Il n’est pas fréquent qu’une commissaire d’exposition vous encourage à écouter des œuvres d’art plastique. Pourtant, c’est étrangement ce que Gcotyelwa Mashiqa demande aux visiteurs de l’exposition Black Luminosity, actuellement présentée à la Smac Gallery de Stellenbosch. Cet appel non conventionnel, qui ne se traduit heureusement pas par l’obligation pour les visiteurs de porter un masque sur les yeux et le visage, renvoie à deux concepts qui intéressent cette commissaire d’exposition sud-africaine indépendante. Premièrement, la visibilité et l’invisibilité de la Négritude – Blackness – et la Manière dont l’une peut nourrir l’autre, et deuxièmement, l’idée que les œuvres d’art nous parlent d’une manière qui transcende la vision. Par ce dernier point, Gcotyelwa Mashiqa souhaite attirer l’attention sur la manière dont nous percevons les images avec un ensemble d’attentes et un langage qui peuvent constituer une barrière à ce que l’artiste pourrait communiquer. Plus simplement, en réfléchissant trop à l’aspect visuel d’une œuvre d’art et en déduisant ce qu’elle pourrait signifier, nous négligeons souvent ce qu’elle nous fait ressentir et les états éphémères qu’elle évoque.

C’est pourquoi Gcotyelwa Mashiqa a sélectionné pour l’exposition des œuvres qui ne semblaient pas directement liées au fait d’être noir ou à la Négritude – des termes qui se manifestent dans cette exposition de multiples façons qui vont au-delà de l’identité raciale. Dans le contexte de la volonté de Gcotyelwa Mashiqa d' »écouter » l’art, le titre de l’exposition, Black Luminosity, fait référence à l’absence de vision, mais aussi à la potentialité de ne pas être capable de « voir ». L’exposition est donc intéressante, surtout si l’on considère le mélange d’artistes – qui se trouvent à différents stades de leur carrière, de Luyanda Zindela, une artiste de Durban qui attire l’attention, à des stars internationales de l’art comme Mary Sibande et Alexandra Karakashian, en passant par des artistes célèbres en milieu de carrière comme Usha Seejarim et Wallen Mapondera, qui présente une œuvre merveilleusement insolente faite de papier toilette.

Un trio d’œuvres dominées par le noir attire votre attention dès que vous entrez dans la galerie. Installation/sculpture presque grandeur nature, boleta le bofefo (2019 – 2020) de Cow Mash est caractérisée par un mélange de différents matériaux noirs. La série de peintures abstraites Bloom (2021) de Alexandra Karakashian est entièrement réalisée à l’huile noire – une autre signature de l’œuvre de cet artiste. L’exposition ne comporte aucune œuvre sonore – Gcotyelwa Mashiqa n’invite pas les spectateurs à écouter littéralement l’art, mais à le percevoir par d’autres sens et modes.

« Il y a d’autres façons d’aborder des œuvres d’art. Nous ne devrions pas nous contenter de les regarder. Comme le dit Mieka Bal (artiste et universitaire néerlandaise), « la vue est impure ». Nous avons des préjugés et nous sommes conditionnés pour voir d’une certaine manière. Je voulais que les gens voient différemment, qu’ils réapprennent comment ils regardent les œuvres d’art. Écouter, c’est refuser d’utiliser les termes qui nous ont été donnés et qu’on nous a dit d’utiliser en regardant les images », explique la curatrice.

Bien sûr, cette approche n’est pas seulement destinée à transformer le regard que nous portons sur l’art, ou du moins à nous rendre plus conscients de la manière dont notre regard est conditionné par la société, mais elle concerne également le racisme, qui est fondé sur un préjugé inhérent basé sur les apparences.

Il n’est donc pas surprenant d’apprendre que les concepts de l’exposition Black Luminosity ont germé au cours de la première vague de confinements, lorsque la décès de George Floyd a non seulement donné lieu à des protestations dans le monde entier, mais a également renforcé la prise de conscience sur le racisme et a suscité des efforts pour le combattre. Les Noirs font la couverture des magazines et une forme de visibilité des identités noires apparaît prononcée. Cette réaction a naturellement coïncidé avec un regain d’intérêt pour les portraits de personnes noires réalisés par des artistes noirs.

En effet, l’une des artistes ayant une œuvre dans Black Luminosity, Zandile Tshabalala, a manifestement surfé sur cette vague renouvelée du portrait noir avec ses peintures lisses représentant une femme noire chauve qui ressemble à l’artiste. Zandile Tshabalala reconfigure les notions de beauté féminine à travers ces autoportraits brillants qui représentent souvent le sujet dans des décors tropicaux idylliques. Self Check : Lady in pink scarf (2021) célèbre la noirceur – la peau du sujet est d’un noir profond et ses lèvres rouges et ses ongles peints ressortent sur cette teinte sombre. Cette forme de portrait de célébration a fait son chemin non seulement sur Instagram mais aussi dans les ventes aux enchères, et pourtant c’est la seule œuvre de cette veine sur Black Luminosity.

Gcotyelwa Mashiqa s’intéresse non seulement à un spectre d’expression et à la manière dont il peut refléter différentes lectures du Blackness – qui n’est pas seulement une question de race, mais aussi de vue, de vision et de ressenti – mais aussi à l’encouragement des spectateurs à regarder (et à écouter) au-delà des apparences ; elle avait besoin de présenter des œuvres qui ne soient pas simplement des présentations physiques de soi. Non pas que cette conservatrice ait planifié stratégiquement chaque pièce avec une intention spécifique en tête.

« Ce n’est que maintenant, rétrospectivement, que je lis les œuvres de l’exposition. C’est ce que j’apprécie toujours dans le fait de faire des expositions, je ne m’engage pas visuellement avec l’œuvre, je travaille plus intuitivement. Je voulais m’exposer et découvrir mes propres préjugés en tant que commissaire d’exposition. En tant que femme noire, à l’époque de Black Lives Matter, je voulais me demander quelles formes d’anti-noirité j’avais intériorisées », observe la commissaire d’exposition.

Cette jeune commissaire d’exposition trouva d’abord ses marques dans une occupation précaire au Zeitz MOCAA (Musée d’Art Contemporain d’Afrique) du Cap, où elle fût l’une des premières stagiaires en commissariat d’exposition. Elle devint par la suite assistante conservatrice et suscita de l’intérêt. Cependant, elle trouva que son séjour là-bas (comme beaucoup d’autres), sous la direction de Mark Coetzee, n’était pas très enrichissant pour une jeune conservatrice, et donc quitta le musée avant l’arrivée de Koyo Kouoh.

“Ça ne correspondait pas à ce que je voulais devenir.”

Gcotyelwa Mashiqa

« Bien qu’il existe aujourd’hui un certain nombre de nouvelles fondations artistiques privées en Afrique du Sud – le Javett Art Centre, la Norval Foundation et la Joburg Contemporary art Foundation – cela ne s’est pas nécessairement traduit par davantage d’opportunités pour les commissaires d’expositions indépendants », explique Gcotyelwa Mashiqa.

C’est la Triennale inaugurale de Stellenbosch qui lui a offert une plateforme après son départ du Zeitz Mocaa en 2019 – elle a été co-commissaire de l’exposition From the Vault, qui est toujours visible à la galerie universitaire de cette même ville. Elle a également travaillé avec le célèbre commissaire d’exposition nigérian Azu Nwagbogu et avait un projet à venir avec lui au Nigeria plus tard cette année. Cependant, il est difficile de trouver des opportunités en Afrique du Sud en tant que commissaire d’exposition indépendante. Black Luminosity a vu le jour lorsque la galerie SMAC lui a demandé de formuler une proposition pour une foire d’art de haut vol. « Il n’est pas facile d’organiser des expositions dans des espaces commerciaux pour la simple raison que les objectifs commerciaux ne sont pas son but », dit-elle.

« Le travail que je fais est totalement muséal. Les pièces d’Usha Seejarim et de Cow Mash que j’ai choisies pour cette exposition pourraient ne pas se vendre. Je n’ai pas d’autre motivation que d’explorer mon travail académique. Plus de galeries devraient envisager d’inviter des curateurs indépendants, les gens ne manqueraient probablement pas ces expositions. »

Son intérêt pour le regard, la visibilité et la perception des conditions et l’expression au-delà de l’œil nu peut être attribué à la formation initiale de Gcotyelwa Mashiqa en tant que photographe – mais aussi à un intérêt qui sous-tend une thèse de maîtrise axée sur l’analyse d’une archive photographique d’images ethnographiques. Cela l’a conduite aux écrits de Georges Didi-Huberman, un philosophe français qui présente des perspectives controversées sur la façon dont nous lisons les images. Black Luminosity a été inspiré par ses essais.

« Huberman écrit que les gens sont exposés pour disparaître. J’ai trouvé que c’était une déclaration provocante – particulièrement en lisant ceci à huis clos où chacun de nous est en ligne et où nous voyons tout. L’essai, écrit il y a cinq ans, traite de la façon dont l’hypervisibilité produit l’invisibilité. Ainsi, ce que nous voyons tous les jours, nous cessons de le voir », observe la commissaire d’exposition.

Peut-on regarder l’œuvre de Mary Sibande d’une manière nouvelle, tant l’œuvre de cette artiste sud-africaine nous est familière ? Gcotyelwa Mashiqa a voulu relever ce défi en incluant deux œuvres de cette célèbre artiste. Une œuvre photographique de Mary Sibande intitulée Turn, turn, turn, turn (2019) juxtapose deux figures féminines, qui semblent représenter une divinité et une adepte. L’œuvre met l’accent sur le spiritisme et le culte religieux, un aspect qui a peut-être été présent mais négligé dans l’art de Mary Sibande depuis sa série bien connue Sophie – représentant un sujet dans une tenue d’employée de maison à la mode victorienne.

Gcotyelwa voulait non seulement attirer l’attention sur la relation entre le monde spirituel et la Négritude, mais aussi sur un état métaphysique qui échappe à la logique et à la visualisation. En d’autres termes, elle est attirée par les œuvres d’art qui évoquent des états au-delà du visuel – qui obligent à ce qu’elle appelle l’écoute.

« Les œuvres d’Usha Seejarim étaient destinées à donner un contre-point inattendu à cette exposition« , explique la commissaire d’exposition.

« Les œuvres d’Usha Seejarim semblent si masculines et pourtant elles font référence à des objets domestiques ».

Gcotyelwa Mashiqa

Slanted Representation et Art History at Home sont des sculptures réalisées à partir de cadres récupérés. Dans cette dernière œuvre, Usha Seejarim utilise les cadres pour créer une pince géante. En utilisant le cadre pour des images plutôt que de présenter une image, Usha Seejarim évite la représentation visuelle elle-même et creuse dans l’histoire collective de l’imagerie, en la transposant dans le domaine domestique où les femmes ont travaillé et continuent de travailler – et sont obligées de créer leur propre histoire visuelle, leur expression – en utilisant ce qui leur tombe sous la main. Elle évoque ainsi la difficulté d’articuler et d’accéder à une histoire de personnes marginalisées qui n’ont pas eu de « cadre » approprié ou reconnu pour leur travail et leur expression. Dans ce contexte, « écouter » l’art pourrait impliquer de ressentir une absence, d’imaginer les histoires qui n’ont pas été racontées, qui n’ont pas eu de place pour être vues.

L’agence African Art Features est financée par le Conseil national des arts d’Afrique du Sud.

Black Luminosity is showing at Smac Gallery in Stellenbosch until May 20. 

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1-54 foire d’Art Contemporain Africain dévoile ses galeries pour sa 7e édition

Réunissant 45 galeries de 19 pays, 1-54 présentera 16 galeries d’Afrique et plus de 140 artistes de profils émergents et établis. 15 galeries seront accueillies pour la première fois à la foire de Londres, dont Catinca Tabacaru Gallery, Claire Oliver Gallery, espace d’art contemporain 14N 61W, Galerie Ernst Hilger, Galleria Anna Marra, Guns & Rain, The Hole, Kalashnikovv Gallery, Luce Gallery, Mindy Solomon Gallery, Nil Gallery, Sakhile & Moi, SMITH, Tabari Art Space et Ubuntu Art Gallery.

Fort du succès du programme élargi de projets spéciaux à but non lucratif, 1-54 présentera à nouveau un certain nombre de projets parallèles, dont la première exposition personnelle de Mary Sibande au Royaume-Uni, je me suis séparée des coutures présentée en partenariat avec le Somerset House, qui se tiendra jusqu’au 7 janvier 2020. 1-54 renouvelle son partenariat avec la Fondation Kamel Lazaar (KLF) qui a commissionné et fait installé une sculpture monumentale dans l’enceinte de la cour de la Fontaine Edmond J. Safra du Somerset House.

Organisé pour la première fois par la commissaire Kerryn Greenberg, responsable des expositions et collections internationales au Tate, 1-54 FORUM revient sur quatre après-midi. Dédié à la regretté commissaire d’expositions nigériane Bisi Silva, le programme réunira d’éminentes personnalités de la culture qui discuteront des questions qui sont au cœur de la pratique de Silva.

Liste complète des galeries exposantes

• 50 Golborne (Londres, Royaume-Uni)
• Addis Fine Art (Addis Ababa, Ethiopie)
• AFRONOVA GALLERY (Johannesburg, Afrique du Sud)
• AGorgi (Tunis,Tunisie)
• Catinca Tabacaru Gallery (New York, Etats-Unis)
• Circle Art Gallery (Nairobi, Kenya)
• Clare Oliver Gallery (New York, Etats-Unis)
• Ed Cross Fine Art (Londres, Royaume-Uni)
• espace d’art contemporain 14N 61W (Fort de France, Martinique)
• Galerie Anne de Villepoix (Paris, France)
• Galerie Cécile Fakhoury (Abidjan, Cote d’Ivoire / Dakar, Senegal)
• Galerie Ernst Hilger (Vienna, Autriche)
• Galleria Anna Marra (Rome, Italie)
• Gallery 1957 (Accra, Ghana)
• Gallery Nosco (Marseille, France)
• Guns & Rain (Johannesburg, Afrique du Sud)
• The Hole (New York, Etats-Unis)
• HUBERTY & BREYNE GALLERY (Paris, France / Bruxelles,Belgique)
• Jack Bell Gallery (Londres, Royaume-Uni)
• James Cohan (New York, Etats-Unis)
• Galerie Kalashnikovv (Johannesburg, Afrique du Sud)
• Galerie Kristin Hjellegjerde (Londres, Royaume-Uni)
• L’Atelier 21 (Casablanca, Maroc)
• Galerie Lawrie Shabibi (Dubai, E.A.U)
• Loft Art Gallery (Casablanca, Maroc)
• Galerie Luce (Turin, Italie)
• MAGNIN-A (Paris, France)
• Galerie Mashrabia(Caire, Egypte)
• Galerie Mindy Solomon(Miami, Etats-Unis
• Galerie Nil (Paris, France)
• October Gallery (Londres, Royaume-Uni)
• Primo Marella Gallery (Milan, Italie)
• Sakhile & Me (Frankfurt, Allemagne)
• Selma Feriani Gallery (Tunis, Tunisie)
• SMAC (Stellenbosch / Le Cap/ Johannesburg, Afrique du Sud)
• SMITH (Le Cap, Afrique du Sud)
• SMO Contemporary Art (Lagos, Nigéria)
• Sulger-Buel Gallery (Londres, Royaume-Uni)
• Tabari Art Space (Dubai, E.A.U)
• TAFETA (Londres, Royaume-Uni)
• Tiwani Contemporary (Londres, Royaume-Uni)
• Ubuntu Art Gallery (Caire, Egypte)
• Vigo Gallery (Londres, Royaume-Uni)
• WHATIFTHEWORLD (Le Cap, Afrique du Sud)
• Yossi Milo Gallery (New York, Etats-Unis)

1-54 Foire d’Art Contemporain Africain 

3-6 Octobre 2019, Somerset House

London Somerset HouseStrand, London WC2R 1LA

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SMAC Gallery présente Of the seeking or the finding, une exposition personnelle de Mongezi Ncaphayi du 11 mai au 5 juin 2019 à Johannesburg. Le temps pour nous de plonger dans un univers profond fait de couleurs et de formes.

Nous avons parcouru un long chemin depuis l’époque où l’abstraction était une aberration dans le paysage artistique sud-africain et où les enjeux étaient plus élevés pour les artistes noirs à qui la responsabilité d’un art plus représentatif était imposée. Dans notre époque contemporaine, nous pouvons aujourd’hui observer une diversité de styles et d’approches de l’art qui ne reflètent pas seulement notre époque et notre lieu, mais qui indiquent aussi un apaisement contre toute forme de superégo imposé à ce qui est approprié et à ce qui ne l’est pas.

L’art abstrait a été l’un des véhicules avec lesquels les artistes ont utilisé leurs droits pour refuser certaines formes de cooptation, de représentation et d’identité. Bien qu’il s’agisse d’une forme de commentaire social par le biais d’un refus, il faut dire que ce[refus] ne signifiait pas du tout que ces artistes n’étaient pas préoccupés ou critiques par l’état du monde.

Aujourd’hui, de nouvelles formes d’attentes figuratives sont imposées et les artistes issus de sociétés marginalisées sont invités à mettre en scène une fois de plus leur marginalité et leur exclusion en représentant, en jouant et en parlant à leurs origines. Choisir de se désengager, de battre en retraite ou de fuir peut être une forme d’expression de la valeur, pour ceux-là (comme dirait Sun Ra) : « qui veulent être en harmonie avec les vibrations des mondes cosmiques extérieurs. »
Des artistes comme Mongezi Ncaphayi insistent pour parler au monde, mais pas nécessairement dans les langues et les formes qui conviennent à nos goûts et à nos attentes. Ils puisent dans les recoins de leur âme, dans le néant du cosmos, pour déterminer leurs voies.

Le langage de l’abstraction dans l’œuvre de Ncaphayi est un voyage qui oscille entre le réel et l’éthéré. Sa démarche exploratoire porte sur la réalité des matériaux artistiques à sa disposition, avec des matériaux conventionnels mais soumis à un processus qui ne garantit jamais des résultats prévisibles. Laissé au hasard, ce destin inconnaissable ouvre le papier ou la toile à être plus qu’un substrat mais aussi un lieu d’exploration ; une carte à partir de laquelle on cherche et découvre l’inconnu par le chatoiement de la peinture, les ciseaux, les pinceaux, les cutter, l’eau, l’encre.

Les peintures de Ncaphayi, largement minimalistes, vacillent entre collages et peinture en utilisant la technique du mouillé sur mouillé. Wet-on-wet se réfère à un procédé basé sur des pigmentations à base d’eau, par lequel un pigment aqueux est appliqué sur un autre d’une manière semi contrôlée, provoquant un orchestre complexe et rythmique d’effets picturaux. Ces images ont tendance à ressembler à un tracé topographique, une forme floue de cartographie. L’objet d’art devient ici un signe cartographique dans lequel nous traçons le labyrinthe de nuances développées par nos soins, rendues avec élégance et sans effort apparent. C’est quelque chose que Ncaphayi approfondit dans l’exposition actuelle.

De la recherche ou de la découverte se poursuit sur cette trajectoire dans les mondes abstrait et incorporel, embrassant la sérendipité et l’improvisation. Ncaphayi a l’implacabilité inattendue d’un chercheur. Le titre de l’exposition actuelle est tiré d’un poème du poète et écrivain afro-américain Langston Hughes, intitulé Old Walt. Dans les deux strophes, Hughes emploie le langage rythmique et répétitif qui fait des boucles, bascule et se balance dans les deux sens.

Le vieux Walt Whitman
J’ai cherché et trouvé, j’ai cherché, j’ai trouvé moins que cherché, j’ai cherché plus que trouvé, j’ai veillé à tous les détails.
De la recherche ou de la découverte.

La solitude qui caractérise le voyage du vieux Walt, le mouvement qui dépeint sa poursuite sans fin et son impossible satiété, inspectant chaque crevasse  » plaisir de chercher comme de trouver « , est une description appropriée du processus de Ncaphayi. La solitude, le mouvement et le plaisir qui imprègnent le poème de Hughes sont analogues à la satisfaction de Ncaphayi dans le processus enrichissant de recherche et de spontanéité.

C’est « la poésie qui vient comme le blues et le blues qui vient comme la poésie » comme disait Jayne Cortez. La musique hante, c’est-à-dire qu’elle affine et exploite l’art de Ncaphayi. Les œuvres actuelles sont quelque peu musicales, non seulement parce qu’elles suivent une sorte de mise en scène de la muse ou de la rêverie, mais aussi parce qu’elles impliquent beaucoup de « jeu ». En tant que saxophoniste lui-même, Ncaphayi emploie quelque peu la notion de jeu dans le développement même des oeuvres. Ce sens du jeu influe également sur la façon dont nos yeux reçoivent la palette subtile et fluide, ce qui rend les œuvres d’art plus légères et invitantes pour les yeux. Les formes, les lignes, les points et autres traits interrompants mais subtils de ces belles images prolongent ce sens du jeu, sans être frivoles ou nécessairement décoratifs.

Il s’agit d’une œuvre qui nous invite à réfléchir à des formes de liberté incarnées, aussi insaisissables, fantastiques et ténues que cela puisse être. C’est une collection qui explore les questions du voyage dans le temps, de la spatialité (littéralement et avec imagination), de la beauté et du jeu. Mongezi Ncaphayi’s Of the seeking or the finding s’intéresse aux questions des libertés spirituelles, de l’exploration matérielle et des vertus des pratiques exploratoires humaines.

 

A voir jusqu’au 5 juin 2019
A la galerie SMAC à Johannesburg
1er étage, The Trumpet
19, avenue Keyes
Rosebank
2196
T : +27 (0)10 594 5400

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Qu’est-ce qui fait un portrait ? Que découvrons-nous à travers les créations et les reconstitutions de notre propre image ? Au fur et à mesure que la beauté de chaque image est révélée, les limites du langage le sont aussi.

Cette exposition explore l’idée du portrait en tant qu’outil permettant de cartographier la composition psychologique du sujet humain. – Dr Ernst van der Waall

L’exposition rassemble les œuvres de treize artistes sud-africains qui, à travers leur travail, luttent avec la notion de soi. On y retrouve des portraits traditionnels (peints et gravés) ponctués d’œuvres déformées et déconcertantes. En témoigne l’oeuvre de  Marlene Steyn — in her feel her out her face mask (2019), une huile sur toile qui représente un visage féminin, au cheveux bleus qui porte un t-shirt ou un pull bleu et blanc rayé. Le visage de la femme se compose de plusieurs visages et au moins neuf paires d’yeux sont visibles – une répétition curieuse qui rend l’image totalement captivante et troublante.

L’exposition présente des portraits de différents styles : On passe des œuvres en acrylique du peintre John Murray, aux autoportraits complexes de Georgina Gratrix, aux contours profonds et tactiles de Mostaff Muchawaya, puis aux coups de pinceau sourds et à la palette de Alexis Preller – un rendu tout à fait saisissant.g.

Le portrait est une façon de s’attaquer à l’extérieur de l’être humain (raser la surface du corps et traduire les traces de l’émotion en marques sur la toile ou sur un morceau de papier), tout en creusant plus profondément, en essayant d’arracher les couches du sujet humain pour explorer son fonctionnement intérieur. – Dr Ernst van der Waall

Le portrait occupe une position très inconfortable dans l’histoire de l’art, car relayés à une époque où les portraits (en particulier les portraits peints) étaient réservés à quelques privilégiés ce qui est d’ailleurs encore le cas aujourd’hui ; De nos jours avec la photographie omniprésente et plus accessible, la capture de portrait est devient de plus en plus populaire. Entre ces deux extrêmes, nous trouvons un langage commun qui nous permet d’examiner en profondeur ce que signifie se voir soi-même et les autres à travers l’imagerie – ce qui se transforme en un questionnement sur les notions de beauté, désir, d’identité et d’âme.

La liste complète des artistes participants comprend Albert Adams, Braam Kruger, Peter Clarke, Christo Coetzee, Kate Gottgens, Georgina Gratrix, Johann Louw, Mostaff Muchawaya, John Murray, Alexis Preller, Gerard Sekoto, Marlene Steyn et Simon Stone. Les œuvres seront exposées jusqu’au 19 avril.

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