Né le 13 mai 1855 dans une famille juive riche, le père de Ludwig Deutsch était agent de change à la cour impériale. Après le lycée, il entre à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne en 1875. Formé à l’Académie de Vienne en 1872, il s’installe en France en 1878 et étudie avec le peintre Jean-Paul Laurens, à qui il doit son style académique. Il se spécialise dans la peinture orientaliste. Deutsch était le principal peintre orientaliste de l’école autrichienne, qui comprenait également Rudolf Ernst, Arthur von Ferraris, et Rudolf Weisse.

A partir de 1883, Deutsch effectue quatre voyages en Egypte, et les sujets orientaux qui dominent son œuvre lui valent des éloges sans précédent. Les surfaces polies et le réalisme hallucinatoire extrêmement précis de ses tableaux sont basés sur une vaste collection de photographies qu’il a réunies au Caire.

Dans Le fumeur de Goza, 1884, Deutsch tourne son regard ethnographique vers un motif familier et durable de l’art orientaliste, le fumeur arabe au repos. Loin d’une transcription de la réalité ou simplement d’un autre exemple d’un thème populaire, l’image de Deutsch comprend des détails qui compliquent sa signification et font allusion à l’art sophistiqué derrière sa composition.

L’homme dans la peinture de Deutsch porte un qumbaz – soutane – traditionnel rayé sous une robe extérieure plus lourde. Pour ceux qui connaissent l’art de Deutsch, l’apparition de ces vêtements spécifiques bleu, rouge et jaune-or n’aurait pas été surprenante, car ils ont été souvent répétés dans son œuvre et peuvent avoir été tirés de sa propre collection de textiles et de produits exotiques. Dans sa main droite, l’homme saisit un goza, ou pipe, avec un grand bol en laiton sculpté de motifs islamiques. Construit pour la portabilité et conçu pour être tenu plutôt que posé sur le sol, cette forme quelque peu archaïque de narguilé égyptien se distingue par une tige de bambou rigide plutôt que par un tuyau flexible. Le flux direct de fumée du bol à la bouche que permet cette construction en a fait un favori particulier des fumeurs de tombiek, ajamy, et d’autres tabacs traditionnels et parfumés comme le jurak et le zaghloul, ainsi que des amateurs de haschisch et de drogues fortes du 19e siècle. La posture de l’homme ici est détendue et informelle et son regard latéral est flou et vide. Perdu dans ses pensées – ou peut-être dans les effets de la substance non spécifiée qu’il fume – Deutsch a créé un protagoniste improbable dans cette œuvre autrement caractéristique, s’étalant langoureusement sur son trône en bois tourné ou en moucharabieh.

La formidable porte derrière la figure arabe – probablement l’entrée d’un palais privé plutôt que l’entrée d’une mosquée ou d’une madrasa, compte tenu de l’état d’ébriété apparent de l’homme – témoigne de l’utilisation répandue par Deutsch des livres à modèles et des gravures populaires bien connus. Il peut s’agir ici des créations architecturales d’Owen Jones ou des nombreux portails enregistrés par le grand artiste et érudit français Achille Prisse d’Avennes, une ressource favorite de Deutsch pour son art (voir le joueur de Qanun). La bibliothèque personnelle éclectique de Deutsch, en fait, est visible à travers ses scènes peintes. C’est grâce à son talent d’artiste que les résultats sont invariablement si transparents et si réels.

En 1900, trois ans après avoir peint L’Offrande, Deutsch reçoit une médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris, puis le titre de Chevalier de la Légion d’honneur. Il est alors naturalisé français. Certains le nomment « Louis Deutsch ».

Dans Le joueur de Qanun,1903, Ludwig Deutsch crée une œuvre à la fois instantanément familière et entièrement nouvelle. Un homme barbu, assis jambes croisées sur un tapis au sol, joue du qanun, un instrument à cordes traditionnel originaire du Moyen-Orient. Il est observé par une deuxième figure arabe, appuyée contre un mur aux motifs complexes. La pièce elle-même est riche en détails ornementaux, avec ses pierres incrustées colorées, ses sculptures en bois élaborées et une énorme fenêtre en moucharabieh, à travers laquelle la douce lueur de la lumière du soleil pénètre la pièce. L’ambiance de l’image de Deutsch est apaisante et feutrée ; il s’agit d’un orientalisme différent de celui qu’offraient ses pairs, dans lequel le drame et l’érotisme n’ont pas leur place.

Le cadre de l’image de Deutsch est significatif, si pas exact d’un point de vue architectural. Bien que les voyageurs européens aient fourni des descriptions de l’architecture domestique au Moyen-Orient au début du XVIIIe siècle, l’étude sérieuse des bâtiments privés de la région n’a commencé qu’avec les travaux de la Commission scientifique et artistique de Napoléon en Égypte en 1798, dirigée par Vivant Denon et Pascal Coste. Les conclusions officielles de la Commission, appelées Description de l’Égypte, ont été publiées à Paris entre 1809 et 1828 dans de multiples volumes abondamment illustrés (Paris : Imprimerie impériale).

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La vente dédiée à l’art Africain chez Sotheby’s revient pour une quatrième saison consécutive le 2 avril 2019

En avril prochain, la vente dédiée à l’art Africain moderne et contemporain de Sotheby’s sera de retour à Londres pour une quatrième saison consécutive, après une exposition en avant-première qui aura lieu du 29 mars au 2 avril prochain.

Depuis l’inauguration de la vente dédiée – Art Moderne et Contemporain d’Afrique -, Sotheby’s a réalisé cinquante records du monde dans la catégorie Meilleurs artistes de toute la diaspora africaine et en confirme un intérêt global grandissant. Le marché international de l’art moderne et contemporain d’Afrique est certainement en plein essor, avec des conversations passionnantes qui s’enflamment sur le terrain, alimentées par des temps forts tels que l’ouverture du Zeitz MOCAA – Musée d`Art africain contemporain et la Fondation Norval à Cape Town, l`évolution des marchés internationaux comme 1-54 Contemporary African Art Fair à Londres, New York et Marrakech, Art X Lagos et bien sûr le pavillon très attendu du Ghana cette année à la biennale de Venise. L’entrée de Sotheby’s dans ce domaine atteste la position de l’art africain moderne et contemporain sur le marché mondial.

D’excellents résultats pour la vente aux enchères d’art africain en 2018

La vente de la saison dernière chez Sotheby’s a totalisé 2,3 millions £ (3 millions $) et a attiré des collectionneurs de 20 pays différents. Les ventes de 2018 ont connu de bons résultats pour des artistes établis tels que Ben Enwonwu (Obitun Dancer ; £187 500/$265 744) et El Anatsui (Tagomizor ; £670 000 /$883 730) à des stars montantes comme Eddy Kamuanga Ilunga, seulement 27 ans, dont l’oeuvre Mangbetu qui a atteint cinq fois l’estimation élevée (£65 000/$92 124).

Une perspective très prometteuse et très kaléidoscopique pour la vente de cette année

L’exposition publique et la vente de cette année rassemblent une collection soigneusement sélectionnée composée de peintures, photographies, dessins et sculptures provenant de tout le continent africain. Hannah O’Leary, chef du département de Sotheby’s, déclare avoir été témoin de la croissance de la demande, de l’audience et de la variété des œuvres :

« En matière d’art contemporain, les gens sont toujours à la recherche de quelque chose de nouveau – une demande qui se prête tout à fait à ce genre. Couvrant plus de 16 pays, un kaléidoscope de cultures et de thèmes, et comprenant les œuvres d’artistes établis et émergents, notre vente aux enchères d’art africain moderne et contemporain reste l’une des plus passionnantes, innovantes et pertinentes sur le marché actuel. L’art africain a connu une sorte de renouveau au cours de la dernière décennie, comme en témoigne l’intérêt grandissant des collectionneurs à travers le monde. En effet, plus d’un quart des acheteurs de la vente de l’an dernier provenaient du continent africain, mais les catégories de collectionneurs couvrent l’Asie, l’Europe, l’Australasie et l’Amérique du Nord, et il est fantastique de voir des artistes africains se hisser au premier plan des collections internationales, tant privées que publiques. Il s’agit donc d’une période incroyablement passionnante pour appréhender l’art africain moderne et contemporain, et les collectionneurs sont toujours séduits par les possibilités qui s’offrent à eux. Notre vente met en vedette des œuvres de quelques-uns des plus grands noms du domaine à des prix abordables, mais comme ces œuvres sont de plus en plus en demande, il est peu probable qu’elles le restent encore longtemps. Si vous êtes à Londres en avril, n’oubliez pas de visiter l’exposition – il y en a vraiment pour tous les goûts ».

El Anatsui, Zebra Crossing 2, estimée à 626,780€ – 854,699€

La vente aux enchères d’avril de Sotheby’s présentera en tête d’affiche, Zebra Crossing II, une tapisserie de capsules de bouteilles de la superstar de l’art contemporain, El Anatsui. El Anatsui a exploré un large éventail de supports, notamment la céramique, les bois durs tropicaux, les couvercles de boîtes de lait et les bouchons de bouteilles en aluminium, que l’artiste utilise pour réaliser les tapisseries métalliques scintillantes pour lesquelles il est le plus connu. Le succès des œuvres d’El Anatsui peut être attribué à la capacité de l’artiste à manipuler sans effort le matériau métallique rigide d’une manière qui crée une œuvre finie qui est robuste mais malléable, luxueuse et donne incroyablement l’impression d’un tissu.

El Anatsui a bénéficié de plusieurs expositions novatrices telles que le spectacle itinérant international When I Last Wrote to you About Africa en 2010. La plus grande exposition de l’artiste à ce jour, El Anatsui : Triumphant Scale, organisée par Okwui Enwezor et Chika Okekeke-Agulu, s’ouvre cette semaine à la Haus der Kunst de Munich et se rend à Mathaf : Musée arabe d’art moderne à Doha à l’automne. El Anatsui représentera également le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’Ibrahim Mahama, dont les œuvres sont également mises aux enchères.

Hassan El Glaoui, La sortie du Roi, estimée à 91,168€ – 136,752€

La Sortie Du Roi met en vedette les chevaux et cavaliers militaires qui ont fait la renommée d’El Glaoui. Parlant de son travail en 2009, El Glaoui a déclaré :  » Mon amour pour mon pays a été l’esprit qui a défini ma peinture. J’ai immortalisé nos racines ancestrales, les fleurs dans la vallée de la Kasbah et les palais rouges chérifiens, les courtisanes royales avec leurs longues lignes de brûlis blancs, la cavalerie montée et leurs chevaux. »

Puissante célébration de son pays natal, La Sortie du Roi déclenche chez le spectateur une myriade de sens : une palette rose poussiéreuse évoquant un climat sec et aride, l’ombre glaciale offerte par les brûlis blanc et bleu, et les mèches de peinture, fantomatiques, en mirage, entourant chaque cheval qui donnent au tableau un mouvement électrisant et frémissant. Le peintre El Glaoui a acquis une renommée internationale et est reconnu comme l’un des pionniers de l’art contemporain au Maroc. L’artiste a exprimé sa gratitude à Winston Churchill pour sa carrière ; lors de sa visite à Marrakech dans les années 1940, le Premier ministre a convaincu le père d’El Glaoui, le dernier pacha de Marrakech, de permettre au jeune artiste de poursuivre sa vocation artistique. Les œuvres de Churchill et d’El Glaoui ont ensuite été présentées conjointement dans une exposition conjointe à Londres.

Kamala Ibrahim Ishaq, Preparation of Incense – Zār Ceremony, estimée à 79,772€ – 102,564€

Kamala Ibrahim Ishaq est reconnue à la fois comme une pionnière de la scène artistique soudanaise, une icône féministe et l’une des artistes féminines les plus importantes du continent africain. L’artiste a été l’une des premières femmes à obtenir son diplôme de l’École des beaux-arts de Khartoum en 1963. Entre 1960 et 1975, la scène artistique de Khartoum a été marquée par la célèbre Khartoum School – École de Khartoum-, un mouvement artistique qui a débuté au Soudan dans les années 1960 dans le but de créer un nouveau langage visuel qui reflète un Soudan nouvellement indépendant. Kamala Ishaq faisait, par ailleurs, partie de la récente exposition à la galerie Saatchi  » Forêt et esprits Arts figuratifs de l’école de Khartoum « , organisée par Roubi l’Roubi.

Parmi les membres notables de cette école, on compte les artistes Ibrahim El-Salahi et Sarah Elmur (et les œuvres de ces deux artistes sont incluses dans la vente aux enchères). En 1971, bien qu’elle fût un membre éminent du groupe, Kamala quitte et fonde le Crystalist Group, plaidant pour une nouvelle esthétique artistique soudanaise qui s’inspire de la diversité et de la transparence. Le présent lot démontre l’intérêt de Kamala pour les processus spirituels soudanais, en particulier une pratique traditionnelle appelée la cérémonie Zār, par laquelle l’individu est débarrassé des mauvais esprits. Le travail de Kamala Ibrahim Ishaq a été largement exposé dans des institutions renommées telles que le MoMA PS1 (USA), la Whitechapel Gallery (UK), le Sharjah Art Museum (UAE), le Smithsonian National Museum of African Art (USA), Camden Art Center (UK), entre autres. Lire plus.

Chéri Samba, J’aime la couleur, estimée à 45,584€ – 68,376€

Chéri Samba est l’une des figures artistiques les plus prestigieuses issues de la République Démocratique du Congo ces dernières années. Né dans un village à 80 km de Kinshasa, Cheri Samba était l’un des quatre artistes congolais autodidactes qui, dans une Kinshasa des années 1970 nouvellement démocratique, ont fondé le mouvement connu aujourd’hui sous le nom de Peinture Populaire. Le genre joue avec la satire, l’ironie et l’humour pour aborder la vie quotidienne dans la capitale, y compris les questions sociales, politiques et économiques telles que les coutumes populaires, la sexualité, le SIDA, les inégalités sociales, la matérialité et la corruption.

Influencés par la publicité dans la ville, les artistes combinent des couleurs vives et audacieuses avec du texte pour créer des œuvres de conversation politiquement chargées qui s’adressent directement et franchement aux spectateurs. S’inspirant de sa formation antérieure de dessinateur de bandes dessinées et de panneaux publicitaires, le travail de l’artiste consiste souvent à écrire des textes, à esquisser un message clair ou une intrigue. Il a ensuite exposé dans certaines des institutions les plus prestigieuses du monde, dont la Fondation Cartier et le Museum of Contemporary Art Chicago. Sotheby’s présente aux enchères un J’aime la couleur de Cheri Samba, inhabituel et dramatique de l’imagerie la plus iconique de Samba.

Eddy Kamuanga Illunga, (b. 1991), Palm, estimée 28,490€ – 39,886€

Fusionnant à la fois les styles traditionnels et la « culture populaire », l’œuvre d’Illunga reflète à la fois la modernisation rapide de Kinshasa, troisième ville d’Afrique et ville natale de l’artiste, et la durabilité incertaine du patrimoine et des rituels quotidiens du peuple Mangbetu – qui font l’objet de cette œuvre stupéfiante. Comprendre le présent à travers le passé est au cœur de la pratique d’Illunga. Les poses classiques et les riches draperies des peintures figuratives monumentales de l’artiste rappellent les vieux maîtres européens. Pourtant, les tongs en caoutchouc et les bandes de tissu vibrantes capturent l’artisanat et l’héritage des Mangbetu. De plus, les circuits électroniques, les motifs de la marque de commerce de l’artiste, tatouent les personnages peau nue, signalant ainsi le XXIe siècle numérique.

Ce style de peinture est né très tôt dans la carrière de l’artiste, après avoir appris que la République démocratique du Congo est l’un des plus grands producteurs mondiaux de coltan, un minerai extrait à la main qui contient du tantale, un métal clé pour l’industrie électronique. Choqué par le nombre croissant de villages détruits pour exploiter ces minéraux, Illunga symbolise l’exploitation de son pays et de son peuple, et la dure réalité de la mondialisation. Avec sa finesse picturale, son symbolisme complexe et son attrait puissant pour les yeux et la conscience, l’œuvre d’Illunga a acquis une renommée internationale. La vente de Palm fait suite à la vente de Mangbetu d’Illunga à Sotheby’s en mars 2018, qui a atteint 65 000 £/92 124 $, dépassant l’estimation de 8 000 à 12 000 £ avant la vente.

Ibrahim Mahama, Rafia EB X, estimée à 22,792€ – 34,188€

Rafia EB X de l’artiste ghanéen Ibrahim Mahama est une élégante toile murale composée de sacs recyclés en toile de jute. L’artiste est surtout connu pour assembler ces sacs de jute afin de créer de grands textiles qui sont souvent déposés sur des formes architecturales. Importés au Ghana depuis l’Asie du Sud-Est, puis réutilisés pour l’exportation de cacao, de charbon de bois et d’autres cultures, les sacs de jute de Mahama sont synonymes de l’histoire commerciale du Ghana et servent à commenter les relations économiques du Ghana avec le reste du monde, de l’après-colonisation à nos jours.

Le travail de Mahama s’étend de grandes installations in situ à des pièces plus intimes comme Rafia EB X. Ayant reçu une formation de peintre, Mahama introduit dans ses œuvres comme Rafia EB X , une conception matérielle faisant référence à des peintures, cherchant à souligner la forme élégante qui pend sur le mur tout en défiant les limites du sens de la peinture. Mahama représentera le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’El Anatsui, dont le travail est également inclus dans la vente aux enchères, dans un pavillon national co-commissarié par l’architecte Sir David Adjaye.

La vente comprendra également Harvest Scrolls, 1983, une œuvre de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, considérée comme faisant partie des courants créatifs du Nil, estimée entre 34,188€ – 56,980€ et ayant appartenu à la collection de Terry McMillan.

La vente présentera aussi l’artiste Nigérian Uzo Egonu, Women Reading, 1978 estimé entre 12 000 et 18 000 £ et l’artiste sud-africain William Kentridge, Head (Orange), estime entre 30 000 et 50 000 £ parmi d’autres.

 

Vente d’Art Moderne & Contemporain Africain
Londres
02 Avril 2019
14H

Sotheby’s
34-35 New Bond Street
Londres W1A 2AA
+44(0)20 7293 5000

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’est l’itinéraire d’une vie qui va bientôt passer aux enchères. Celle de Pierre Loos, marchand d’art tribal, collectionneur et voyageur. Trois ventes en tout, qui auront lieu les 17 et 18 septembre prochain, chez Piasa. Pour Christophe Person, directeur du département d’art africain contemporain de la maison de ventes, « il y aura un avant et un après. » La première vacation sera consacrée aux arts ethnographiques et premiers, le cœur de métier de Pierre Loos. Une dispersion importante, près de 500 lots, plutôt abordables dans leurs estimations. Vont se succéder sous le marteau de nombreux appuie-têtes, les tissus kuba du Kassaï que Pierre Loos a largement contribué à mettre en lumière, des statuettes votives… La seconde vacation, plus originale, consiste en la cession d’un fonds photographique. Celui que Pierre Loos a constitué autour de la personne de Casimir Zagourski, un Polonais, photographe dans l’aviation de l’armée impériale avant de fuir en 1924 à Léopoldville sous la pression des Rouges. Là-bas, arpentant la région en Ford T, il a photographié les gens et la vie tels qu’ils étaient, sans atours. Ce stakhanoviste de la photo a réalisé 1.600 clichés parmi lesquels il en a sélectionné 440, qu’il a édités en photo format carte postale ou en plus grands tirages uniques, une cinquantaine.

Les tirages à la vente sont rassemblés en une centaine de lots : les ensembles d’époque de petits formats sont estimés entre 400 et 600 €, les grands tirages entre 1.000 et 3.500 €, quelques-uns dépassant ces estimations de par leur pedigree d’expositions. Le clou de la vente est un « Album à l’éléphant », le « grand œuvre de Casimir Zagourski », d’après Pierre Loos. Des albums pensés comme des objets de luxe, créés sur commande dans lesquels le photographe réunissait un grand nombre de photos — plus de 400 dans celui mis en vente. Une estimation entre 10 et 15.000 €.

Et puis, il y a la troisième vente, peut-être la plus attendue. Depuis les années 1980, Pierre Loos a constitué une collection unique d’art moderne congolais (de 1920 à 1960), facilité par sa proximité avec les milieux coloniaux belges, qui ne voyaient souvent dans ces peintures que l’expression naïve d’Indigènes. C’est un condensé de cette collection, dont on a pu constater l’étendue pendant l’exposition « Beauté Congo » organisée par André Magnin à la fondation Cartier en 2014

Dans le sous-sol de la fondation, la séquence consacrée à l’art moderne congolais était constituée à 80 % de prêts provenant de la collection Loos. « C’est la première fois qu’en art moderne africain, on met à la vente une collection cohérente et extensive, se réjouit Christophe Person. C’est un test intéressant. Les pièces sont d’une belle qualité de conservation, d’une esthétique très forte. Dans le cadre de l’engouement que l’on constate pour l’art du continent africain, on peut espérer que cela fonctionne très bien, d’autant que les estimations sont plutôt abordables. » Les tableaux mis en vente, de Pilipili Mulongoy, Bela, Raphaël Kalela, Sylvestre Kaballa ou Mwenze Kibwanga proviennent majoritairement de l’atelier Desfossés.

Pour l’histoire, Pierre Romain-Desfossés était un ancien officier de la marine française, qui a fondé un atelier, surnommé le Hangar, où il a mis à disposition des locaux les moyens de s’exprimer, à l’abri des influences occidentales. « Un mélange d’art brut et d’art naïf », sourit Pierre Loos. Les estimations vont de 4.000 à 15.000 € environ. « Dans ces toiles, on retrouve un aspect volontiers narratif, liées à l’histoire des hommes, à leurs coutumes, explique Christophe Person. On y perçoit aussi une dimension éducative : des scènes de pêche, de pères qui enseignent la chasse à leur fils. C’est un art ancré dans son temps, un témoignage. » Le clou de la vente ? Un paravent réalisé à six mains par Pilipili Mulongoy, Bela et Raphaël Kalela, estimé entre 150 et 200.000 €. « Je ne connais pas d’équivalent, déclare un Christophe Person admiratif.

Les motifs sont superbes, et cette pièce peinte, donc plate, a un aspect tridimensionnel, sculptural assez fascinant. Je pense qu’elle ferait bonne figure dans une collection d’art classique ! » Les motifs sont quelque chose dans ces tableaux. Ceux de Kibwanga, Bela ou Kaballa semblent emprunter au textile, à la maille, dressant des ponts avec d’autres techniques. « Ces fonds ont influencé de nombreux artistes, je pense à JP Mika par exemple. C’est un art naïf qui inspire beaucoup d’artistes, remarque Christophe Person. D’ailleurs, j’espère que cette vente aura un impact, et permettra de sortir de l’ornière qui consiste à ne voir dans les productions africaines du début et du milieu du XXe que des fétiches, des statues cultuelles, etc.» Rendez-vous pris.

Informations pratiques

« Arts Premiers et Ethnographie », 17 septembre 2018
« Art Moderne Africain », 18 septembre 2018
« Photographies de Casimir Zagourski », 18 septembre 2018

PIASA
118, rue du Faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris

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