aux stéréotypes et à l’identité. Il crée des sculptures et des œuvres en papier qui intègrent une large gamme de supports, allant des conteneurs en plastique et des balais de rafia aux broyeurs industriels en métal. La pratique de Pires vise à explorer les questions relatives aux stéréotypes et à l’identité ainsi que les questions de production de masse ou d’exploitation.

Le médium de la sculpture, qui comprend la lumière, le son et la projection, est un moyen inventif et polyvalent d’exposer et de partager des contenus. L’utilisation de la technologie pour révéler le local, tout en existant dans le global, donne aux artistes un énorme champ de production. Le travail de l’artiste multimédia algérien Atef Berredjem fait appel à la technologie pour examiner la société contemporaine, en particulier les manifestations subtiles du pouvoir dans la vie quotidienne. Dans l’une de ses œuvres, Continuum (2014), une installation vidéo sur double écran montre un coin de rue à Alger, accompagné d’une citation de Larbi Ben M’hidi (leader révolutionnaire pendant la guerre d’indépendance de l’Algérie) écrite à la main sur le mur : « Jetez la révolution dans la rue et elle naîtra dans les hauteurs du peuple », faisant référence à la récente vague de révolution dans ce pays d’Afrique du Nord et au maintien du statu quo.

Les œuvres d’art numérique servent de pont entre le monde contemporain et le passé, en examinant les histoires et les traditions anciennes sous un nouvel angle. L’artiste sud-africaine Nandipha Mntambo utilise des outils numériques pour explorer des idées sur les rôles traditionnels des sexes, les body politics (il s’agit des pratiques et des politiques par lesquelles les pouvoirs de la société régulent le corps humain) et l’identité. Le travail de la photographe et artiste numérique sud-africaine Puleng Mongale examine une variété de thèmes, dont les relations de travail et l’héritage du travail domestique en Afrique du Sud. Dans sa série conceptuelle et stylisée, When the Madame is Away, the Help will Slay Mongale interroge les conditions de la négritude dans l’écologie historique et socio-politique de la société sud-africaine.

Utiliser la technologie pour revendiquer/recréer des récits

Mounir Fatmi, un artiste marocain travaillant à Paris, dont la pratique multimédia englobe la vidéo, l’installation et la sculpture, a mené des recherches artistiques sur l’histoire de la technologie et son influence sur la culture populaire. Travaillant « à travers le prisme de la trinité comprenant l’architecture, le langage et la machine« , le travail de Fatmi se concentre sur la transformation des objets et de leur contexte en immergeant le regard dans des expériences spatiales distinctes.

L’artiste vidéo et cinéaste néerlando-éthiopien Theo Eshetu a également réalisé un grand nombre d’œuvres qui examinent des récits complexes et l’exploration de l’identité culturelle. À travers les médias électroniques basés sur le temps et les dispositifs optiques comme outil, le travail d’Eshetu cherche à remettre en question le statut hégémonique de la télévision dans un contexte multiculturel. Des éléments de répétition fractale, de miroir kaléidoscopique, de projections multi-écrans et de motifs en mosaïque sont tous des éléments que l’on retrouve dans ses œuvres.

La technologie et les nouveaux médias jouent un rôle essentiels non seulement dans la présentation et le partage des nouveaux arts des populations africaines et de la diaspora, mais aussi dans leur production. Les artistes utilisant les nouveaux médias sur le continent font preuve d’un état d’esprit contemporain avec des racines africaines bien ancrées grâce à des œuvres d’art qui fouillent la mémoire collective du continent et l’identité des Africains et de leur diaspora.

L’artiste sud-africain Mohau Modisakeng, a également une pratique qui se concentre sur le processus d’investigation. Son œuvre reflète son expérience personnelle de son enfance dans l’Afrique du Sud de l’apartheid et de l’après-apartheid. Les nouveaux médias font partie de l’ouverture du dialogue dans son œuvre Passage de 2017. La projection en trois canaux de l’œuvre d’art invite le public à se concentrer sur les thèmes centraux de la violence, du rituel et du démembrement de l’identité africaine par l’esclavage. L’interrogation des concepts de connaissance, de pouvoir et de violence est, à juste titre, un sujet récurrent.

« Quelles sont les histoires racontées ? Comment sont-elles racontées ? Et qui les raconte ? » sont des questions récurrentes dans l’œuvre de Grada Kilomba. Kilomba est une artiste, psychologue et écrivaine portugaise interdisciplinaire qui a ses racines à São Tomé e Príncipe et en Angola. Son travail s’intéresse à la mémoire, au genre, au racisme et au post-colonialisme. Elle utilise un large éventail d’art numérique, d’art sonore et d’autres formes de formats expérimentaux dans le cadre de son processus de création – performances, lectures et installations vidéo – pour réviser les récits post-coloniaux. Dans son projet audiovisuel, l’installation Secrets to Tell offre une nouvelle perception de la tradition orale africaine et raconte des histoires de récits auparavant réduits au silence. Les outils technologiques ont joué un rôle important dans la récupération et l’introduction de nouveaux récits.

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Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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