Des œuvres inspirées par un ensemble de références universelles

Née à Chicago, Simone Leigh, crée des objets qui occupent l’espace liminal entre la figuration et l’abstraction. Grande penseuse et virtuose créatrice d’objets, de vidéos, d’installations, de performances et d’œuvres centrées sur l’engagement social, elle explore les expériences des femmes noires à partir d’une multitude de perspectives culturelles, formelles et de points de vue historiques. Ces dernières années, Simone Leigh a acquis une notoriété pour ses sculptures en céramique et en bronze de grande taille, qui présentent des formes de corps tressées et des jupes. Rendues à une échelle souvent plus grande que nature, les sculptures autonomes sont souvent installées à côté d’installations architecturales. L’œuvre se définit par une combinaison de matériaux – tels que l’argile, le bronze et le raphia – traditionnellement associés à l’art africain, mais qui s’inspirent d’un ensemble de références mondiales.

Les nouvelles sculptures en céramique de l’exposition comprennent de grands récipients en forme de bulbe et de bouteille, ainsi qu’une figure en forme de cloche à la fois monumentale et intime. Ces œuvres peuvent être interprétées en association avec la poterie de cruche à visage fabriquée par les Afro-Américains du XIXe siècle réduits en esclavage dans le Sud. L’intérêt de Leigh ici découle de la croyance en la valeur sacrée de ces vases, qui, selon beaucoup, servaient de talisman pour la protection spirituelle et la sécurité des espaces domestiques.

Une réflexion sur le corps des femmes noires dans notre monde contemporain

L’œuvre de Simone Leigh témoigne des expériences et des histoires sociales de sujets souvent omis des récits coloniaux dans une sorte d’auto-ethnographie qui est tout aussi en phase avec les perspectives individuelles et les structures collectives. Bien que son projet en cours porte essentiellement sur les épistémologies des femmes noires, ses œuvres vont au-delà de la représentation et résultent d’une recherche approfondie sur ses matériaux et leur histoire. Ses projets prennent forme à travers un spectre hétérogène de registres, combinant souvent des modes symboliques ethnographiques.

Une autre des nouvelle sculpture combine un élément en céramique sous la forme d’une tête et d’un torse de femme avec une grande jupe en forme de dôme recouverte de feuilles de palmier de raphia. À la fois méditation sur l’architecture vernaculaire (la jupe peut être lue comme une hutte reconvertie) et essai de textures, de couleurs et de rythmes visuels variés, l’œuvre pose des questions sur le modernisme et la relation entre le corps féminin noir et les environnements physiques, sociaux et historiques dans lesquels il apparaît.

L’éventail total de ses références, ainsi que sa compréhension nuancée des divers contextes dans lesquels son travail apparaît, aboutit à des analyses critiques de sujets aussi complexes que la perception féministe de la beauté, le rôle du corps physique dans les communautés et la représentation de la race, en particulier en ce qui concerne la représentation des femmes noires. En retournant à certains matériaux et typologies au fil du temps et dans différents contextes, Leigh établit un paysage de formes ouvert qui enregistre de subtils changements de perspective et d’échelle.

Leigh intègre souvent des éléments architecturaux dans ses expositions, comme ici dans une installation de grande envergure qui occupe un des coins de la galerie et la majorité d’un de ses murs. Structure d’acier en cage également recouverte de feuilles de raphia, l’œuvre transforme une référence métaphorique aux traditionnelles huttes ovales en herbe de Rondavel en Afrique subsaharienne ou aux habitations de Mousgoum dans le nord du Cameroun et du Tchad en un objet qui se situe quelque part entre l’habitat fonctionnel et la sculpture minimaliste. Bien qu’il n’y ait pas de porte d’entrée, il évoque, bien que conceptuellement, la possibilité d’un rassemblement commun dans un espace qui normalement privilégie un visionnages individuel.

Simone Leigh

David kordansky gallery

Exposition d’art contemporain

Du 26 mai au 11 juillet 2020

5130 W Edgewood Pl, Los Angeles, CA 90019

États-Unis

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La galerie David Kordansky de los Angeles, représente l’artiste afro-américain Adam Pendleton (né en 1984, Richmond, Virginie).

Puisant dans une large gamme de médiums, dont le collage, la peinture, l’écriture, la gravure, la vidéo et l’édition, Pendleton utilise le langage comme principal outil, re-contextualisant l’imagerie appropriée pour faire la lumière sur des récits historiques sous-représentés. Il s’intéresse particulièrement à la résistance sociale et aux mouvements artistiques d’avant-garde et a synthétisé diverses pratiques sous la rubrique « Black Dada », un terme emprunté au poète Amiri Baraka. Puisant dans un vaste éventail d’archives, il intègre des stratégies matérielles et esthétiques provenant de sources aussi diverses que le mouvement des arts noirs, le minimalisme, l’art conceptuel, la performance expérimentale et la philosophie. Cette recherche aboutit à une syntaxe visuelle aussi reconnaissable que flexible, qui permet à Pendleton d’aborder les complexités de la question du « Blackness » – que l’on traduira de « Noirité » ou d »Anthologie Noire » – et de la race à partir d’un vaste ensemble de perspectives matérielles et théoriques. En examinant et en utilisant le langage comme un phénomène visuel, il révèle les textures de la politique et de l’histoire même s’il opère selon des modes que l’on peut qualifier d’abstraits.

La première période de Pendleton consistait en des peintures abstraites à caractère conceptuel, incorporant souvent du texte. Ces premières œuvres ont attiré l’attention de la galeriste Kazuko Miyamoto, qui a inclus une de ses peintures dans une exposition collective d’été à la galerie Onetwentyeight, dans le Lower East Side de Manhattan. Assistante de Sol LeWitt à l’époque, Miyamoto a reçu la visite de l’artiste, qui s’est intéressée à la peinture de Pendleton et a accepté d’échanger une de ses propres œuvres contre celle de Pendleton, faisant de LeWitt l’un des premiers collectionneurs de Pendleton.

En 2004, Pendleton a reçu sa première exposition individuelle, Being Here, à la Wallspace Gallery de New York, qui a coïncidé avec sa première grande exposition de groupe, When Contemporary Art Speaks, au musée d’art contemporain d’Indianapolis, dans l’Indiana. En 2005, Pendleton a eu sa première exposition personnelle à Yvon Lambert, New York, présentant des peintures sérigraphiques basées sur des textes qui s’appropriaient les écrits de Toni Morrison et Audre Lorde, entre autres poètes, en superposant l’utilisation critique du langage, l’art conceptuel et l’activisme.

Marquant un tournant dans son travail vers la déconstruction et la réimagination des formes existantes, Pendleton a créé l’œuvre temporelle The Revival (2007). Commandée pour la biennale Performa 2007, The Revival mettait en scène Pendleton récitant un sermon profane devant un grand chœur de gospel, s’engageant dans un appel et une réponse avec le public qui en témoignait. L’année suivante, Pendleton a été récompensé par sa première grande exposition individuelle au Musée d’art contemporain d’Indianapolis (2008), et a participé à Manifesta 7, à Rovereto, en Italie, où il a conçu son manifeste Black Dada (2008) et l’a présenté sous forme de performance. Pendleton propose Black Dada comme une façon de parler de l’avenir tout en abordant le passé. « Black » fonctionne comme un signifiant ouvert et Dada comme une référence au mouvement artistique d’avant-garde. Son exposition solo Becoming Imperceptible (2016), la plus importante de son œuvre à l’époque, a été organisée par le Contemporary Arts Center, à la Nouvelle-Orléans, et s’est rendue au Museum of Contemporary Art, à Denver, avant de se terminer au Museum of Contemporary Art Cleveland, dans l’Ohio.

La galerie David Kordansky co-représentera Adam Pendleton en collaboration avec la galerie Pace de Londres. L’artiste continuera également à s’exposer avec la Galerie Max Hetzler, la Galerie Eva Presenhuber et la Galeria Pedro Cera. En septembre 2020, Adam Pendleton présentera sa première exposition personnelle à la David Kordansky Gallery. Who Is Queen, un nouveau projet majeur dans l’atrium du Musée d’art moderne de New York, est à venir.

Parmi les autres expositions individuelles récentes, citons celles du Consortium, Dijon (2020), du Isabella Stewart Gardner Museum, Boston (2020), du MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts (2018) et du Baltimore Museum of Art (2017) ; KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2017) ; Baltic Center for Contemporary Art, Gateshead, Royaume-Uni (2017) ; Museum of Contemporary Art Cleveland (2017) ; Museum of Contemporary Art Denver (2016) ; et Contemporary Arts Center, Nouvelle-Orléans (2016). Les œuvres de Pendleton font partie des collections du Dallas Museum of Art ; du Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; du Museum of Contemporary Art, Chicago ; du Museum of Modern Art, New York ; du Studio Museum à Harlem, New York ; et de la Tate, Londres, entre autres institutions. Il vit et travaille à New York.

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