Dans Retour de la Lune (Back of the Moon), l’artiste présente des œuvres de grande taille à panneaux multiples, prolongeant son exploration de la technique du collage à la fois sur et avec la toile. Après avoir étudié la peinture pendant deux ans aux Ateliers d’Amsterdam, l’artiste attribue sa gravitation vers une approche multimédia à une affection pour le dessin au trait et les matériaux ayant un lien avec le passé politique de l’Afrique du Sud, ainsi qu’au courant conceptuel sous-jacent fourni par la rupture, la superposition et la création de formes hybrides.

L’artiste écrit :

J’ai réfléchi à ce que signifie d’offrir ma pratique d’un point de vue social et esthétique. J’ai pris la décision consciente de continuer à réaliser les intérieurs en utilisant une palette monochrome, en partie parce que cette utilisation de la couleur rend les silhouettes difficiles à situer dans le temps – mes personnages apparaissent dans des scènes d’une existence alternative et personnelle.

Dans toute peinture figurative, la question la plus importante qui se pose est de savoir qui sont les personnages du tableau. Dans mes peintures de collage, les personnages refusent de se figer dans une simple matière dessinée ou peinte ; il y a là une présence vivante sur la toile qui ne peut être détournée du regard.

Les scènes de cette exposition se déroulent dans des chambres, des salons, des cuisines, des tabourets et des bureaux, avec des personnages représentés dans des confrontations et des étreintes ambiguës, entrecoupées de moments de solitude. Matloga utilise des arrangements contradictoires de posture et d’expression, offrant un kaléidoscope d’intérieurs et d’intériorités qui remettent en question les conceptions communes des relations sociales.

Bien que les scènes soient socialement reconnues, le fait de vivre avec ces œuvres dans mon studio m’a fait réaliser que je crée des situations que je ne connais pas, ce qui signifie que je ne suis pas capable de déchiffrer les expressions de ces âmes, bien que je sois très connecté avec elles.

Les questions qui se posent à propos des personnes dans les peintures font partie intégrante du concept. Au centre se trouve une allégorie qui parle de l’importance de continuer à vivre, de vivre et d’exister au milieu de toute la sociopolitique.

Dans un compte rendu de l’exposition personnelle de l’artiste au Musée Fries, Neo to Love, il a été observé que « l’œuvre de Matloga est à la fois politique, personnelle et universelle. Le fait de grandir dans une société profondément troublée et raciste laisse des traces. Celles-ci sont contrebalancées par la vie de famille, l’amour, l’amitié et la joie de vivre ». Ainsi, dans Retour de la Lune, l’artiste poursuit son exploration de la tendresse et des traumatismes, en déclarant :

J’ai décidé de nommer cette exposition  » Retour de la Lune  » non pas parce que j’illustre ce beau phénomène, mais plutôt parce que le processus de création de ces œuvres d’art s’est déroulé la nuit à la lumière de la lune, depuis mon studio de Limpopo.

Un soir, j’ai regardé le film The Suit, qui traite du moment où le bonheur domestique se transforme en violence domestique. Des histoires similaires se produisent dans mon entourage. Cela a renforcé ma conviction d’être contre la jalousie, le harcèlement et les conflits conjugaux, mais peut-être que la violence se traduit dans la technique du collage. Même s’il n’y a pas de formule toute faite en studio, en commençant par le collage, je déforme et je recrée simultanément l’intégrité du visage.

Pour moi, l’élément collage rend la cohérence de la toile encore plus difficile à saisir. Il serait illogique de ma part d’ignorer le fait que représenter la vie quotidienne des noirs est en quelque sorte un acte politique, mais je ne prendrai pas le titre d’activiste ou d’artiste politiquement explicite, en me basant sur ma simple observation que les gens ne cessent de se comporter comme des représentants de la morale.

Retour de la Lune – Back of the Moon est la première exposition personnelle de Neo Matloga avec Stevenson Johannesburg – Pour toute demande de renseignements et d’informations sur les œuvres de cette exposition, veuillez contacter info@stevenson.info

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L’océan est le monde, sans partition ni division, seulement la profondeur et l’étendue. En raison de sa profondeur, il sert de lieu de sépulture. Donc, si vous pointez une caméra vers une masse d’eau, vous obtenez une représentation opaque, des dieux et des langues, des objets et des chansons, tout ceci avec des corps jonché sur les côtes ouest africaines. L’opacité de la mer est donc sa promesse riche et dangereuse. Certains se noieront et d’autres arriveront au port. – Emmanuel Iduma, The Stranger’s Pose (2018)

Jo Ractliffe écrit:

Je vis dans une maison située à flanc de montagne, avec vue sur la mer. Chaque matin, je respire l’air de la mer. C’est une odeur pas comme les autres, parfois intensément humide, d’autres fois avec une infime quantité de saumure. j’aspire cet air aussi profondément que possible, comme si ma respiration pouvait pénétrer les profondeurs de l’océan. Cela me remplit d’une pure satisfaction momentanée et je sais que je suis ici avec les vivants, et non pas avec les morts.

En 2015, j’ai subi une blessure qui a changé ma vie et ma façon de voir les choses. Par conséquent, ma photographie s’est éloignée de l’essai photographique prolongé basé sur la recherche, qui exigeait de longs et répétés voyages dans le paysage. Aujourd’hui, je travaille de façon plus spontanée et plus responsable, et j’observe la dynamique qui émerge lorsqu’une collection d’images apparemment disparates, faites sans intention claire ou soutenue de ma part, se réunit. Je m’investis moins dans mes propres désirs que dans ce que les photographies semblent vouloir les unes des autres. En choisissant et en éditant les images pour Everything is Everything (2017), j’étais curieux de voir les motifs et les répétitions qui s’étaient développés – indépendamment, semble-t-il, de mes intentions – ainsi que le ton de l’œuvre dans son ensemble – malgré la diversité des attitudes visuelles, des modes photographiques et des équipements utilisés sur une période de 30 ans. De même, avec ce corpus de travail, il y a eu un certain nombre d’images qui ont refusé de se conformer à mes tentatives de les éditer et qui se sont retrouvées à plusieurs reprises dans le groupe. Cela peut paraître étrange : nous ne confions généralement pas à l’image sa propre administration, mais je commence à voir que les photographies ont leur propre force ; elles nous repoussent, et si nous y prêtons attention, nous pouvons entrer dans différentes relations avec elles.

La plupart des photographies de cette exposition ont été prises au cours des 45 derniers mois ; quelques-unes remontent jusqu’en 1986. Ils viennent de nombreux endroits : du Cap Sud, en passant par la côte Ouest, l’Angola et de l’autre côté de l’Atlantique jusqu’au Mexique. De la sirène de la baie de Sainte-Hélène à Buffel, l’éléphant de mer du sud, qui a parcouru quelque 2 100 kilomètres depuis l’île de Marion pour subir sa mue catastrophique sur la plage Fish Hoek plus tôt cette année, cette exposition commence et se termine avec la mer.

Ractliffe exposera en même temps que Ian Grose. L’exposition sera inaugurée le jeudi 16 mai de 18h à 20h.

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STEVENSON

La galerie Stevenson a un programme d’expositions internationales avec une attention particulière pour la région sud-africaine. La galerie a ouvert ses portes en 2003 et dispose d’espaces au Cap et à Johannesbourg. Elle est détenue conjointement par ses onze associés. Stevenson participe à Art Basel, Frieze London, Paris Photo et Art Basel Miami Beach..

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Les œuvres de cette exposition ont été réalisées en réponse à une invitation à participer à Rising Waters : The Indian Ocean in the Twenty-first Century, une exposition collective qui aura lieu au McMullen Museum, Boston, en 2020. L’exposition propose d’examiner le changement climatique et la migration des personnes, des objets et des idées à travers l’océan Indien. Avec Warm Water Imaginaries, Siopis répond à cette vaste histoire et à cette présence géologique et sociale complexe par la création de mondes imaginaires en petites et grandes peintures, ainsi que par des assemblages d’objets et un nouveau film. Tout en faisant allusion à des récits et à des images qui parlent du changement climatique, de fluidité de matérialité et des formes. Le dynamisme ainsi créé invite le spectateur à projeter son imaginaire.

Lisez l'article sur cette exposition en cliquant sur le lien suivant:
                                                                                                     
  → Une union de formes, de textures et de couleurs pour réfléchir sur le changement climatique

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STEVENSON

Stevenson Gallery, a un programme d’expositions internationales avec un accent particulier sur la région de l’Afrique du Sud. La galerie a ouvert ses portes en 2003 et dispose d’espaces au Cap et à Johannesbourg. Elle est détenue conjointement par ses onze administrateurs. Stevenson participe à Art Basel, Frieze London, Paris Photo et Art Basel Miami Beach.

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