L’artiste et commissaire sud-africain Kendell Geers et le collectionneur d’art congolais Sindika Dokolo ont sélectionné environ 150 œuvres de l’imposante collection de ce dernier. L’objectif est d’inviter le visiteur à opérer un changement de perspective dans son regard sur l’art africain d’hier et celui d’aujourd’hui, par la mise en évidence de la spiritualité qui les relie.

C’est ainsi la première fois que les œuvres anciennes et contemporaines de cette collection seront présentées ensemble au public. IncarNations se veut un mélange autant qu’un échange entre l’art classique et l’art contemporain d’Afrique et de ses diasporas. Les masques, images et objets historiques y font office de jalons et ancrent les œuvres contemporaines dans le contexte ancien d’une création vivante.

L’exposition présente des œuvres de Sammy Baloji, William Kentridge, Wangechi Mutu, OtobongNkanga, Yinka Shonibare, Pascale Marthine Tayou, Ana Mendieta, Kehinde Wiley, Andres Serrano, Aida Muluneh, Mwangi Hutter, Hank Willis Thomas, Tracey Rose, Adrian Piper, Lubaina Himid, RogerBallen, Zanele Muholi, Phyllis Galembo,…

En réaction à la tendance d’appréciation de l’art africain basée sur la qualité esthétique des œuvres, sur leur origine et leur contexte ethnographique, IncarNations propose une autre approche, afrocentrique : « l’art africain comme philosophie » en référence à la pensée de Léopold Sedar Senghor et à l’analyse qui en est faite par le philosophe Souleymane Bachir Diagne.

Pour comprendre l’art, il est en effet important de s’intéresser au contexte y compris spirituel des œuvres. Un masque africain qui était créé pour représenter une transformation symbolique, permettait à la personne qui le portait d’incarner une divinité. Cette même force spirituelle est incorporée dans les œuvres d’art classique et celles d’art contemporain.

« Twilight of the Idols » de Kendell Geers, une statuette magico-religieuse emballée dans du ruban de sécurité, accueille les visiteurs. Cette œuvre, où se rencontrent l’art classique et l’art contemporain, représente la clé de l’exposition par ses forces spirituelles complexes et son caractère « stratifié ».

Le parcours aborde de manière organique des thèmes tels que l’animisme, la Négritude, le féminisme, l’identité, la mascarade, la performance, le fétiche, les mouvements de libération, les traditions du masque et l’esprit. Les chefs-d’œuvre classiques bénéficient d’une place centrale, en tant que garants spirituels de l’exposition autour desquels sont agencées les pièces contemporaines. La scénographie de Bruno De Veth,un ensemble contrasté d’images, de sons et de couleurs, évoque le dynamisme d’une métropole africaine et confère une vitalité aux œuvres présentées.

Avec IncarNations, Sindika Dokolo et Kendell Geers interrogent la complexité de l’identité africaine selon une perspective résolument africaine.

L’Afrique est en effet un continent ancien comptant 54 pays, des milliers de langues et dialectes, de traditions, et autant de contrastes et d’hétérogénéité. L’esprit africain a suivi la diaspora à travers les routes de l’esclavage, les routes coloniales, commerciales, et d’exil et s’est diffusé dans le monde entier. Il a ainsi influencé les traditions brésiliennes, cubaines, européennes et américaines.

Paradoxalement donc, les arts africains échappent à une définition géographique, notamment par l’importance des diasporas de ce continent. Aussi, construire une collection en assumant une identité africaine pose la question même :                      « qu’est-ce que l’art africain ? »

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Dessiné par le cabinet irlandais Heneghan Peng Architects, la construction du musée débuta en 2006, mais s’est ralentie en raison de l’éclatement de la révolution égyptienne de 2011.  Le musée, annoncé pour la première fois en 1992, devait ouvrir ses portes en 2012.

En juin 2018, les autorités ont annoncé que le musée ouvrirait partiellement ses portes en 2019 pour présenter son attraction phare – les 5 400 objets de la tombe du roi Toutânkhamon. L’ouverture complète devait suivre en 2022, pour le centenaire de la découverte par Howard Carter de la tombe de l’enfant pharaon. Mais finalement, la nouvelle ambition du gouvernement égyptien est que la totalité du complexe de 490.000 m² soit inaugurée en 2020.

Bien qu’il porte la double signature des constructeurs de renom BESIX et ORASCOM, la construction de ce musée demeure un projet complexe et ambitieux. Niché entre les anciennes Grandes Pyramides et la ville moderne du Caire, à la jonction entre le désert aride et la plaine fertile, le Grand Musée construit sur une surface d’environ 480 000 mètres carrés fera office de portail vers l’histoire.

Après plusieurs années de recherches, de restauration et de transport, le GEM devrait abriter environ 100 000 artefacts de différentes périodes de la riche histoire de l’Egypte. Khaled Al-Anani a déclaré que le GEM est l’un des plus grands projets du ministère, environ 20 000 artefacts seront exposés en exclusivité.

En présentant des artefacts inédits, le musée voisin des pyramides de Gizeh entend bien impressionner. Des objets du roi Toutânkhamon découverts en 1922 par Howard Carter, y seront d’ailleurs exposés pour la toute première fois. Le directeur général du GEM, Tarek Tawfik, a déclaré dans une interview accordée au magazine The Art Newspaper que le GEM abritera deux galeries de 7.000 m² révélant le style de vie du roi ; comment il a vécu, s’est habillé, s’est nourri, ce qui s’ajoutera à la collection des objets précieux exposés lui appartenant.

Au titre des efforts déployés par l’Égypte pour récupérer les pièces volées et revendues sur les marchés parallèles, nombre d’entre elles seront exposées au GEM. Le Grand Musée égyptien permettra à l’Egypte de devenir un important centre mondial de l’histoire des Pharaons et un lieu incontournable de visite pour les égyptologues. L’objectif du musée est de faire connaître la diversité du patrimoine historique et artistique égyptien en rassemblant dans un même lieu les monuments et les objets d’art dont la conservation et l’entretien sont nécessaires pour préserver cet immense héritage.

Le musée se donne pour mission de faire vivre à tous ses visiteurs une expérience culturelle de grande qualité. Ainsi grâce à sa position unique, le Grand Musée égyptien sera le lieu de conservation des artefacts anciens et une passerelle pour les visiteurs entre le passé et l’avenir. Le GEM devrait être l’un des plus grands musées du monde consacré à une seule civilisation.

En attendant l’ouverture du GEM, nous vous invitons à profiter de la dernière tournée mondiale de l’exposition « Toutânkhamon, le trésor du Pharaon », visible du 23 mars au 15 septembre 2019 à la Grande Halle de La Villette – Paris (France). Plus de détails sur cette exposition ici.

*Pour plus d’informations, veuillez consulter les liens suivants :

→ « Toutânkhamon. Le trésor du Pharaon »

→ Le Grand Musée égyptien (GEM)

→ Ministère des Antiquités d’Egypte

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inquante ans après «l’exposition du siècle» qui avait réuni plus d’1,2 millions de visiteurs en 1967 à Paris, les trésors du tombeau de l’enfant roi reviennent dans la capitale française pour être contemplée, jusqu’au 15 septembre 2019 à la Grande Halle de la Villette de Paris. Une occasion unique de redécouvrir l’histoire du plus célèbre des Pharaons avant l’installation permanente des artefacts au sein du nouveau Grand Musée Égyptien (GEM) actuellement en construction au Caire et qui devrait ouvrir ses portes au public en 2020.

“Lorsque mes yeux s’habituèrent à la lumière, les détails de la pièce émergèrent lentement de la pénombre, des animaux étranges, des statues et de l’or, partout le scintillement de l’or.” Howard Carter

Le 4 novembre 1922, l’archéologue britannique Howard Carter fit une découverte extraordinaire dans la Vallée des Rois : le tombeau de Toutânkhamon, pharaon de la XVIIIe dynastie égyptienne, au 14e siècle avant JC. L’exposition Toutânkhamon, le Trésor du Pharaon célèbre le centenaire de cette découverte légendaire en réunissant des chefs-d’œuvre d’exception dans une tournée mondiale qui ne peut que nous rappeler l’exposition historique «Toutânkhamon et son temps» de 1967.

« Toutânkhamon et son temps » une exposition historique

En 1967, l’exposition «Toutânkhamon et son temps» au Petit Palais réuni plus de 1,2 million de visiteurs. Quelques jours avant Noël 1966, un avion militaire français se pose sur le tarmac de l’aéroport du Bourget, transportant à son bord une partie du trésor funéraire du pharaon Toutânkhamon, sous l’escorte de l’égyptologue française Christiane Desroches-Noblecourt, alors conservatrice au Département des antiquités égyptiennes du Musée du Louvre – les objets lourds avaient quant à eux fait le voyage par bateau. L’Égypte prêtait en effet à la France trente deux artefacts issus de l’impressionnant mobilier funéraire du souverain, associés à treize autres objets provenant des collections du Musée égyptien du Caire, afin de retracer au Petit Palais « Toutânkhamon et son temps ».

Inaugurée le 16 février 1967, en présence d’André Malraux, ministre de la Culture de l’époque, et de son homologue égyptien Sarouate Okacha, cette exposition concrétisait le souhait de longue date de sa commissaire, Christiane Desroches-Noblecourt, de présenter au public français les fascinants objets découverts en novembre 1922 par Howard Carter et lord Carnarvon dans le tombeau inviolé du pharaon. Au-delà de l’indéniable qualité esthétique des œuvres et objets exposés, témoignages de la finesse et de la sensibilité de l’art égyptien à la fin de la XVIIIe dynastie, son idée-force était de « faire parler » les objets et de révéler au grand public leur raison d’être. Cette volonté de remise en contexte alla jusqu’à l’ajout d’ornements floraux à proximité des vitrines, évocation des grands bouquets offerts au défunt dans l’Antiquité. Christiane Desroches-Noblecourt organisa les neuf salles de l’exposition autour de la vie et de la mort du roi Toutânkhamon, en prêtant notamment attention aux rites funéraires. Au terme du parcours, dans une salle tapissée couleur cornaline, le visiteur découvrait le fameux masque en or du roi – arrivé sous bonne garde la veille de l’inauguration à bord d’un avion touristique Air France.

Dès l’inauguration, «Toutânkhamon et son temps» généra un fort enthousiasme, la presse contemporaine évoquant «l’émerveillement» et le «recueillement» ressentis devant les œuvres présentées. L’engouement du public fut tel – certains jours jusqu’à 12.000 personnes se pressaient au Petit Palais – que les notices d’exposition durent être refaites en grand format et placées au-dessus de chaque vitrine, afin d’être visibles par tout un chacun. Et il fut décidé de prolonger la durée de l’exposition, initialement prévue jusqu’au 15 juin 1967, jusqu’à la date du 4 septembre suivant. «Toutânkhamon et son temps» attira ainsi 1.241.000 visiteurs, des queues se constituant chaque jour sur l’avenue Winston Churchill et les Champs Élysées, véritable phénomène de la «vie moderne» que Sempé ne manqua d’évoquer dans L’Express. L’une des premières expositions blockbuster, «Toutânkhamon et son temps» fut aussi le symbole des bonnes relations entre la France et l’Égypte, après la crise du Canal de Suez et permit d’aider financièrement la campagne de sauvegarde des monuments de Nubie, menacés par la construction du barrage d’Assouan, et dont Christiane Desroches-Noblecourt et Sarouate Okacha furent en grande partie les maîtres d’œuvre. Le bénéfice des entrées et des demandes d’autorisation de photographie fûrent ainsi consacrés à la protection et au sauvetage des monuments et des sites voués à la disparition sous les eaux du lac Nasser.

L’ultime tournée mondiale

Pour cette ultime tournée, l’exposition Toutânkhamon, le Trésor du Pharaon est accueillie dans les plus grandes capitales internationales. Cette «tournée» mondiale passera par 10 métropoles et a démarré à Los Angeles (LA Science Center), où elle était visible du 24 mars 2018 au 6 janvier 2019.

Cette exposition totalement immersive dévoile plus de 150 pièces maîtresses, dont 50 voyageront pour la première et la dernière fois hors d’Égypte. Pour son escale parisienne, la statue du dieu Amon protégeant Toutânkhamon, issue des collections du musée du Louvre, s’invite dans la scénographie. Malheureusement le masque funéraire de Toutânkhamon clou du spectacle de l’exposition de 1967 ne sera pas exposé durant l’évènement car une loi égyptienne interdit de le déplacer. L’exposition demeure malgré tout une occasion unique d’admirer une collection du patrimoine mondial, témoignage d’une civilisation fascinante.

À l’issue de leur itinérance, les objets présentés lors de l’exposition rejoindront la collection permanente du nouveau Grand Musée Égyptien (GEM) en construction au Caire, aux côtés du fonds dédié à Toutânkhamon et à l’histoire de l’Egypte ancienne. Les bénéfices de cette tournée mondiale permettront donc de soutenir financièrement la construction et le développement du Grand Musée Égyptien, ainsi que les sites archéologiques en Égypte.

Pour en savoir plus sur le Musée Égyptien (GEM) suivez le lien ci-dessous :

 → Le Grand Musée d’Égypte devrait ouvrir ses portes en 2020

 → Grande Halle de la Villette de Paris

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e marché de l’« art tribal » (communément appelé ainsi par ses commentateurs pour regrouper les arts classiques africain, océanien et américain) est un petit appendice du marché de l’art international. À côté de ses 60 milliards de dollars annuels et de ses plus grands records, il ne pèse pas bien lourd, c’est vrai, et apparaît plutôt comme un marché de niche, une spécialité pour collectionneurs passionnés. En 2017, on peut estimer grâce aux chiffres de la base de données spécialisée Artkhade (tous les chiffres cités dans l’article proviennent de la même source qui agrège les résultats des maisons de ventes), que le chiffre d’affaires mondial du secteur aux enchères a dépassé légèrement les 80 M€, renouant avec la croissance après un petit coup d’arrêt entre 2016 et 2015 (respectivement des exercices à 65 et 70 M€). À noter que dans ce marché comme dans les autres, nous ne disposons que des résultats de vente des maisons d’enchères — ceux des marchands n’ont pas à être rendus publics.

En 2017, et comme d’habitude, la part du lion s’est partagée entre les pièces africaines (38,8 M€) et océaniennes (27 M€), et la France fait figure de premier de la classe — elle représente près de 65 % du marché. Concernant le record des arts tribaux, il a été frappé aux enchères en 2014. C’était une statue féminine Sénoufo (Côte d’Ivoire ou du Burkina Faso), partie pour 12 M$ (avec frais). On est donc loin des 450 M$ atteints par Léonard de Vinci, ou des 110 M$ d’un Basquiat, adjugé chez Sotheby’s en mai 2017. « Pourquoi les chefs-d’œuvre de l’art africain devraient-il se vendre 10 à 100 fois moins cher que certains tableaux des pionniers de l’art moderne qui ont reconnu en eux la preuve d’une maîtrise exceptionnelle de la statuaire, et dont ils ont su tirer inspiration ? », s’interroge Jacques Germain, spécialiste de l’art ancien de l’Afrique noire.

Pourtant, depuis une bonne vingtaine d’années, aussi bien les chiffres qu’émergent des ventes publiques que les commentaires des marchands et des experts témoignent à première vue d’un marché en bonne santé, en croissance, et plutôt stable dans ses pratiques. En sus, les ventes des derniers mois, très dynamiques, ont confirmé une année 2018 au tempo relevé.

Tout récemment, Sotheby’s a été couronnée d’un grand succès lors de la dispersion la collection Elizabeth Pryce à Paris. Tous les lots ont été vendus, ce que les Anglo-Saxons appellent une « White glove sale », c’est-à-dire une « vente en gants blancs ». Au total, un million d’euros et deux fois l’estimation basse prévue avant vente. Le record de la session, à 225.000 €, a récompensé un bouchon de flûte biwat (Papouasie Nouvelle-Guinée). « Après la collection Murray Frum, Sotheby’s était heureuse de rendre hommage à une autre grande figure qui œuvra pendant plus de 50 ans en faveur de l’art océanien, Elizabeth Pryce, annonce fièrement Alexis Maggiar, directeur Europe pour les Arts d’Afrique et d’Océanie. À l’instar des artistes surréalistes, elle fut fascinée par la faculté des œuvres d’art d’Océanie à susciter l’émotion ».

« Pourquoi les chefs-d’œuvre de l’art africain devraient-il se vendre 10 à 100 fois moins cher que certains tableaux des pionniers de l’art moderne qui ont reconnu en eux la preuve d’une maîtrise exceptionnelle de la statuaire, et dont ils ont su tirer inspiration ? », s’interroge Jacques Germain

La « Vente Frum » à laquelle fait référence l’auctioneer a été l’un des plus grands succès de sa maison. C’était en 2014, et Sotheby’s parvenait non seulement à disperser cette collection prestigieuse, mais aussi celle de Myron Kunin — dont était issue la statue Sénoufo citée précédemment. À elles deux, elles avaient représenté un chiffre d’affaires de 45,4 M€. Un chiffre impressionnant, jamais vu, pour ce petit marché. Cette vente fait partie de ces grandes collections célèbres passées aux enchères, à l’instar de la collection Vérité, dispersée en même temps que l’ouverture du quai Branly en 2006, qui avait rapporté 44 M€ avec les frais. Un souvenir que tout le monde a gardé dans le marché.

Inerties et ruptures

Des ventes qui ont fonctionné récemment, il y en a eu d’autres… Le 30 octobre 2018, Christie’s Paris a cédé 30 œuvres issues du Palais Stoclet, la réalisation architecturale mégalo d’un entrepreneur de premier plan du début du XXe siècle, Adolphe Soclet, qui collectionnait aussi l’art africain. La cession des objets a rapporté presque 1,4 million d’euros (charges inclues), grâce à l’excellent résultat réalisé par un appui-tête Yaka (République Démocratique du Congo) cédé pour 1,2 M€. Un peu plus tôt dans l’année, la collection Durand-Dessert a plutôt déçu à Paris en juin 2018, même si une figure Mbembe (Nigeria), majestueuse, est partie pour 1,9 M€. Bref, des signaux qui apparaissent comme positifs.

« (…) la hausse des prix ne concerne que les segments les plus lucratifs »

Pourtant, derrière tous ces bons résultats et ces ventes fructueuses, se cachent deux phénomènes. Premièrement, la hausse des prix ne concerne que les segments les plus lucratifs, les plus en vue du marché. Elle récompense ce que l’on appelle des « pièces de qualité muséale » (expression qui ressemble plutôt à un label marketing qu’une observation historienne d’art). Dans les faits, le prix médian d’un objet d’art africain a chuté de 5.500 € en 2012 sous la barre des 1.000 € en 2017 — un niveau historiquement bas. Le marché se polarise, donc, et le phénomène est d’autant plus perceptible aux enchères.

« Beaucoup de nos clients sont des gens qui voyagent tout le temps. Pour eux, il est donc plus facile de choisir des pièces sur des enchères en ligne plutôt que de se déplacer dans de vraies galeries. » Pierre MOOS

« Cette flambée des prix est en grande partie due au fait que la plupart des ’’grands objets’’ sont connus, répertoriés et surtout convoités par les membres de la communauté ’’tribale’’ et pour cette raison, lors de ventes publiques, leur haute qualité et leur provenance irréprochable en font des trophées de plus en plus prisés par les connaisseurs », observe Jacques Germain. De son côté, Pierre Moos, qui organise le salon Parcours des mondes, tous les ans en septembre à Saint-Germain, constate qu’ « au niveau des marchands, il y a une baisse d’activité dans le monde entier, qui est dû à la concurrence des grandes maisons de vente qui écrêtent le haut du panier mais aussi et surtout celle en provenance d’Internet. Beaucoup de nos clients sont des gens qui voyagent tout le temps. Pour eux, il est donc plus facile de choisir des pièces sur des enchères en ligne plutôt que de se déplacer dans de vraies galeries. »

Bref, les choses changent. Et si autant de collections sont dispersées ces derniers temps, c’est pour une bonne raison. Celles constituées depuis les années 1950-60 arrivent à échéance. Les collectionneurs passent le relais, certains disparaissent et parfois leurs enfants ne souhaitent pas toujours donner suite aux collections de leurs parents, et donc les cèdent aux enchères. Nous assistions actuellement à un changement de génération. Ce qui donne aussi lieu à l’arrivée de nouvelles têtes. Ces dernières années, se sont installés dans Saint-Germain-des-Prés, entre la rue de Seine et celle des Beaux-Arts, Lucas Ratton (fils d’un grand marchand lui-même), Indian Heritage, Alexis Renard, ou encore Nicolas Rolland et Charles-Wesley Hourdé (qui a ouvert sa galerie après avoir dirigé le département de Christie’s Paris pendant cinq ans).

Un vieux marché

D’ailleurs, pendant la dernière édition du Parcours des mondes, ces deux derniers ont organisé une exposition qui n’est pas passée inaperçue. Il s’agissait d’un hommage rendu à une exposition mythique, ayant eu lieu en 1930 à la galerie Pigalle. Sur les 400 pièces de cet événement que certains historiens considèrent comme l’acte de naissance du marché de l’art « primitif » ou « nègre » disait-on alors, ils en ont rassemblé une vingtaine. « L’exposition Pigalle résume à elle seule tous les enjeux, symboliques et économiques, liés à la reconnaissance des arts premiers dans l’entre-deux-guerres en France ». Cet événement intervient à une période clé dans la formation du marché. À la fin des années 1920 et durant les années 1930, les vacations spécialisées dédiées aux arts d’Afrique, d’Océanie et des Amériques se multiplient à l’Hôtel Drouot. Dépassant le cénacle des artistes d’avant-garde qui ont initié la passion pour l’art ’’nègre’’ au début du siècle, le cercle des amateurs s’élargit. On voit apparaître de nouveaux collectionneurs, issus de milieux plus variés. Les marchands, experts et spécialistes divers se multiplient, de même que les ouvrages savants traitant des arts primitifs.

Tout ceci contribue à structurer le marché et à faire monter la cote des objets, les plus recherchés se négociant dès cette époque à des prix très importants. L’exposition à la galerie Pigalle incarne véritablement cette nouvelle ère. Ses organisateurs (Charles Ratton, Tristan Tzara et Pierre Loeb) sollicitèrent aussi bien les artistes de l’avant-garde (Picasso, Braque, Matisse, Miro, etc.), que les marchands spécialisés (Guillaume, Ascher, Moris, Hein, etc.) et les plus grands collectionneurs de l’époque (de Miré, Chauvet, Tual, etc.).

Les œuvres d’Afrique et d’Océanie qui y furent présentées étaient pour beaucoup exceptionnelles. L’exposition, par son formidable écho médiatique et populaire, contribua ainsi à asseoir auprès du grand public l’idée que ces statues et ces masques étaient des œuvres d’art à part entière et qu’en cela elles possédaient une valeur que beaucoup alors ignoraient. » Il est amusant de constater les analogies d’un marché tel que celui que décrivent Nicolas Rolland et Charles-Wesley Hourdé avec ce qui fait actuellement.

En effet, la résilience du marché de l’art tribal est forte, et sa petite taille le protège (encore ?) des prédations financières, au profit de la passion de ses acteurs. Les remous actuels, ce changement de génération, le développement des plateformes en ligne, la polarisation de marché, vont-ils modifier cette structuration séculaire ? On peut tout de même se permettre d’en douter…

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