Une exposition abordant la question de l’activisme artistique

«Global(e) Resistance» pose des interrogations théoriques, qui vont de l’articulation de l’esthétique et du politique au rapport même du musée au politique, au sein des mondes de l’art. Résister à travers une pratique à la fois artistique et politique, voire activiste, a souvent été l’apanage d’artistes vivant dans des situations d’oppression ou d’inégalités. La fin de la colonisation a fait jaillir de nombreuses voix qui se sont élevées pour entamer de nouveaux chemins de résistance, que ce soit sur un plan purement politique ou pour questionner les histoires, les mémoires trop tenaces ou menacées de délitement. La résistance s’est également organisée grâce à l’art lui-même, de manière poétique ou discursive.

Le projet fait la part belle à la place de la contestation politique à l’heure des décolonisations et de l’effondrement des idéologies communistes après 1989 tout en abordant les relectures actuelles de l’histoire à travers l’excavation et la mise en mémoire. Il prend pour point de départ deux œuvres fondatrices des années 1990 issues de la collection du Centre Pompidou : le film The couple in the cage (1993), dans lequel Coco Fusco et Guillermo Gómez-Peña questionnent la persistance contemporaine de réflexes coloniaux, ainsi que la vidéo Partially Buried (1996), où Renée Green met au jour le rôle de la mémoire subjective dans l’écriture de l’histoire. Dans une époque de tumulte et d’urgence, il s’agit d’explorer comment ces contestations participent à la transformation des systèmes de pensées et modifient le regard sur le monde.

Le visiteur est accueilli dans le forum par la sculpture Rédemption de Barthélémy Toguo, révélée pour la première fois depuis son acquisition dans les murs du Centre Pompidou. L’œuvre évoque la rencontre Nord-Sud, le panafricanisme et la question de la rédemption et du salut des peuples. Le projet se déploie ensuite au quatrième étage des collections permanentes (galerie du musée, galerie d’art graphique, galerie 0) sur près de 1500m2. Le parcours est ponctué de slogans imprimés sur les murs, réalisés à partir d’œuvres de Barthélémy Toguo. Des œuvres-manifestes ouvrent l’exposition : Guy Ben Ner et Khalil Rabah évoquent le conflit israélo-palestinien, Teresa Margolles la frontière mexicaine, Yin Xiuzhen les conflits armés et Nadia Kaabi-Linke l’errance des migrants et des sans-abris.

Inspirée par Robert Smithson, l’œuvre de Renée Green structure dans un premier temps une stratégie de résistance polysémique pensée à l’échelle du paysage comme du territoire, mais aussi rattachée à une mémoire intime. L’imaginaire complexe de certaines villes comme Braddock (LaToya Ruby Frazier), Johannesburg (Subotzsky et Waterhouse), Dakar (Cheikh Ndiaye), marquées par le déclin économique, la contestation socio-politique ou la recomposition urbaine, hantent plusieurs œuvres.

Parallèlement, les artistes accompagnent la ferveur et les inquiétudes surgies des décolonisations (Kiluanji Kia Henda, Abdoulaye Konaté) et surtout en Afrique du Sud où persiste l’apartheid jusqu’en 1991 (Penny Siopis, Kemang Wa Lehulere, Sue Williamson). La mise en question de l’hypothèse communiste, abordée par The Propeller Group, et la progression d’un monde autoritaire, reflétée par l’installation de Pratchaya Phintong, sont le point de départ d’œuvres engagées qui tentent de réconcilier récits individuels et traumatismes collectifs. Les œuvres de Chim↑Pom et Yin Xiuzhen, elles, dénoncent la menace écologique. Dans une section plus contemplative, la littérature et la philosophie servent de réceptacles à une résistance plus souterraine comme dans le travail de Mohssin Harraki ou M’barek Bouhchichi ou dans l’œuvre emblématique Facing the Wall de Song Dong mêlant zen et combat spirituel.

Dans un second temps, dans la lignée de la mascarade amérindienne de Fusco et Gómez-Peña, certains résidus du monde colonial, en attente d’une recomposition multiculturelle, sont mis en lumière : le «cirque» ethnographique du «bon nègre» au Brésil (Jonathas de Andrade) est mis en négociation dans un monde qui ploie sous le poids des cicatrices (Otobong Nkanga).

Plus loin, il s’agit d’envisager la question de la mobilité au cœur du système capitaliste contemporain : les migrations (Younès Rahmoun, Halil Altindere), le corps comme outil de résistance (Evelyn Taocheng Wang, Ming Wong) viennent nourrir une série d’œuvres pensées comme des traversées. Les luttes féministes sont enfin activées dans le travail de Susan Hefuna et de Marcia Kure, tout autant que de nouveaux questionnements sur les questions de genre.

Une exposition présentant plusieurs artistes du continent

Global(e) Résistance présente un large panel d’artiste issue du continent et/ou des diasporas africaines. On retrouve les artistes Billie Zangewa (née en 1973 à Blantyre), Cheikh Ndiaye (né en 1970 à Dakar), Omar Ba (né en 1977 à Loul Sessene) ou encore Georges Adéagbo (né en 1942 à Cotonou).

« GLOBAL(E) RESISTANCE »

Centre Pompidou

Du 29 juil. 2020 au 4 janv. 2021

Place Georges-Pompidou

75004 Paris

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Un hommage aux gardiens de la tradition

Cette œuvre textile richement détaillée, composée de bandes de tissu bordeaux, corail, cramoisi et indigo, s’élevant sur 4 étages, ornera le mur intérieur du musée dans l’Atrium de la BMW du MOCAA Zeitz. L’œuvre rend hommage à deux penseurs qui se sont distingués par leur contribution à la culture et à l’histoire : L’historien et ethnologue malien Youssouf Tata Cissé (1935-2013), qui s’est spécialisé dans la canonisation de l’histoire orale de diverses régions d’Afrique occidentale, et Germaine Dieterlen (1903-1999), anthropologue française qui a été la première à mener des recherches sur l’astronomie dogon et les cultures bamana du Mali. Avec cette œuvre, Konaté fait référence à l’écriture et aux systèmes de connaissance anciens, en les transposant dans le présent. Koyo Kouoh, directeur exécutif et conservateur en chef de Zeitz MOCAA, déclare « C’est un honneur d’avoir l’un des artistes les plus éminents de notre continent représenté dans notre musée et de faire découvrir à nos publics la vitalité de pratiques qui s’inscrivent désormais dans l’histoire de l’art mondial.

Un artiste qui aborde plusieurs questions sociopolitiques

La myriade de fragments de tissus individuellement appliqués dans Idéogrammes, signes, symboles et logos, non seulement ajoute une riche couleur et texture aux murs en béton de Zeitz MOCAA, mais contribue également à un important dialogue autour de la matérialité dans l’art contemporain d’Afrique ».

Konaté est confronté à la manière dont les sociétés et les individus, tant au Mali qu’au-delà, ont été affectés par des facteurs tels que la guerre, les luttes de pouvoir, la religion, les épidémies mondiales comme le VIH/sida, la liberté d’expression, la mondialisation et les changements écologiques. En utilisant des matériaux du Mali, à savoir des tissus et des teintures, l’artiste crée des compositions abstraites et figuratives à grande échelle. L’installation au MOCAA de Zeitz a été dévoilée le 12 février 2020 et sera exposée pendant un an. Cette commande a été rendue possible grâce au soutien de Blain|Southern, Londres.

Idéogrammes, signes, symboles et logo

Zeitz MOCAA

Du 12 Février 2020 au 12 Février 2021

V&A Waterfront Silo District, S Arm Rd, Waterfront, Le Cap, 8001

Afrique du Sud

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Organisée par la Fondation pour le Développement de la Culture Contemporaine Africaine (FDCCA) et conçue par les commissaires Yacouba Konaté et Brahim Alaoui, l’exposition « Prête-moi Ton Rêve » rassemble une cinquantaine d’œuvres de 28 artistes africains renommés dont Jane Alexander, Soly Cissé, Abdoulaye Konaté, Jems Koko Bi, William Kentridge, Chéri Samba, Barthélémy Toguo, Nnenna Okoré, Ouattara Watts.

Cette exposition collective et continentale, placée sous le signe de la collaboration Sud-Sud, a été inaugurée à Casablanca le 18 juin 2019 et voyagera au total dans 6 pays d’Afrique.

Pour son étape abidjanaise, « Prête-moi ton Rêve » est partenaire de la 11ème édition du MASA, Marché des Arts du Spectacle d’Abidjan (7 au 14 mars 2020), grand rendez-vous culturel ivoirien qui a pour objectif de soutenir la création artistique africaine.

En parallèle de l’exposition principale, la Rotonde des arts contemporains d’Abidjan accueillera une exposition hommage imaginée par Henri Nkoumo. L’exposition carte blanche sera confiée au critique d’art et commissaire ivoirien Mimi Errol à la galerie Houkami Guyzagn.

L’exposition « Prête-moi Ton Rêve » sera ouverte au public dès le 12 mars et se prolongera jusqu’au 19 avril 2020 avant d’entamer ses prochaines escales à travers le continent africain.

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Core-yarn / fil à âme : filé de fibres comportant une âme, généralement en fil de filaments continus.

«filam(a)nt» présente un choix d’œuvres textiles contemporaines d’artistes africains, hommes et femmes, réalisées en résidence de création, amicalement prêtées par des galeries ou bien acquises pour la Collection Blachère. On retrouvera d’autres artistes à l’honneur tels que Marion Boehm, Abdoulaye Konate, Hassan Musa et Billie Zangewa.

Les œuvres d’art ne sont pas que de beaux objets que l’on regarde, que l’on admire, elles sont une extension de la personne qui les fait. Chaque artiste met dans ses œuvres un peu de son âme, tisse un peu de lui-même dans la toile, ce qui en fait des pièces uniques.

Les œuvres présentées dans cette exposition sont exceptionnellement délicates, détaillées, finement tissées, tressées, d’une manière ou d’une autre, les unes avec les autres, illustrant l’amour que ces artistes ont pour leur art et la vie qu’ils insufflent dans leurs œuvres.

Du fil à âme au fil lumière, il n’y a qu’un pas : véritable ADN de l’entreprise Blachère Illumination, il en est l’âme même. Grâce au fil lumière, la création de décors ne connaît pas de limites, sinon celles de l’imaginaire, qu’il est plaisant de dépasser sans cesse.

Fil à âme, fil tissé, tressé ou noué, fil lumière… Tous se rejoignent en une allégorie des liens qui unissent les humains : si fins, si fragiles…Mais pourtant bien réels.

Ouvert du lundi au samedi de 14h à 18h, jusqu’au 5 octobre 2019

Fondation Blachère

384 avenue des Argiles
ZI les Bourguignons
84400 Apt, FRANCE

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Figure majeure de la scène artistique contemporaine du Mali et du continent africain, Abdoulaye Konaté a eu l’immense honneur d’avoir une cérémonie lui étant entièrement dédié à Cuba pour la remise du titre prestigieux. La cérémonie qui faisait partie du programme officiel de la XIIIe Biennale de La Havane a été présidée par Kenelma Carvajal Pérez, Vice-Ministre de la Culture et Alexis Seijo García, Recteur de l’Institution. L’exceptionnel évènement s’est tenu dans l’Aula Magna du centre, en présence des plus hauts membres du corps diplomatique malien accrédité à Cuba. D’importants responsables, professeurs, conservateurs, artistes, critiques et journalistes qui composent le système artistique institutionnel cubain y étaient également conviés.

Avec cette haute distinction accordée à Abdoulaye Konaté l’Université des Arts de Cuba a voulu souligner l’ensemble de la carrière, mais aussi l’engagement de l’artiste plasticien pour le développement des arts sur le continent africain. Engagement qui s’illustre notamment par son statut de fondateur du Conservatoire des Arts et Métiers Multimédia Balla Fasséké Kouyaté, au Mali. L’Université cubaine a également pu célébrer par le biais de ce titre honorifique la relation amicale privilégiée quel entretien avec l’artiste depuis de nombreuses années.

Après sa formation en arts plastiques à l’Institut National des Arts de son pays natal, Abdoulaye Konaté a étudié de la fin des années 70 au début des années 80 sa spécialisation en arts visuels dans les classes du très réputé Institut Supérieur des Arts Plastiques de La Havane (ancienne École nationale des Arts fondée par Fidel Castro,  devenue Université des Arts).

C’est pourquoi, après avoir reçu son doctorat honoris causa, Abdoulaye Konaté a remercié l’université de lui avoir fourni les moyens intellectuels et matériels dont il avait besoin pour se former. L’artiste a alors cité comme témoins de ce partage de connaissance et d’expérience les artistes cubains Antonio Vidal, Nelson Domínguez, Maria Magdalena Campos Pons, ainsi que le commissaire d’exposition José (Pepe) Fernández.

Pour Abdoulaye Konaté, il était essentiel d’écouter les enseignements du grand peintre cubain Wifredo Lam (1902-1982), qui a su lui inculquer tout ce dont il avait besoin pour développer son art en Afrique. Un continent qui continue d’alimenter les narratives et les réflexions de ses oeuvres, et dont les problématiques font l’objet de ses grandes préoccupations ( le virus du sida, la guerre, le droit humain, la mondialisation, les dégâts écologiques,…).

A Cuba, où il a étudié, il reconnaît aussi avoir appris le meilleur usage du silence et du regard profond face à une œuvre d’art, ainsi que la nécessité de donner une plus grande valeur à l’intégrité morale, la tolérance et au respect de l’autre. Dans son discours de remerciement, il a exprimé sa conscience que la culture est l’ADN des peuples et que l’abandonner impliquerait de se mettre au service des autres. C’est pourquoi il a appelé à un soutien constant du gouvernement au développement culturel, en remerciant une fois de plus l’ile de Cuba pour la formation de tant d’intellectuels africains et pour avoir contribué à la libération finale de plusieurs peuples africains, avant de conclure : « L’Afrique peut et doit aider Cuba ».

Abdoulaye Konaté a reçu avec son titre de Docteur Honoris Causa une œuvre de l’éminent artiste peintre cubain Santiago Rodríguez Olazabal. De nombreux éloges à son travail et à sa personne ont également été adressés au professeur respecté de la Faculté des Arts et Lettres de l’Université de La Havane, le Dr Lázara Menéndez.

Enfin, pour clore l’acte solennel, l’artiste néerlandais Torvvard Jorgensen, invité aux exercices créatifs du programme pédagogique Indagar lo propio (organisé actuellement dans le cadre de la XIIIe Biennale de La Havane par l’Université des Arts) a interprété une de ses brillantes performances sonores avec son thérémine, un instrument qui utilise l’électromagnétisme du corps humain pour émettre de la musique.

l’Institut Supérieur des Arts Plastiques de La Havane (ISA)

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PARIS – Artcurial organisait le 30 décembre 2018 sa troisième édition de la vente Paris#Marrakech, en duplex avec Marrakech. Composée d’une centaine de lots, la session de trois vacations d’art orientaliste et d’art contemporain africain, dirigée par François Tajan, totalise 1 890 040 € / 2 154 645 $. 

Une exceptionnelle collection privée orientaliste italienne, intitulée De Constantinople à Tanger, une collection d’un amateur italien, ouvrait cette édition en proposant aux enchérisseurs un véritable voyage autour de la Méditerranée. Elle enregistre 3 records du monde aux enchères notamment pour Théodore Frère, dont Grande caravane de la Mecque (lot 3) est vendue 195 000 € / 222 300 $ frais inclus, ou Jean-Paul Sinibaldi dont la Salammbô (lot 21) change de main pour 182 000 € / 207 480 $. 

C’est un peintre orientaliste français, Eugène Girardet, qui décroche le plus haut prix de la vacation avec l’huile sur toile La gazelle apprivoisée (lot 16), l’une des œuvres les plus importantes de cet artiste renommé, adjugée 300 400 € / 342 456 $ frais inclus.

Le second volet orientaliste, Majorelle et ses contemporains, récompense quant à lui l’artiste Chaïbia avec l’huile sur toile Spectateurs de Tennis réalisée en 1987 (lot 68) qui atteint 78 000 € / 88 920 $ frais inclus. 

Le dernier chapitre African Spirit, dédié à l’art contemporain africain, totalise 6 nouveaux records du monde aux enchères. L’acrylique et paillettes sur toile de Chéri Samba, J’aime la couleur (lot 91) s’envole à 91 000 € / 103 740 $, bien au- delà de son estimation ( 70 000 €- 100 000 €), et l’artiste Bodys Isek Kingelez dépasse le record établi l’année précédente par Artcurial avec son œuvre Pacific Art (lot 86) adjugée 71 500 € / 81 510 $. Il s’agit d’un record du monde pour une oeuvre de l’artiste vendue aux enchères.

L’oeuvre de l’artiste Abdoulaye Konate Tafo ou la force du verbe, 1995 atteint un record et fût adjugé à 54 600 € / 62 244 $, tandis que Exquisite Fantasy, 2014, de Billie Zangewa s’est envolé pour 42 900 € / 48 906$, un record pour oeuvre de l’artiste vendue aux enchères.

« Pour cette troisième édition Paris#Marrakech qui totalise 10 nouveaux records, dont 6 pour l’art contemporain africain, Artcurial démontre son leadership à Marrakech et sa capacité à développer ce marché. Le lancement de la Marrakech Art Week a été un succès et sera de retour l’année prochaine dans une formule enrichie. Ce nouveau rendez-vous culturel créé par Artcurial va se développer » déclare Olivier Berman, Directeur associé Orientalisme et Art contemporain africain chez Artcurial.

Notons enfin le succès de la première édition de la Marrakech Art Week, organisée à l’initiative d’Artcurial et d’Olivier Berman. Douze acteurs de la ville rouge (Musée Yves Saint Laurent, Galerie 127, Dar El Bacha, etc…) se sont ainsi fédéré pendant une semaine avec une programmation spéciale. De nouveaux participants se sont d’ores et déjà manifestées pour l’édition 2019. 

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À propos d’ArtCurial 

Fondée en 2002, Artcurial, maison de ventes aux enchères pluridisciplinaire basée à Paris, conforte en 2018 sa place de premier plan sur le marché de l’art internationale. Avec 3 lieux de ventes à Paris, Monte-Carlo, la maison totalise 195,3 millions d’euros en volume de ventes en 2018. 

Elle couvre l’ensemble du champ des grandes spécialités : des Beaux-Arts aux Arts Décoratifs, Automobiles de collection, Joaillerie, Horlogerie de collection, Vins fins et Spiritueux…
Résolument tournée vers l’international, Artcurial affirme son réseau à l’étranger avec des bureaux de représentation à Bruxelles, Milan, Monte-Carlo, Munich et Vienne ainsi qu’une présence à Pékin et Tel Aviv, et des expositions biannuelles à New York. En octobre 2015, Artcurial a organisé sa première vente à Hong Kong et au Maroc. 

ArtCurial
7 Rond-Point des Champs-Élysées
75008 Paris

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