Cette nouvelle édition de la foire DDESSINPARIS confirme le rôle majeur de l’événement : être un tremplin pour la jeune scène artistique travaillant le dessin sous toutes ses formes, et pour les galeries qui la défendent, en France comme à l’international. En lui offrant une forte visibilité, aux côtés de galeries et d’artistes plus établis, DDESSINPARIS contribue à faire connaître et reconnaître une scène artistique d’avenir, qui dynamise et irrigue avec passion ce médium. L’événement reste ainsi fidèle à sa vocation de soutenir, promouvoir et accompagner les jeunes acteurs du dessin de demain. Partenaire majeur des acteurs du monde de l’art, DDESSIN{20} offrira à nouveau aux professionnels, collectionneurs et amateurs, un moment riche en découvertes, dans un cadre lumineux et une ambiance conviviale.

DDESSIN{20} accueillera une vingtaine de galeries françaises et étrangères, des solo shows, une pépinière d’artistes, et le coup de cœur DDESSIN{20}, ainsi que de nombreux projets spécifiques dont celui d’Artskop3437.

Diane Victor exposée pour la première fois à Paris

Pour cette édition 2020 de DDESSIN{20}, Artskop3437 et Atelier le Grand Village collaborent sous un format spécifique et présenteront pour la première fois lors d’une foire d’art en France l’artiste de renommée internationale Diane Victor.

Diane Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine et internationale par ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Ses dessins et ses estampes de grands formats démontrent une maîtrise de la gravure, qu’elle utilise pour rendre ses sujets avec des détails touchants. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, en considérant les questions de corruption, de violence et de distribution inégale du pouvoir.

Un dessin de grand format – 150 x 115cm – au charbon et cendres intitulé « Mère et Fille » sera dévoilé pour la première fois. Cette oeuvre réalisée par l’artiste fait suite à des mouvements de violences ayant eu lieu à Johannesburg en 2019 et durant lesquels une jeune fille violée fût retrouvée morte. Cette oeuvre n’est pas sans rappeler celle de Michel-Ange « La Pietà » . Cette statue en marbre de la basilique Saint-Pierre du Vatican à Rome représentant le thème biblique de la « Vierge Marie douloureuse » (Mater dolorosa en latin ou Pietà), tenant sur ses genoux le corps du Christ descendu de la Croix avant sa Mise au tombeau, sa Résurrection et son Ascension. La composition de Diane Victor est tout aussi saisissante d’effroi pourtant d’une beauté surprenante et inattendue. Au fur et à mesure de l’observation de l’oeuvre, le regardeur est témoin de l’amour profond qui se dégage de la mère qui tient le corps de sa fille avec dignité.

Aux côtés de cette oeuvre magistrale, une série dessins à la suie sur les primates sera également présentée. L’artiste décrit sa série en ces termes:

« Notre code génétique humain est si similaire à celui d’autres primates qu’ils sont en fait quasiment des « petits frères » ou au moins des cousins éloignés pour nous. Pourtant, comme certaines lignées familiales éloignées et désavouées, nous semblons ne ressentir aucun scrupule à la connaissance de leur persécution et de leur mise en danger. Des communautés entières de primates sont menacées par l’empiètement humain, elles sont chassées, réduites en esclavage et exposées publiquement dans les zoos – leur nombre s’amenuisant au fur et à mesure que les nôtres explosent. » Par cette série, Diane Victor nous fait réfléchir sur la condition environnementale et animale. L’artiste met en exergue la vulnérabilité de ces vies au travers de la technique de dessin employée, qui elle même s’avère être très délicate. Créant ainsi une forte connexion entre le médium et le sujet.

La suie, crée par la fumée d’une flamme de bougie en mouvement, est un matériau relativement fragile et vulnérable. Le carbone déposé par la suie sur le papier est visible mais très instable et délicat. Au moindre contact physique, des traces apparaissent sur la surface. L’artiste utilise cette possibilité de marquage pour créer une image à l’aider d’un pinceau. Toutefois, le processus de dessin est assez intuitif car il faut suivre la fumée dans sa direction. L’artiste utilise le terme de – ghosts – ou fantômes – en référence à l’aspect fantomatique de l’image créée qui peut être détruite et disparaître au moindre contact. « J’estime ce fragile et éphémère support être approprié pour les portraits de primates rendus fragiles et impermanents par l’humanité. » explique Diane Victor.

Les oeuvres de l’artiste Diane Victor font parti d’importantes collections dans le monde dont le Musée d’Art moderne à New York (MoMA), le Victoria et Albert Museum à Londres, La Bibliothèque Nationale de France (Paris); Le Musée d’art de Baltimore, le Musée National Iziko  au Cap en Afrique du Sud et de nombreuses collections privées prestigieuses. 

Nú Barreto

En collaboration avec la Galerie Nathalie Obadia, Artskop3437 présentera une sélection d’oeuvres de l’artiste Nú Barreto, figure majeure de la scène contemporaine africaine. Né en 1966 à São Domingos en Guinée-Bissau, l’artiste vit et travaille à Paris depuis 1989. Choisi pour représenter son pays à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998, il mène depuis une carrière internationale qui le distingue parmi les artistes majeurs de l’art contemporain africain.

Artiste pluridisciplinaire, son travail aux techniques mixtes allient dessin, collage et récupération. Sa démarche artistique cherche à interpeller le spectateur à travers l’usage de la peinture, de la photographie, du dessin et de la vidéo. Nú Barreto attire le regard sur les nombreux fléaux (misère, souffrance, discriminations, incapacité politique des dirigeants africains…) qui sévissent sur le continent africain à travers l’utilisation d’une forte symbolique exprimées dans les formes, les couleurs et les motifs.

Les œuvres sur papier de Nú Barreto sont au service de son récit personnel de l’Afrique contemporaine. Sous la mine acerbe de ses crayons et le rouge sang de ses pinceaux, Nú Barreto illustre les violences multiples subies par le continent africain.

L’œuvre pluridisciplinaire et engagée de Nú Barreto a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives. En 2018, il expose au côté d’El Anatsui, Issac Julien ou encore William Kentridge avec Reloaded Avant Garde 2018 à la galerie Sabine Knust (Munich, Allemagne). L’artiste a également bénéficié d’une exposition personnelle Ressonãncia, Casas au musée de Taipa en 2015 (Macau, Chine). Il a également participé à l’exposition 100 obras 10 años à la fondation Arpád Szenes et Viera da Silva en 2012 (Lisbonne, Portugal) ainsi qu’à la Biennale d’Art Contemporain Africain de Dakar en 2006 (Sénégal). Nú Barreto a aussi représenté le pavillon de la Guinée à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998 (Portugal).

Ses œuvres sont présentes dans de grandes collections publiques et privées telles que celle du Museo Capixaba do Negro (Mucane), de la Vitória (Brésil), de l’Union Economique et Monétaire Ouest Africaine (UEMOA), du musée de Macao (Chine), de la Fondation Pro-Justitiae à Porto (Portugal) ou encore de la fondation PLMJ à Lisbonne (Portugal).

Peteros Ndunde

Pour la première fois en France, Artskop3437 dévoilera des dessins du jeune artiste Kenyan Peteros Ndunde.

Peteros Ndunde est un artiste contemporain né en 1996 à Nairobi, au Kenya, où il vit et travaille toujours. Bien qu’il s’intéresse au dessin depuis son plus jeune âge, c’est en poursuivant une licence de beaux-arts à l’université de Kenyatta qu’il a amélioré sa technique. L’artiste a été exposé au Kenya, aux Emirats Arabes Unis , et au Japon entre autres.

Comme le cubisme analytique décompose les formes naturelles du sujet en formes géométriques en reformulant sa représentation, Peteros combine un large éventail de perspectives multiples du corps humain dans une image pour mettre en scène de manière minimaliste les comportements humains, faux reflets de systèmes d’émotions plus complexes et plus profonds.

L’artiste décrit son oeuvre en ces termes: «Mon travail explore les expériences de la vie quotidienne et les énormes effets d’entraînement qui découlent de ces actions de vie en apparence simples. En effet, la plupart des interactions quotidiennes ont d’énormes conséquences psychologiques et sociales pour un individu et, en fait, pour la société en général. En tant que tel, mon approche minimaliste dans l’œuvre devient une métaphore pour les complexités de mes sujets, qui préservent une façade de simplicité. »

Artskop3437 a commissionné l’artiste pour une nouvelle série d’oeuvres. Par ce geste, Artskop3437 soutient la jeune création contemporaine africaine. Ce format permet au jeune artiste d’accéder au marché international de l’art tout en vivant et travaillant au Kenya.

DDESSIN {20} – DdessinParis

Atelier Richelieu

60, rue de Richelieu – 75002 Paris

Entrée : 14 euros

Tarif réduit : 9 euros Entrée gratuite pour les moins de 14 ans

www.ddessinparis.com

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Evans Mbugua est un artiste plasticien kenyan basé à Paris. Son vocabulaire plastique est connu pour être richement coloré et consiste en une accumulation de pictogrammes exprimant la beauté des différences et des points communs. Récemment lors d’un séjour à l’Atelier le Grand Village – destiné à faire revivre la lithographie sur pierre – Evans Mbugua a crée des oeuvres inédites. En collaboration avec le directeur de l’Atelier Francis van der Riet et Niall Bingham – graveur et ancien directeur du département de gravure de l’université du Witwatersrand à Johannesburg, Afrique du Sud, Mbugua découvre pour la première fois la lithographie. Nadège Besnard Roussel l’a rencontré et est revenue sur son parcours, son processus créatif et son expérience à l’Atelier le Grand Village.

Nadège: Evans, pourrais-tu te présenter et nous en dire plus sur ton travail ?

Evans Mbugua: Je suis né au Kenya et ai vécu mon enfance à Nairobi. À 19 ans, je suis arrivé en France où ma sœur résidait pour suivre des études aux Beaux-Arts de Pau. Ma ville natale Nairobi, où j’ai vécu mes 19 premières années, compte beaucoup dans mon histoire. Il s’agit d’une ville très cosmopolite.

Mon enfance puis mon adolescence ont été ponctuées par des rencontres avec des gens de différentes origines. En venant en France, il y avait quelque chose qui était de l’ordre de l’aventure. Pour l’apprentissage du français, j’ai été amené à faire des rencontres avec des personnes d’horizons différents comme au Kenya. Je me retrouve encore une fois dans un même schéma, dans ce jeu de différences et de similitudes. Mon travail quant à lui, ressemble à une quête de choses qui nous lient outre-frontières.

N: Ton travail, riche visuellement, se compose d’une accumulation de pictogrammes sur la surface de tes supports avec des personnages centraux. Qu’est-ce que cela représente pour toi ?

E: Il y a toujours ces éléments très importants dans mon travail. En effet, au départ il existe un élément que je vais multiplier jusqu’à trouver cette forme qui me plaise. Pour constituer la base de mes œuvres, je me sers d’un de mes nombreux pictogrammes collectionnés au fil de mes voyages et déplacements. Je vais ensuite les cumuler pour en créer un motif. C’est un travail que j’ai débuté aux Beaux-Arts, dont le but était de rechercher un langage visuel inspiré de tissus, motifs traditionnels provenant du monde entier tels des tatouages ou des scarifications.

N: Et comment choisis-tu les portraits ?

E: Les portraits que je peins représentent des personnes qui me sont proches d’une façon ou d’une autre. Cela peut être des relations de longues dates ou des personnes juste croisées dans plusieurs endroits avec lesquelles j’ai passé des moments agréables. J’ai tout simplement envie de garder un souvenir de ces rencontres qui ensuite constituent un archivage des meilleurs moments de ma vie. Pour le portrait, je commence toujours par un point et c’est une accumulation de points qui vont vibrer ensemble pour que le portrait puisse être vu sur les plaques de plexiglass. Le point de départ représente un individu et c’est l’accumulation de ces points qui vont créer le portrait.

N: Comment as-tu rencontré Francis van der Riet, le directeur de l’Atelier ? Comment l’idée de collaboration est-elle née ?

E: J’ai rencontré Francis à la foire d’art Africain Contemporain 1-54 à Londres et ainsi découvert l’Atelier le Grand Village que je ne connaissais pas. Quelques semaines plus tard nous nous sommes contactés afin d’échanger et nous nous sommes donnés rendez-vous dans mon atelier à Paris. Francis m’a ensuite invité à séjourner en Charente au cours de l’été 2020 pour m’exercer et découvrir la lithographie au sein de son studio.

N: Comment s’est passée cette première expérience ? Étais-tu familier avec la lithographie et les différentes techniques utilisées avant ton arrivée à l’Atelier ?

E: Je suis venu sans aucune connaissance des techniques d’estampes. Ce séjour m’a permis d’apprendre la lithographie pour la toute première fois et ainsi de toucher à de nouvelles matières, textures, odeurs dans un environnement complètement différent de celui dans lequel j’ai l’habitude de travailler.

Je me suis jeté allègrement dans cette aventure grâce à l’expertise de Francis et de son assistant Niall Bingham. Tous deux m’ont patiemment enseigné les techniques liées au travail de la lithographie et des monotypes. Cela m’a permis de découvrir de nouvelles choses, de nouveaux procédés. J’ai aimé cet apprentissage à l’Atelier le Grand Village, d’ailleurs je me souviens des mots de mon père qui disait toujours « la vie est une école ».

N: Quelle a été l’influence de ‘Atelier le Grand Village’ dans ta démarche artistique et la direction des œuvres crées au cœur du studio ?

E: En fait il existe des éléments toujours récurrents dans mon travail. Ce sont ces derniers que je multiplie. Ce qui m’intéresse c’est de voir comment les formes vont interagir, vibrer ensemble côte à côte, comme une conjugaison du plein et du vide.

Il y a une histoire de transparence, de superposition et des couleurs. Au cours de mon séjour, j’ai joué avec ces éléments qui sont fondamentaux et les ai transposés dans une nouvelle technique. Pour créer les portraits, le point que j’utilise s’est transformé en trait. Dans mes œuvres, il existe un fond créé numériquement et qui demeure constant. Tandis que les sujets varient à chaque fois.

Pour réaliser les œuvres créés à l’Atelier le Grand Village, j’ai opté pour un personnage constant et choisi cette fois-ci de diversifier les arrière-plans en utilisant la technique monotype. Ainsi chaque œuvre devient unique. Lors de mon séjour à l’atelier, j’ai trouvé de nouveaux angles pour mon travail, mes fonds sont inspirés des éléments qui m’entouraient. J’ai notamment utilisé des fils qui venaient de l’atelier de tissage de l’artiste et designer textile Côme Touvay dont l’atelier jouxte le studio de lithographie. J’ai ainsi emprunté des fils, des textures, des fibres que j’ai intégrés dans mes œuvres. J’ai aussi intégré les motifs des tapis et tapisseries qui décorent la maison. Toutes ces inspirations sont issues de l’environnement et plus encore de mes discussions avec Côme, Francis ou Niall.

N: De quoi parle cette série d’œuvres ? Quelle a été ta démarche créative cette fois-ci et comment est-elle née ? Peux-tu nous en dire plus ?

E: C’est une série qui arrive après cette période très particulière, le confinement, où nous étions en suspens. Nous sommes suspendus dans le temps depuis plusieurs mois, c’est à ce moment que je décide de dire que les couleurs sont très importantes dans ma création. Les couleurs sont des émotions. Il y a une recherche d’émotions que je souhaite mettre en œuvre.

Le choix de couleurs vives pour cette série représente une explosion, une envie de vivre, d’aller au-delà. Le geste de déchirer le papier, pour créer les motifs, ne me semble pas anodin, il peut-être lu comme une rupture et pourrait ressembler à une envie d’un nouveau départ. Ces portraits ont tous de grands sourires. C’est toujours un message d’espoir que je cherche à transmettre. Il y a un mélange d’émotions qui s’est concentré sur cette série.

C’est toujours un travail en continu mais il y a toujours des éléments qui me font dire que cette accumulation de traits ne représente pas seulement une personne mais une famille, une communauté, une société. Un élément ne peut vivre seul et pour mes œuvres c’est la même chose, il y a une nécessité à vivre ensemble. Je souhaite une société qui vit en harmonie et qui cherche à partager des choses ensemble; des émotions, des joies et même des peurs avec un espoir qui demeure. Garder un élément toujours optimiste. Ce vivre ensemble est un travail mais cela commence toujours par un point ou un trait. Ma recherche se situe autour de ce vivre ensemble.

N: Qu’est-ce que cet endroit, t’apporte dans ta création artistique ?

E: Les éléments de la lithographie et le monotype m’ont ouvert les yeux sur autre chose. Chaque expérience a une influence sur le travail déjà entamé. À Atelier le Grand Village, de nouvelles formes sont entrées dans ma création. J’avais une idée, des pistes que je voulais expérimenter et ce lieu m’a offert le recul pour réfléchir et me permettre de valider certains choix.

Nadège (à Niall Bingham, graveur invité à l’Atelier le Grand Village) : Niall, vous êtes venu à l’Atelier le Grand Village en tant que graveur, comment avez-vous rencontré Francis van der Riet, le directeur, pour la première fois ?

Niall : J’ai rencontré Francis par l’intermédiaire de Diane Victor, avec qui j’ai travaillé sur des projets de gravure dans le passé en Afrique du Sud. Elle nous a mis en contact parce qu’elle avait le pressentiment que nous pourrions travailler ensemble.

Nadège : Parlez-moi de votre collaboration avec Evans Mbugua au studio ?

Niall : Evans est un artiste qui, à mon avis, possède une compréhension intuitive du médium qu’est la gravure, même si c’est la première fois qu’il travaille en studio. J’ai été très surpris qu’il n’ait jamais fait de gravures auparavant, d’autant plus qu’il s’est rapidement familiarisé avec ce procédé. Notre plus grand défi a été de trouver un moyen de réinterpréter avec succès les motifs répétés qu’il utilise dans ses peintures. J’étais réticent à ce qu’il se rabatte sur l’impression commerciale, je voulais qu’il trouve un moyen d’activer les zones autour de ses personnages en utilisant les ressources dont nous disposons dans l’atelier d’impression. Le premier jour a été un véritable défi, mais je pense qu’une fois qu’il a trouvé des moyens de réaliser des pochoirs, il a pu développer sa pratique de manière intéressante.

Il a trouvé un rythme assez rapidement, et je peux dire qu’il s’est vraiment amusé. Les studios de gravure sont censés mettre les artistes au défi par des limites parfois un peu inconfortables.

Nadège : Vous êtes resté quelques semaines en Charente-Limousine pour réaliser des lithographies, comment avez-vous travaillé avec Francis et aussi avec Evans. Que pensez-vous de cet atelier situé dans cette belle région et surtout de ce que le directeur Francis apporte aux artistes ?

Niall : Oui, je suis resté un peu plus de 7 semaines, mais cela m’a semblé beaucoup plus court. Pour vous dire la vérité, c’est la meilleure chose qui me soit arrivée depuis un certain temps. J’ai pu me déconnecter complètement du « monde du virus » apocalyptique et me concentrer uniquement sur mon travail. Francis et moi nous entendons très bien car nous venons d’une partie du monde similaire et je crois que nous avons eu une éducation similaire. Je pense que mon expérience là-bas est peut-être un bon exemple de ce que le Grand Village offre : un refuge loin de tout. Un espace pour se consacrer entièrement à ce sur quoi vous avez choisi de vous centrer. C’est un espace méditatif tranquille qui, s’il est respecté, peut fournir à l’artiste et au graveur l’espace parfait pour créer.

Francis van der Riet est lithographe et directeur de ‘Atelier le Grand Village’. Niall Bingham est imprimeur et a par le passé dirigé le département de l’estampe aux Beaux Art de l’Université de Witwatersrand à Johannesbourg. Il est venu travailler dans l’atelier avec Francis quelques mois après le confinement. Il vit en Espagne actuellement.

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« Ouvre-toi à ton moi intérieur, c’est l’inconnu de ton être profond ».

Mongezi Ncaphayi

Nadège : Mongezi, tu es venu régulièrement à l’Atelier le Grand Village ces cinq dernières années. Comment te-sens-tu quand tu es à l’atelier ici ?

Mongezi : C’est paisible, agréable, calme, comme une retraite. Je viens ici pour me changer les idées, pour travailler sur des lithographies et différents médiums. Je viens ici pour prendre un nouveau départ et explorer de nouvelles idées, voir comment les choses évoluent. C’est un excellent endroit pour travailler.

Nadège : Et qu’en est-il de l’atelier en lui même ?

Mongezi : J’aime l’ambiance de l’atelier. Il ne ressemble à aucun autre où j’ai travaillé. Ici, c’est la campagne. Il y a la grange qui a été transformée en atelier, associée aux fleurs, le jardin, et quelques vieux trucs rustiques. Je n’ai pas l’habitude de ce genre de choses, je suis un citadin. J’ai l’habitude des choses en ville. C’est un soulagement d’être ici, loin de la ville. L’air est différent ici. Francis a récemment installé une plus ancienne presse de lithographie; Tout cela fonctionne bien et semble faire partie de l’environnement. J’aime venir ici parce que nous nous concentrons à faire revivre la lithographie sur pierre, qui est plus traditionnelle. C’est l’une des principales raisons pour lesquelles j’aime venir ici. J’aime la pierre. Nous remontons dans le temps pour faire les choses de façon traditionnelle.

Nadège : Dis-moi quelles sont tes principales influences dans ton travail actuellement ?

Mongezi : J’ai étudié l’abstraction. Je peignais et je réalisais des œuvres figuratives, mais j’ai grandi avec beaucoup de musiciens qui écoutaient du jazz. J’étais dans mon studio à écouter de la musique, la plupart du temps, le volume presque à fond. Je travaillais et soudain, à un moment donné, mes pensées changeaient. Au lieu de simplement travailler en écoutant de la musique, je créais quelque chose en lien avec ce que la musique me faisait ressentir à ce moment précis. Je voulais traduire cela et c’est pour cette raison que j’ai commencé à créer des abstractions. J’ai toujours voulu faire de la musique et de la peinture, je voulais les incorporer dans mon travail. La musique, c’est aussi une question de ressenti et je veux l’exprimer dans mon travail.

« L’exploitation minière, l’histoire, le déplacement et la migration, ce sont tous des sujets que je traduis en abstraction. »

Mongezi Ncaphayi

Mongezi : L’endroit où j’ai grandi m’influence aussi. J’ai grandi dans une petite ville qui était autrefois une petite ville minière à Benoni, à l’est de Johannesburg. Mon histoire personnelle, l’histoire de ma famille, l’histoire de la ville, celle de l’Afrique du Sud, sont les principales influences qui m’ont mené là où je suis maintenant. Même si mon travail a changé par rapport à la représentation, il a toujours le même contenu que celui avec lequel j’ai commencé. L’exploitation minière, l’histoire, le déplacement et la migration, tout cela se traduit en abstraction. Ce sont des questions auxquelles je pense encore et c’est quelque chose que je cherche encore, que j’essaie d’explorer.

Nadège : Que penses-tu des lieux où tu as travaillé ?

Mongezi : J’aime travailler dans des lieux différents. Des lieux différents produisent des œuvres différentes. Ici, à l’Atelier le Grand Village, c’est calme. C’est l’environnement qui détermine le type de travail qui en résulte. À Johannesburg, c’est hectique. Actuellement, je travaille dans la ville du Cap, mais je ne travaille jamais à partir d’un seul endroit. Toutes mes œuvres des cinq ou sept dernières années viennent d’endroits différents : Johannesburg, Le Cap, Atelier le Grand Village en France, les Pays-Bas et les Etats-Unis. Ma famille vit aussi à plusieurs endroits. Je peux aller voir ma grand-mère et ensuite décider d’aller voir mes cousins ou mes amis. C’est pourquoi mes œuvres traitent du mouvement, de la cartographie.

Nadège : Peux-tu m’en dire plus sur tes choix de titres d’œuvres d’art ?

Mongezi : Il y a quelque chose de poétique. Il y a tellement de sens dans mes titres. Comment en arrivent-ils là ? Parfois, ils proviennent des objets avec lesquels je travaille, quelque chose que j’ai vu. Parfois un bruit dans l’environnement. Il s’agit de ce que je ressens à propos du travail et d’autres choses qui se passent. Mon travail peut porter sur mon histoire ou d’autres choses, mais c’est aussi sur les idées que j’ai, qui se produisent. Il y a tellement de choses qui se passent dans mon esprit lorsque je travaille, car je ne travaille pas essentiellement que sur une oeuvre au quotidien. Le lendemain, je peux me sentir différent. Mon esprit est occupé par beaucoup de pensées.

Il y a ce titre « Idiot de ronds points » – Nous allions avec Francis à Angoulême et il y avait beaucoup de ronds points. Quand nous sommes revenus à l’atelier, alors que je travaillais sur une lithographie qui demandait tant de couches pour paraître complète, j’avais l’impression de tourner en rond, comme un idiot. C’est comme ça que ce titre est né.

Il y a aussi ce titre « La forme des choses à venir » d’une lithographie créée en 2015 et inspiré d’un de mes compositeurs de jazz préférés, Ornett Coleman. C’est la toute première lithographie sur pierre que j’ai faite ici en France, quand j’ai commencé à travailler avec Francis. C’était comme un nouveau départ, d’une suite de choses à venir…

« (…) tu ne danses pour personne, tu danses pour ton moi intérieur. »

Mongezi Ncaphayi

Nadège : Penses-tu à un ensemble d’œuvres avant de venir à l’Atelier le Grand Village, ou laisses-tu ton instinct te guider ?

Mongezi : Je me suis rendu compte que lorsque je travaille instinctivement, l’oeuvre est plus expressive. Si je réfléchis trop en amont, cela devient un peu rigide. Ça pourrait être sympa, mais on ne ressentirait pas vraiment le mouvement qui, lui, est plus spontané. C’est aussi une question de confiance, faire confiance en son instinct, d’être soi-même. J’ai pensé à faire des dessins préparatoires, mais j’ai finalement j’en suis venu à comprendre que ce n’était pas bon pour moi. Je ressens plus de choses, quand je fais tout instinctivement. Je m’accorde quelques minutes et ça fait POP. Il s’agit de ce que je ressens au moment présent quand je travaille. Cela s’assimilerait une recette, mais pas à une formule exacte, sinon mon travail serait alors le même. C’est pour cette raison que je découvre toujours de nouvelles choses quand je travaille.

Il ne s’agit pas seulement de peindre ou de faire quelque chose que je connais, il s’agit aussi de découvrir de nouvelles choses comme une forme ou une marque. C’est plus une question de recherche. Mes œuvres sont comme des cartes, cherchant des chemins, permettant de recevoir des choses, permettant d’être exposé à quelque chose de nouveau. L’instinct est important. C’est comme si vous aviez une carte, vous alliez dans un endroit inconnu, vous devrez peut-être sauter ou nager, et vous aurez peur mais vous le faites quand même. Plus tard, vous découvrez que La carte avait raison, et, vous contemplez votre découverte. Ouvre-toi à ton moi intérieur, c’est l’inconnu de ton être profond et l’autre aspect de toi que tu ne connais pas. Pour voir l’inconnu, il faut s’ouvrir et évoluer afin de devenir de meilleures personnes – la découverte de soi, et ainsi de suite.

Ces émotions qui ne peuvent être ignorées se reflètent dans le travail. Demain, je me sentirai peut-être différemment, puis je réfléchirai à mon humeur d’hier. Donc, le lendemain, la carte sera différente. Le ressenti est important. Tu te laisses libre, tu ne danses pour personne, tu danses pour ton moi intérieur.

Nadège : Tu as reçu récemment ce prix à l’INVESTEC foire d’art de la ville du Cap. Et puis tu participes à 1-54 Foire d’Art Contemporain Africain à Londres avec l’Atelier le Grand Village, puis la foire de Lagos, plus d’autres résidences et spectacles prévus par la suite. Comment-te-sens-tu par rapport à toutes ces attentes ?

Mongezi : C’est éprouvant. C’est une pression, mais je n’aime pas le voir ainsi. J’ai envie d’avoir le temps de prendre le temps. Je connais l’impératif des dates limites et j’aime avoir une petite pression. Par contre, je n’aime pas paniquer. Oui, il y a tellement d’attentes, mais toutes de grandes choses. Je suis content et heureux. J’ai travaillé dur, et je suis reconnu. Je dois le faire, j’ai choisi de travailler dur, je m’efforce d’exceller. Si vous voulez être au sommet, vous devez savoir que c’est difficile. Vous devez faire face à la musique. J’apprécie tous ceux avec qui j’ai travaillé et qui m’ont soutenu. Ils me donnent aussi la chance de présenter mon travail. Je continue de faire autant de mon mieux qu’il y a quelques années.

« Pour voir l’inconnu, il faut s’ouvrir et évoluer pour devenir de meilleures personnes. »

Mongezi Ncapahyi

Nadège : Quand as-tu commencé à la gravure ?

Mongezi : Cela fait plus de dix ans. Faire de la gravure fait parti de moi, je ne peux pas vivre sans. J’ai toujours besoin de faire des estampes. Pour moi, l’estampe ne consiste pas à prendre mes tableaux et à les traduire en lithographies ou en d’autres estampes. Si je peins quelque chose ou si je fais une estampe, c’est ce que c’est. Elles sont différentes. Quand on parle de gravure, il ne s’agit pas de reproduction. Certains clients ne sont pas vraiment bien informés sur la gravure. Ils ne comprennent pas la complexité, le travail et l’inspiration qui l’habitent. Vous ne trouverez pas une lithographie ou un autre format d’estampe qui ressemble à ma peinture.

Nadège : Je suis fière de te représenter avec l’Atelier le Grand Village à 1-54 Londres en octobre, ainsi que Diane Victor et Bambo Sibiya.

Mongezi : Je suis honoré de faire parti de l’édition Londonienne 2019 de 1-54 en octobre prochain. Nous verrons ce qu’il en ressortira lors de cette résidence à l’Atelier le Grand Village. Je suis à la recherche d’un twist, et je pense que ça va être excitant.

Nadège (à Francis van der Riet, Directeur de l’Atelier le Grand Village) : Quand et pourquoi avez-vous choisi de travailler avec l’artiste Mongezi Ncaphayi ?

Francis : C’était en 2014. Mongezi Ncaphayi remportait le prix Gérard Sekoto en Afrique du Sud. J’étais intéressé par ce prix et aux personnes qui l’ont gagné. Mongezi est également graveur. Ses œuvres étaient inhabituelles parce qu’abstraites. Les artistes sud-africains ont tendance à être, dans l’ensemble, figuratifs. J’avais vu les gravures de Mongezi et j’ai pensé qu’elles avaient du potentiel et je l’ai approché pour lui proposer de travailler ensemble à l’atelier et qu’il apprenne la lithographie sur pierre. Je savais qu’il n’avait jamais fait de lithographie sur pierre auparavant. J’ai également apprécié le sens de la spontanéité de Mongezi, sa forte connexion avec la musique et la façon dont il utilise les couleurs. En lithographie sur pierre, la couleur peut être importante et elle est très bien adaptée pour cela.

Mongezi a accepté l’invitation et tout a commencé à partir de là. Plus nous travaillons ensemble, plus il y a une synergie entre nous. Il revient régulièrement en studio.

Nadège : Dites-m’en plus sur 1-54 à Londres en octobre ?

Francis : 1-54 a découvert l’Atelier le Grand Village l’année dernière. Ils ont été surpris de nous trouver dans ce coin reculé du sud-ouest de la France, et de découvrir que des artistes qu’ils connaissaient ont été en résidence ici. Ils nous ont rendu visite et nous ont donc invités en tant que « projet spécial » pour la foire d’art 1-54 de Londres en octobre de cette année. J’ai suggéré d’exposer Mongezi avec Diane Victor et Bambo Sibiya. Il y aura quelques travaux d’estampe, principalement la lithographie sur pierre. Notre objectif est de faire revivre l’art de la lithographie sur pierre. Nous réalisons également des tirages uniques, des linographies. Nous aimons combiner les différents supports. L’atelier présentera aussi d’autres œuvres créées par les artistes lors de leur séjour à l’Atelier le Grand Village, notamment les fameux dessins à la suie de Diane Victor.

Nadège : Justement pouvez-vous me parler des autres artistes qui viennent à l’Atelier le Grand Village ?

Francis : J’aime à penser que l’atelier s’est créé son propre portfolio d’œuvres d’art à partir des artistes qui sont venus ici. Il est important pour le studio d’avoir une riche diversité, et il a donc besoin de différentes types de pratique artistique. Nous avons le figuratif, l’abstrait, le noir et blanc, la couleur, le repérage libre et exact, le paysage, les portraits…… Parmi nos artistes abstraits, il y a Valentin Stefanoff de Paris, la Franco brésilienne Celia Eid, et Mongezi d’Afrique du Sud. Cela donne de la richesse au studio. C’est pourquoi l’atelier influence aussi les artistes qui viennent ici. C’est excitant. On sent que l’artiste et l’atelier se nourrissent l’un, l’autre.

« La pierre ne pardonne pas, alors tu dois te lancer et poursuivre. Je pense que cela a aidé Mongezi à progresser dans sa peinture ».

Francis van der Riet, Directeur de l’Atelier le Grand Village

Nadège : Vous êtes aussi lithographe ?

Francis : Je suis le « master printer » au sein de Atelier le Grand Village. J’ai crée l’atelier il y a une dizaine d’années, mais la lithographie m’intéresse depuis longtemps. Une fois que j’ai installé l’atelier, je me suis rendu compte que je devais le partager avec d’autres artistes. J’ai grandi au Zimbabwe et en Afrique du Sud, et il semblait évident d’inviter des artistes de là-bas. Ils adorent venir ici. Je pense qu’il est utile que je comprenne d’où ils viennent et qu’ils se sentent à l’aise ici. C’est important.

Nadège : Comment se passe le travail avec Mongezi ?

Francis : Nous travaillons en duo. Je fais un certain nombre d’estampes. Comme Mongezi adore l’estampe, il participe activement au processus. Il prépare avant tout les dessins sur les pierres, mais il aide aussi au grainage des pierres et au reste du processus d’impression. Le studio dispose d’une collection d’encres, et nous dialoguons sur les différentes couleurs. Le jardin est également très inspirant pour les couleurs que nous utilisons ici.

Nadège : Alors, vous travaillez beaucoup avec l’environnement et le jardin ?

Francis : Tout à fait, je pense que les couleurs sont inspirées d’ici, en fonction bien sûr de la période de l’année. Mongezi est venu ici à différentes périodes de l’année, y compris en hiver. C’est une grande influence, et j’aime à penser qu’il ne pourrait pas produire le même type de travail ailleurs. Je pense que vous pouvez distinguer quelles œuvres proviennent de l’Atelier le Grand Village. Mongezi et les autres artistes s’y sentent chez eux. Il ne s’agit pas de venir une seule fois, mais plutôt de construire une relation sur le long terme. La lithographie sur pierre, demande du temps.

Atelier le Grand Village présentera de nouvelles œuvres de Mongezi Ncaphayi, Diane Victor et Bambo Sibiya lors de l’édition d’octobre prochain de 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain à Londres. Veuillez contacter Atelier le Grand Village pour plus d’informations ou visiter le site de la foire 1-54.

Atelier le Grand Village
7, le Grand Village
16310, Massignac
www.legrandvillage.net
instagram: atelierlegrandvillage

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