Investec Cape Town Art Fair est la plus grande foire d’art contemporain du continent Africain. Avec près de 107 galeries, plus de 15 000 visiteurs et 2 815 invités, elle offre une plateforme aux collectionneurs, galeries, conservateurs, artistes et journalistes d’art du monde entier pour créer des liens à la pointe de l’art contemporain. Avec une expérience intime de l’une des capitales de l’art les plus uniques au monde, la foire du Cap s’est révélée être le lieu où le marché de l’art africain en pleine expansion et le monde de l’art international se rencontrent.

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Cette exposition à la Fondation Norval présente l’œuvre vidéo immersive in Pursuit of Venus[infected] (2015-17) traduit par à la poursuite de Venus[infectée] (2015-17) de Lisa Reihana (née à Aotearoa, Nouvelle-Zélande, 1964). Intégrant des paysages peints à la main avec des figurines en mouvement et une bande sonore dense, à la poursuite de Venus[infectée] invite les spectateurs à observer une série d’événements historiques, réels et imaginaires, du premier contact entre les peuples britannique et ceux du Pacifique.

Plutôt que de reproduire une perspective européenne, qui domine la majorité des récits de ces temps, Reihana intègre les formes de connaissance et les pratiques sociales de Māori dans la façon dont le travail est structuré, offrant un contrepoint sophistiqué. Simultanément, à la poursuite de Venus[infectée] s’inspire des traditions de la culture populaire et du théâtre, y compris le panorama en mouvement, une sorte de peinture panoramique tournante de l’histoire qui était populaire dans les années 1800, et l’art du pantomime, une forme de comédie musicale.

D’une largeur de 17 mètres et d’une durée de 64 minutes, c’est le projet le plus ambitieux de l’artiste Māori des Premières nations d’Auckland, qui a nécessité une décennie de recherche, de tournage, de production et de post-production. Ceci est renforcé par l’utilisation de technologies numériques de pointe, y compris l’œuvre tournée en résolution 15k, pour former une expérience multimédia immersive pour le spectateur, plaçant la pratique de Reihana au sein d’une lignée d’artistes vidéo et d’installation tels que Nam June Paik, Isaac Julien et Pipolotti Rist.

Une référence clé de à la Poursuite de Venus[infectée] est un papier peint décoratif intitulé ‘Les Sauvages de la Mer Pacifique’ (1804-06), conçu par l’artiste français Jean-Gabriel Charvet et produit par Joseph Dufour et Cie, une société française spécialisée dans les papiers peints et textiles de luxe à la fin des années 1700 et 1800. Populaire parmi les Européens et les Américains fortunés de l’époque, le papier peint, formé de vingt feuilles séparées ou « gouttes », représente ostensiblement les différents peuples que l’explorateur et cartographe britannique James Cook a rencontré lors de ses trois voyages à travers le Pacifique de 1768 à sa mort en 1779.

Derrière les personnages se cache un paysage arcadien, des amalgames d’Hawaï, de Tahiti, d’Aotearoa, de Nouvelle-Zélande et d’autres endroits dans la vaste région du Pacifique. Cet espace imaginaire reflète davantage la façon dont les Britanniques voyaient les peuples qu’ils rencontraient, et donc l’opportunité d’observer les Britanniques, plutôt que les peuples et les cultures eux-mêmes.

En effet, lorsque Reihana s’est retrouvée devant « Les Sauvages de la Mer Pacifique » pour la première fois à la Galerie Nationale d’Australie (Sydney), elle a été frappée par la façon dont les représentations des peuples Māori dans cette œuvre ont été retirées de sa propre expérience en tant que personne Māori. En réponse, elle a créé une « contre-archive », comme l’a caractérisé le savant Nikos Papastergiadis, présentant ainsi une série complexe de rencontres et une compréhension nuancée des peuples Māori.

Lisa Reihana est une artiste multidisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la sculpture, à la parure de costumes et de corps, à l’écriture et à la photographie. Depuis les années 1990, elle a considérablement influencé le développement de l’art contemporain et de l’art maori contemporain à Aotearoa en Nouvelle-Zélande.

Elle a acquis une réputation exceptionnelle en tant qu’artiste, productrice et interlocutrice culturelle grâce à l’attention qu’elle porte aux complexités des langages photographiques et cinématographiques contemporains qui s’expriment de multiples façons. Sa capacité à exploiter et à manipuler une valeur de production séduisante est souvent exprimée par des portraits où elle explore comment l’identité et l’histoire sont représentées. Ainsi que l’intersection de ces idées avec les concepts de lieu et de communauté.

Les trois voyages de Cook dans le Pacifique, en tant qu’événements historiques, figurent également directement dans l’œuvre de Reihana. En particulier, le titre fait référence à la fois au passage de Vénus que Cook a observé en 1769 à Tahiti, ainsi qu’au début du projet colonial britannique dans le Pacifique. L’observation de cet événement astronomique remarquable a constitué un jalon dans l’histoire de l’astronomie, facilitant le calcul précis de la distance de la Terre non seulement à la planète Vénus, mais aussi de la distance de la Terre au soleil.

Dans une séquence de à la Poursuite de Venus[infectée], un astronome britannique, probablement Cook, discute de l’utilisation d’un télescope avec un groupe de Māoris, et plus tard un télescope est à nouveau visible en arrière-plan. Pourtant, aussi remarquable que soit cette réalisation scientifique, l’arrivée des Britanniques dans le Pacifique a marqué le début d’une période dévastatrice de colonisation européenne, dont les conséquences sont encore en cours d’étude.

Reihana a représenté la Nouvelle-Zélande à la Biennale de Venise en 2017 avec l’installation vidéo à grande échelle de à la Poursuite de Venus[infectée] (2015-17). L’œuvre a été créée à la galerie d’art d’Auckland en mai 2015 et est depuis devenue une œuvre phare dans le canon de l’histoire de l’art d’Aotearoa en Nouvelle Zélande. L’œuvre à la Poursuite de Venus[infectée] a depuis été présentée dans le monde entier et a été largement acclamée par la critique.

En 2014, Reihana s’est vu décerner le prix Arts Laureate Award par la fondation des arts de Nouvelle-Zélande, le Te Tohu Toi Ke Te Waka Toi – le prix Mãori de l’innovation artistique créative de Nouvelle-Zélande en 2015, et en 2018, elle a été nommée membre de l’Ordre du Mérite de Nouvelle-Zélande.

Reihana aborde les questions du post-colonialisme, de l’injustice, des relations transnationales et de l’autonomie autochtone. Elle dit que le travail vise à « indiquer un niveau de complexité, à susciter une sorte d’empathie et à alerter les gens ». L’impact du colonialisme n’est pas unique au Pacifique ou relégué au passé. À la Poursuite de Venus[infectée] soulève des questions pertinentes pour toute société contemporaine qui souhaite apprendre de ses erreurs.

 

À La poursuite de Vénus[infectée] : Lisa Reihana
3 août 2019 – 20 janvier 2020
Galerie 1, Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaire de l’exposition : Owen Martin
Coordonnatrice du programme de conservation et du programme public : Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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L’océan est le monde, sans partition ni division, seulement la profondeur et l’étendue. En raison de sa profondeur, il sert de lieu de sépulture. Donc, si vous pointez une caméra vers une masse d’eau, vous obtenez une représentation opaque, des dieux et des langues, des objets et des chansons, tout ceci avec des corps jonché sur les côtes ouest africaines. L’opacité de la mer est donc sa promesse riche et dangereuse. Certains se noieront et d’autres arriveront au port. – Emmanuel Iduma, The Stranger’s Pose (2018)

Jo Ractliffe écrit:

Je vis dans une maison située à flanc de montagne, avec vue sur la mer. Chaque matin, je respire l’air de la mer. C’est une odeur pas comme les autres, parfois intensément humide, d’autres fois avec une infime quantité de saumure. j’aspire cet air aussi profondément que possible, comme si ma respiration pouvait pénétrer les profondeurs de l’océan. Cela me remplit d’une pure satisfaction momentanée et je sais que je suis ici avec les vivants, et non pas avec les morts.

En 2015, j’ai subi une blessure qui a changé ma vie et ma façon de voir les choses. Par conséquent, ma photographie s’est éloignée de l’essai photographique prolongé basé sur la recherche, qui exigeait de longs et répétés voyages dans le paysage. Aujourd’hui, je travaille de façon plus spontanée et plus responsable, et j’observe la dynamique qui émerge lorsqu’une collection d’images apparemment disparates, faites sans intention claire ou soutenue de ma part, se réunit. Je m’investis moins dans mes propres désirs que dans ce que les photographies semblent vouloir les unes des autres. En choisissant et en éditant les images pour Everything is Everything (2017), j’étais curieux de voir les motifs et les répétitions qui s’étaient développés – indépendamment, semble-t-il, de mes intentions – ainsi que le ton de l’œuvre dans son ensemble – malgré la diversité des attitudes visuelles, des modes photographiques et des équipements utilisés sur une période de 30 ans. De même, avec ce corpus de travail, il y a eu un certain nombre d’images qui ont refusé de se conformer à mes tentatives de les éditer et qui se sont retrouvées à plusieurs reprises dans le groupe. Cela peut paraître étrange : nous ne confions généralement pas à l’image sa propre administration, mais je commence à voir que les photographies ont leur propre force ; elles nous repoussent, et si nous y prêtons attention, nous pouvons entrer dans différentes relations avec elles.

La plupart des photographies de cette exposition ont été prises au cours des 45 derniers mois ; quelques-unes remontent jusqu’en 1986. Ils viennent de nombreux endroits : du Cap Sud, en passant par la côte Ouest, l’Angola et de l’autre côté de l’Atlantique jusqu’au Mexique. De la sirène de la baie de Sainte-Hélène à Buffel, l’éléphant de mer du sud, qui a parcouru quelque 2 100 kilomètres depuis l’île de Marion pour subir sa mue catastrophique sur la plage Fish Hoek plus tôt cette année, cette exposition commence et se termine avec la mer.

Ractliffe exposera en même temps que Ian Grose. L’exposition sera inaugurée le jeudi 16 mai de 18h à 20h.

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STEVENSON

La galerie Stevenson a un programme d’expositions internationales avec une attention particulière pour la région sud-africaine. La galerie a ouvert ses portes en 2003 et dispose d’espaces au Cap et à Johannesbourg. Elle est détenue conjointement par ses onze associés. Stevenson participe à Art Basel, Frieze London, Paris Photo et Art Basel Miami Beach..

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La gamme d’expérience a été vaste et couvre un large éventail de types de projets dont l’ampleur et la complexité varient, l’accent étant mis sur la prestation d’un service à la mesure de la qualité du produit. L’entreprise relève de nouveaux défis pour mettre à l’épreuve ses compétences de façon imaginative et créative, en s’appuyant sur l’utilisation de la technologie pour atteindre ses objectifs. En ligne avec les tendances mondiales, le cabinet d’architecture estime que la fourniture d’un service de qualité est exigeante et réalise le meilleur potentiel chez les gens comme une stratégie pour la continuité sur les marchés mondiaux.

« Notre approche est holistique et offre un service de conception complet. Chaque projet est considéré dans sa globalité, touchant non seulement à la conception du tissu physique de l’enveloppe, mais aussi aux intérieurs, à l’ameublement et à l’aménagement paysager, et l’attention portée à chacun d’eux dans les moindres détails est la recette du succès pour le produit final. Notre démarche consiste à remettre en question et à mesurer en permanence tout ce que nous faisons dans une recherche permanente de solutions design intemporelles, élégantes et pertinentes. Notre engagement à cet égard est total du début à la fin de chaque projet. »

La villa Sealion, située au pied de la montagne sur la côte atlantique de Cape Town – Afrique du Sud, a été conçu dans l’intention de créer une maison de divertissement. Le site présentait le défi de faire de la montagne et de l’océan des parties intégrantes de l’expérience du foyer.

L’intimité était une question importante, tout en essayant d’optimiser l’atteinte de la hauteur maximale permise. La proximité des voisins avoisinants a été l’occasion d’une réflexion différente sur l’organisation du bâtiment sur le site. La solution était d’empiler le bâtiment et d’optimiser la hauteur, en séparant les volumes principaux par des espaces de cour – qui offrent une couche supplémentaire aux relations spatiales horizontales. La clé du brief du client était une relation intégrale entre la montagne et l’océan. C’est un élément central de la façon dont on circule à travers la colonne vertébrale centrale qui relie les deux volumes clés de la maison. La cour intérieure au rez-de-chaussée et au niveau des chambres supérieures devient le prolongement intégral des espaces intérieurs.

Les doubles volumes travaillent à déplacer l’expérience spatiale aux niveaux d’entrée et de vie où la montagne et l’océan acquièrent respectivement une importance particulière. L’escalier principal double volume s’ouvre sur une cour plus intime et aquatique et s’étend vers le salon, les portes coulissantes du salon et de la salle à manger coulissent dans des murs creux, ce qui permet au salon et à la salle à manger de s’ouvrir sur la piscine et les terrasses du BBQ. La chambre principale, située au deuxième étage, a accès à sa propre terrasse, où l’expérience et les relations avec la montagne et l’océan dominent.

Le bord de la rue est protégé par des murs en béton évasé avec des ouvertures de fenêtre placées intentionnellement à partir de la chambre principale et du bureau. Les écrans découpés au laser servent à la fois un double objectif de sécurité et une contribution esthétique glissante à la façade de la maison. Étant des gens très sociables et de grands hôtes, le client avait besoin à la fois d’une maison et d’un endroit pour se divertir et « partager » l’incroyable beauté naturelle offerte par cet endroit spécial.

Le minimalisme des finitions intérieures, crée un sentiment de calme, qui est immédiatement contrasté par le décor audacieux et coloré. Un éclairage audacieux et discret a été superposé pour évoquer des ambiances contrastées mais complémentaires dans toute la maison.

« Nous sommes ravis de la maison que Greg Wright Architects a créée pour nous. Nous avons établi un premier cahier des charges stimulant qui comprenait une vue sur l’océan de chaque pièce de la maison, des espaces de jardin tranquilles, ainsi qu’une forte connexion entre l’intérieur et l’extérieur. Nous voulions créer un’voyage’ à travers la maison pour que les gens puissent apprécier à la fois notre art et les vues. Nous mettons l’accent sur le divertissement à l’intérieur de la maison, avec le désir que tous les besoins clés doivent être sur un seul niveau spacieux – cela comprenait la cuisine, arrière cuisine, cave à vin, piste de danse, cinéma, salon, salle de gym, sauna, BBQ et piscine. Greg Wright Architects a définitivement réalisé notre mission et a aidé à créer une maison contemporaine mais confortable avec une vue imprenable de chaque section de la maison. » Le client.

Greg Wright Architects
Units 9 & 10,
Canal Plaza, Battery Park, V & A Waterfront
Cape Town, 8001, Afrique du Sud

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