1 – Black Refractions, 2019

Un guide qui fait autorité sur l’une des plus importantes collections d’art afro-américain au monde, avec des œuvres d’artistes allant de Romare Bearden à Kehinde Wiley. Les artistes présentés dans Black Refractions, dont Kerry James Marshall, Faith Ringgold, Nari Ward, Norman Lewis, Wangechi Mutu et Lorna Simpson, sont issus de la célèbre collection du Studio Museum de Harlem. Grâce à des expositions, des programmes publics, des résidences d’artistes et des acquisitions audacieuses, cette institution pionnière a servi de lien aux artistes d’origine africaine au niveau local, national et international depuis sa fondation en 1968. Plutôt que de chercher à construire une histoire unique de l' »art noir », Black Refractions met l’accent sur une pluralité de récits et d’approches, retracés à travers 125 œuvres de tous les médias des années 1930 à nos jours.

Un essai de Connie Choi et des contributions d’Eliza A. Butler, Akili Tommasino, Taylor Aldridge, Larry Ossei Mensah, Daniela Fifi, et d’autres sommités contextualisent les œuvres et fournissent un commentaire détaillé. Un dialogue entre Thelma Golden, Connie Choi et Kellie Jones fait ressortir les thèmes et les défis liés à la collecte et à l’exposition d’œuvres d’art moderne et contemporain d’artistes d’origine africaine. Plus qu’un document sur le parcours pionnier d’une institution particulière ou sur son rôle de catalyseur dans le développement de l’appréciation américaine de l’art de la diaspora africaine, ce volume est un recueil d’une tradition artistique essentielle.

2 – Zanele Muholi, Somnyama Ngonyama

Zanele Muholi : Somnyama Ngonyama, Saluez la lionne noire comprend 100 autoportraits créés par une des plus puissantes activistes visuelles de notre temps. Dans chacune des photographies, Zanele Muholi dessine des accessoires matériels de son environnement immédiat afin de refléter son parcours, d’explorer sa propre image et ses possibilités en tant que femme noire dans la société mondiale actuelle, et – plus important encore – de parler avec force en réponse aux racismes contemporains et historiques. Comme elle le dit, « Je produis ce document photographique pour encourager les gens à être assez courageux pour occuper des espaces, assez courageux pour créer sans crainte d’être vilipendés… Pour enseigner aux gens notre histoire, pour repenser ce qu’est l’histoire, pour nous la réapproprier, pour encourager les gens à utiliser des outils artistiques tels que les appareils photo comme des armes pour riposter ».

Plus de 20 commissaires d’exposition, poètes et auteurs proposent des contributions écrites qui font ressortir les couches de sens et les lectures possibles pour accompagner les images sélectionnées. Parmi eux, Renée Mussai, Unoma Azuah, Milisuthando Bongela, Ama Josephine Budge, Cheryl Clarke, Fariba Derakhshani, Andiswa Dlamini, Christine Eyene, Tamar Garb, Thelma Golden, Sophie Hackett, M Neelika Jayawardane, Peace Kiguwa, Mapula Lehong, Sindiwe Magona, Napo ‘Popo’ Masheane, Hlonipha Mokoena, Jackie Mondi, Pumelela ‘Push’ Nqelenga, Oluremi C Onabanjo, Ruti Talmor, Christie van Zyl, Carla Williams et Deborah Willis. Puissamment saisissant, ce recueil est autant un manifeste de résistance qu’une déclaration autobiographique et artistique.

3 – Kwame Brathwaite: Black Is Beautiful

À la fin des années 1950 et tout au long des années 1960, Kwame Brathwaite a utilisé son oeuvre photographique pour populariser le slogan politique « Black Is Beautiful » – « Le Noir est beau ». Cette monographie – la première jamais consacrée à la carrière remarquable de Brathwaite – raconte l’histoire d’une figure clé, mais peu reconnue, de la deuxième Renaissance de Harlem.

Inspiré par les écrits de l’activiste et nationaliste noir Marcus Garvey, Kwame Brathwaite, avec son frère aîné Elombe Brath, a fondé l‘African Jazz Arts Society and Studios (AJASS) et les Grandassa Models (1962). AJASS était un collectif d’artistes, de dramaturges, de designers et de danseurs ; Grandassa Models était une agence de mannequins pour femmes noires, fondée pour défier les normes de beauté des Blancs. De magnifiques portraits en studio de Grandassa Models à des images des coulisses de la communauté artistique de Harlem, dont Max Roach, Abbey Lincoln et Miles Davis, ce livre propose une exploration de la vie et de l’œuvre de Brathwaite.

4 – Making Africa par le regretté Okwui Enwezor

« L’avenir appartient à l’Afrique, car il semble que cela se soit déjà produit partout ailleurs »– Okwui Enwezor

Making Africa pose un regard neuf sur le design africain. Pour la première fois, nous avons un livre qui se concentre sur les réalisations créatives sur le continent, sans être obsédé par les tropes habituels du recyclage, du design humanitaire ou de l’artisanat traditionnel. Au contraire, « Making Africa » montre une nouvelle génération de designers qui utilisent leur travail comme un outil de changement économique, politique et social et donc aussi pour créer un nouvel avenir pour le continent. Leur production créative défie toute définition de genre, en dépassant les domaines classiques tels que la conception de meubles, le design de produits et la typographie pour englober les médias numériques, l’art, la photographie, l’architecture et le cinéma.

Une grande partie du catalogue est consacrée à la documentation des travaux de plus de 120 protagonistes de la nouvelle ère créative de l’Afrique – dont Cyrus Kabiru, Cheick Diallo, Mário Macilau, Francis Kéré, David Adjaye, Kunlé Adeyemi, Bodys Isek Kingelez, Robin Rhode, Alaforu Sikoki, Selly Raby Kan et bien d’autres. Le contexte historique et théorique est exploré dans des essais et des discussions avec Okwui Enwezor, Koyo Kouoh, Edgar Pieterse et Amelie Klein, entre autres. Ils sont complétés par les déclarations d’environ 70 autres experts africains, qui se sont rencontrés lors d’entretiens et de groupes de réflexion dans des villes telles que Le Cap, Johannesburg, Lagos, Dakar, Nairobi et Le Caire.

Il s’agit d’un livre sur l’avenir de l’Afrique et sur une nouvelle façon plus ouverte de comprendre le design – ce qui signifie que c’est aussi un livre sur ce que le design peut réaliser au 21e siècle.

5 –  La Nouvelle Avant-garde Noire: La photographie entre l’art et la mode par Antwaun Sargent

Dans The New Black Vanguard: La présence de la figure noire et des modèles noirs dans les médias et l’art a été l’un des marqueurs de l’inclusion au sein des communautés de la mode et de l’art. Mais, de manière plus critique, le vocabulaire visuel contemporain autour de la beauté et du corps a été (ré)infusé avec une nouvelle vitalité et une nouvelle fraîcheur grâce à la multiplication d’images puissantes signées par une communauté internationale de photographes noirs. Dans un essai richement illustré, Sargent ouvre la conversation sur le rôle du corps noir sur le marché, la pollinisation croisée entre l’art, la mode et la culture dans la construction d’une image, et les barrières institutionnelles qui ont historiquement empêché les photographes noirs de participer plus pleinement aux industries de la mode (et de l’art).

Quinze portfolios d’artistes présentent les plus brillants photographes contemporains de mode, dont Tyler Mitchell, le premier photographe noir engagé pour réaliser un reportage pour Vogue American, Campbell Addy, fondateur de l’agence et du journal Nii, et Nadine Ijewere, dont le titre de la première série, The Misrepresentation of Representation – La Mé-représentation de la représentation – , en dit long. Parallèlement à une série de conversations entre générations, leurs images et leurs récits retracent l’histoire de l‘inclusion, et de l’exclusion, dans la création de l’image commerciale des Noirs, tout en proposant un avenir brillamment repensé. Des photographies de Campbell Addy, Arielle Bobb-Willis, Micaiah Carter, Awol Erizku, Nadine Ijewere, Quil Lemons, Namsa Leuba, Renell Medrano, Tyler Mitchell, Jamal Nxedlana, Daniel Obasi, Ruth Ossai, Adrienne Raquel, Dana Scruggs et Stephen Tayo, ainsi que des conversations avec Shaniqwa Jarvis, Mickalene Thomas et Deborah Willis sont présentées.

6 – Une Nouvelle République par Kehinde Wiley

Riche en reproductions de l’œuvre audacieuse, colorée et monumentale de Kehinde Wiley, ce livre englobe les différentes séries de peintures de l’artiste ainsi que son œuvre sculpturale qui explore avec audace les idées sur la race, le pouvoir et la tradition. Célèbre pour ses peintures de style classique qui dépeignent des hommes afro-américains dans des poses héroïques, Kehinde Wiley fait partie des rangs de plus en plus nombreux d’artistes noirs de renom tels que Sanford Biggers, Yinka Shonibare, Mickalene Thomas et Lynette Yiadom-Boakye qui retravaillent l’histoire de l’art et remettent en question ses représentations des personnes de couleur.

Co-publié avec le Musée d’art de Brooklyn dans le cadre de la grande rétrospective itinérante, ce volume passe en revue la carrière de Kehinde Wiley de 2001 à 2015. Il comprend les premiers portraits des hommes que Wiley a observés dans les rues de Harlem, et qui ont jeté les bases de ses remaniements acclamés de tableaux de vieux maîtres de Titien, van Dyke, Manet et autres, dans lesquels il remplace des sujets historiques par de jeunes hommes afro-américains en tenue contemporaine : vestes bouffantes, baskets, chandails à capuche et casquettes de baseball.

On y trouve également une généreuse sélection du projet World Stage en cours de Wiley, plusieurs de ses énormes peintures Down, de saisissants bustes de portraits masculins en bronze et des exemples de la nouvelle série de vitraux de l’artiste. Les illustrations sont accompagnées d’essais qui présentent aux lecteurs l’arc de la carrière de Wiley, sa réception critique et son évolution continue.

7 – L’Art Africain Contemporain depuis 1980 par Okwui Enwezor

Contemporary African Art Since 1980 est la première grande étude sur le travail des artistes africains contemporains issus de situations, de lieux et de générations diverses qui travaillent soit en Afrique, soit en dehors, mais dont les pratiques engagent et occupent les complexités sociales et culturelles du continent depuis les 30 dernières années. Son cadre d’analyse est absorbé par les transitions historiques : de la fin des utopies postcoloniales des années 60 au cours des années 80 aux changements géopolitiques, économiques, technologiques et culturels induits par la mondialisation. Ce livre est à la fois plus ciblé dans les périodes qu’il aborde et plus spécifique dans le domaine qu’il couvre. Il commence par aborder le paysage tumultueux de l’Afrique contemporaine, en examinant les points de repère et les récits, en explorant les systèmes de représentation divergents et en interrogeant les façons dont les artistes ont réagi au changement et ont incorporé de nouveaux principes esthétiques et concepts artistiques, images et imaginaires pour faire face à ces changements.

Organisé par ordre chronologique, le livre couvre tous les principaux médiums artistiques : peinture, sculpture, photographie, film, vidéo, installation, dessin, collage. le livre aborde également les formes et les genres esthétiques, des pratiques conceptuelles aux pratiques formalistes, abstraites aux figuratives. Entre les registres discursifs et théoriques, les principales questions que le livre analyse sont les suivantes : qu’est-ce que l’art africain contemporain et quand ? Qui pourrait être inclus dans le cadrage d’une telle identité conceptuelle ? Il aborde également la question de l’art africain contemporain dans un contexte de mondialisation.

Le livre offre ainsi l’occasion d’examiner, par une lecture attentive et une analyse visuelle, comment les préoccupations artistiques produisent des thèmes majeurs. La principale revendication de ce livre est que l’art africain contemporain peut être mieux compris en examinant la tension entre la période des grands changements politiques de l’ère de la décolonisation qui a permis de formuler des imaginations nouvelles et passionnantes de l’avenir, et le déclin lent, sceptique et social marqué par l’ère du néolibéralisme et des programmes d’ajustement structurel des années 1980. Ces questions sont abordées dans des chapitres couvrant les thèmes suivants : « Politique, culture, critique », « Mémoire et archives », « Abstraction, figuration et subjectivité » et « Le corps, le genre et la sexualité ».

8 – Textiles Africains d’aujourd’hui

Les textiles africains d’aujourd’hui illustrent la façon dont l’histoire africaine est lue, racontée et enregistrée dans le textile. Tous les artefacts ou les œuvres d’art renferment des histoires qui vont bien au-delà de l’époque de leur création ou de la vie de leur créateur, et les textiles africains sont modelés avec ces histoires cachées. Sur le continent Africain, le tissu peut être utilisé pour commémorer ou rappeler quelque chose – un événement, une personne, une cause politique – qui, dans d’autres parties du monde, peut être écrit en détail ou enregistré par une plaque ou un monument. En Afrique, l’histoire peut être lue, racontée et enregistrée dans un tissu.

La fabrication et le commerce de nombreux types de tissus sont des éléments essentiels de la vie et de la culture africaines depuis au moins deux millénaires, reliant les différentes parties du continent entre elles et avec le reste du monde. Le long engagement de l’Afrique avec les peuples de la Méditerranée et des îles des océans Atlantique et Indien est une histoire de changement et de continuité. Le livre montre comment les idées, les techniques, les matériaux et les marchés se sont adaptés et ont prospéré, et comment les traditions dynamiques du textile africain ont inspiré les plus grands artistes et photographes contemporains du continent. Avec un chapitre de conclusion traitant de l’impact des designs africains dans le monde, le livre offre un aperçu fascinant de l’histoire vivante de l’Afrique.

9 – Mickalene Thomas: Je ne te vois pas sans moi

En présentant des peintures de certains des principaux modèles et muses de l’artiste, I Can’t See You Without Me illumine le travail de la peintre de Brooklyn Mickalene Thomas (né en 1971). Puisant dans l’histoire de l’art et la culture populaire, Mickalene Thomas crée des portraits scintillants qui déconstruisent les liens très chargés entre le modèle, l’artiste et le spectateur.

Qu’ils soient représentés sous la forme d’odalisques classiques du XIXe siècle, de renardes de films de blaxploitation – exploitation de la femme noire dans le cinéma – ou d’une puissante figure maternelle aspirant à la mobilité sociale, les modèles récurrents dans les compositions de Thomas – presque exclusivement des femmes de couleur – véhiculent un esprit de force et de confiance en soi. Dans cet ensemble archétypique, ce sont à la fois leurs contradictions et leurs liens de parenté qui font du corps féminin noir un terrain si fertile pour les investigations en cours de l’artiste. En se présentant, ainsi que sa défunte mère et d’autres femmes formidables dans sa vie, comme des modèles, des muses et des collaboratrices, Thomas particularise son œuvre de portrait. Le livre, à la fois ciblé et exhaustif, réaffirme et contextualise les questions d’identité, de sexualité dans le travail de Thomas, qui n’ont fait que s’affiner et devenir plus palpables au fil du temps.

10 –  Récentes Histoires : Photographie et Vidéos d’Art Africain Contemporain de la collection Walther

Histoires récentes : La photographie et vidéos d’art africain contemporain de la collection Walther réunit les perspectives de 14 artistes contemporains d’origine africaine, qui étudient l’identité sociale, les questions d’appartenance et toute une série de préoccupations sociopolitiques – y compris la migration, la lignée, l’héritage du colonialisme et du calvinisme, et les coutumes locales – ainsi que des expériences personnelles en Afrique et dans la diaspora africaine.

En mettant en lumière des approches créatives spécifiques et en étudiant les sites et les plateformes collectives qui permettent ces pratiques, ce livre examine la masse critique qui s’est accumulée à travers les générations de créateurs d’images et d’artistes africains basés sur l’objectif. En accentuant les différentes perspectives au sein de cette génération et en considérant les infrastructures qui les relient souvent, Histoires récentes fournit un point d’entrée pour s’engager de manière critique avec les pratiques actuelles, et ouvre des considérations sur la façon de conceptualiser les cadres de la photographie et de l’art vidéo africains contemporains.

The post COVID-19 : 10 livres d’art à lire appeared first on Artskop.

Une femme abstraite peinte en noir est assise sur une chèvre rouge. Elle porte un délicat haut en dentelle tandis que sur sa tête sont cousues des lanières de cuir qui pendent comme des cheveux. L’œuvre, intitulée The Journey (2020), de l’artiste Patrick Bongoy, originaire de la RDC et installé au Cap, devient plus intéressante quand on voit qu’elle est représentée avec les mêmes sabots que la chèvre. Elle a été exposée sur le mur de Ebony/Curated, une galerie ayant des succursales à Franschhoek et au Cap, lors de la huitième édition de la foire d’art Investec Cape Town. L’œuvre, réalisée à partir de chambres à air en toile de jute, acrylique et caoutchouc, représente le monde fantasque caractéristique de l’artiste qui explore les thèmes de la migration, de l’aliénation et de la perte de la patrie. Egalement créateur de mode, le travail de Bongoy est en prise directe avec la crise environnementale mondiale actuelle. « Mon travail est une réponse à la réalité mondiale de la pollution environnementale, au sens propre comme au sens figuré », dit-il. Difficile de passer à côté de son étonnante sculpture d’un personnage de la première Triennale de Stellenbosch de cette année, représentant un homme fait de caoutchouc désaffecté, courbé comme s’il essayait de se libérer des limites d’un morceau de tissu. La pièce, qui s’est vendue entre 6 000 et 10 000 dollars, était révélatrice d’une forte présence d’œuvres sociopolitiques à la foire, challengeant à la fois les idées récentes et passées sur l’identité et les récits historiques alors que le continent africain se projette dans un nouvel avenir.

Entre galeries du continent africain et institutions culturelles de premier plan

La huitième édition de la foire d’art du Cap – Investec Cape Town Art Fair – s’est tenue de nouveau au Centre International de Convention de la ville du Cap, avec pour nouvelle mission de se doter d’une plus forte orientation africaine. « C’est une foire d’art internationale qui fait participer des galeries d’Europe et des États-Unis, mais nous avons essayé cette année de mettre davantage l’accent sur les galeries du continent africain », a déclaré Laura Vicenti, directrice de la foire.

Sur les 107 exposants de la foire cette année, 49 galeries venaient du continent africain et 58 étaient internationales, ce qui souligne l’accent mis sur le local. Les années précédentes, des galeries européennes de premier ordre telles que Perrotin et la Galerie Templon y avaient participé. Ces noms ont été remplacés cette année par de nouvelles galeries d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient, dont Lawrie Shabibi de Dubaï, la Galerie Véronique Rieffel de Côte d’Ivoire et la Galerie tunisienne Yosr Ben Ammar et AGORGI, entre autres. En parallèle, des musées et institutions de premier plan du monde entier étaient présents, notamment la Fondation A4 Arts, l’Institut d’art contemporain ANO, FOLIO by Alserkal Arts Foundation, la Fondazione Merz, les Amis de la Pinacothèque de la Moderne, le musée nationale sud-africain Iziko, le Centre Pompidou, le Musée d’Art Moderne de Paris, la Fondation Norval, le Palais de Lomé, le Musée Skissernas – Musée du processus artistique et de l’art public, le Comité des acquisitions africaines modernes du Tate, les projets de conservation WEDGE, la Fondation de la Biennale d’art d’Erevan et le Zeitz MOCAA.

Contre toute attente, les ventes régulières d’acheteurs locaux confirment la solidité du marché sud-africain

Pourtant, le paysage socio-économique difficile a suscité l’inquiétude de nombreux participants ainsi que de la direction de la foire. Comment accueillir une foire d’art contemporain dans un pays où la monnaie locale continue de plonger ?

« Le tissu économique de l’Afrique du Sud est difficile », a déclaré Mme Vicenti. « Les collectionneurs locaux sont très loyaux, mais il est vrai qu’ils sont confrontés à une crise économique en Afrique du Sud. J’ai donc essayé d’équilibrer la situation en faisant appel à des collectionneurs internationaux du monde entier. Le nombre de collectionneurs internationaux a augmenté cette année. Il n’y a pas de comparaison possible avec l’année dernière. Mais je m’efforce d’avoir plus de collectionneurs africains ».

Les galeries locales étaient cependant divisées sur la question de savoir si le pouvoir d’achat provenait d’Afrique du Sud ou de l’étranger. « Bien sûr, nous sommes heureux quand des gens d’ailleurs viennent en Afrique du Sud pour acheter des œuvres d’art, mais le plus excitant dans la foire d’art du Cap de cette année était que la grande majorité de nos ventes étaient destinées aux Sud-Africains », a déclaré Joost Bosland, un des directeurs de Stevenson. « C’est incroyable de voir le soutien local à nos artistes grandir d’année en année ».

Les galeries sud-africaines telles que Stevenson, Blank Projects, SMAC et Goodman Gallery ont toutes fait état de ventes rapides dès le premier jour de la foire. Sur le stand de Stevenson, un groupe d’artistes émergents et établis du continent, dont Meleko Mokgosi, Robin Rhode, Zanele Muholi, Neo Matloga, Paulo Nazareth et Simphiwe Ndzube, ont été présentés. La galerie a enregistré des ventes rapides de l’ordre de 2 000 à 75 000 dollars et les œuvres, comme celle de Bongoy, ont une fois de plus réuni l’univers magique des rêves de l’autre monde avec les références à la réalité souvent dure du présent.

Plusieurs des plus grandes ventes de la foire ont eu lieu au stand de la Galerie Goodman, qui a confirmé environ 25 ventes au total le jour de l’ouverture, allant de 2 000 à 500 000 dollars. Le stand présentait une sélection de quelques-uns de leurs plus grands noms, dont Ghada Amer, Yinka Shonibare… « Nous avons eu une grande diversité en termes de dépenses et aussi de collectionneurs qui ont acquis les œuvres », a déclaré Anthony Dawson de la galerie. « Un grand merci à Fiera Milano, les organisateurs de la foire qui ont cultivé un grand éventail de programmes et une solide base de collectionneurs qui non seulement diversifient le public de l’art africain contemporain mais qui amènent de nouveaux collectionneurs dans le pays ».

« Le Cap est un bastion pour beaucoup de citoyens allemands qui y ont des résidences de vacances et qui fréquentent régulièrement à la foire », poursuit Dawson. « De plus, grâce aux organisateurs italiens, de nombreux collectionneurs italiens étaient également présents, mais il me semble que les ressortissants d’Europe occidentale viennent de plus en plus au Cap. Nous avions aussi des collectionneurs d’Angola et du Nigeria. Dans l’ensemble, je dirais que la majorité des collectionneurs étaient européens ».

Deux ventes aux enchères d’art contemporain et moderne ont eu lieu simultanément au Cap : la vente aux enchères Aspire x Piasa, qui s’est déroulée le 14 février, et la vente d’art contemporain de Strauss & Co, qui a eu lieu le lendemain. Pour la première, fois une maison de vente aux enchères sud-africaine – Aspire – s’était associée à un équivalent européen – Piasa – pour organiser une vente d’art africain sur le continent. « Les deux maisons de vente aux enchères ont fait un gros effort pour amener des collectionneurs français au Cap, ce qui a également permis d’élargir le public de la ville lors de la foire », a ajouté M. Dawson. « Avec l’influence francophone de Piasa, nous faisons aussi en sorte que les collectionneurs arrivent d’Afrique de l’Ouest, ce à quoi le public sud-africain n’a jamais été exposé ».

La foire était également le lieu où l’on pouvait nouer des relations d’affaires à long terme. La Galerie Véronique Rieffel de Côte d’Ivoire, qui participait pour la première fois à la foire et qui a exposé en Égypte une série d’œuvres obsédantes du photographe franco-suisse Manuel Braun représentant une danseuse ivoirienne, a déclaré qu’elle avait vendu des œuvres à des collectionneurs européens de passage au Cap pour un montant compris entre 3 500 et 6 000 euros. « J’ai noué d’excellentes relations avec des collectionneurs locaux qui méritent d’être approfondies », a déclaré Mme Rieffel. « J’ai formé un très beau partenariat avec une galerie du Cap, la South gallery, et nous avons convenu de continuer à exposer le travail de Braun avec eux in situ ».

La récente édition de la foire du Cap témoigne du fait qu’un marché porteur pour l’art contemporain africain en Afrique du Sud peut être atteint même pendant la période la plus difficile économiquement, grâce à un effort concerté des collectionneurs, des galeries et des artistes locaux et internationaux.

The post La foire d’art du Cap prouve que le marché de l’art africain est solide appeared first on Artskop.