Des œuvres inspirées par un ensemble de références universelles

Née à Chicago, Simone Leigh, crée des objets qui occupent l’espace liminal entre la figuration et l’abstraction. Grande penseuse et virtuose créatrice d’objets, de vidéos, d’installations, de performances et d’œuvres centrées sur l’engagement social, elle explore les expériences des femmes noires à partir d’une multitude de perspectives culturelles, formelles et de points de vue historiques. Ces dernières années, Simone Leigh a acquis une notoriété pour ses sculptures en céramique et en bronze de grande taille, qui présentent des formes de corps tressées et des jupes. Rendues à une échelle souvent plus grande que nature, les sculptures autonomes sont souvent installées à côté d’installations architecturales. L’œuvre se définit par une combinaison de matériaux – tels que l’argile, le bronze et le raphia – traditionnellement associés à l’art africain, mais qui s’inspirent d’un ensemble de références mondiales.

Les nouvelles sculptures en céramique de l’exposition comprennent de grands récipients en forme de bulbe et de bouteille, ainsi qu’une figure en forme de cloche à la fois monumentale et intime. Ces œuvres peuvent être interprétées en association avec la poterie de cruche à visage fabriquée par les Afro-Américains du XIXe siècle réduits en esclavage dans le Sud. L’intérêt de Leigh ici découle de la croyance en la valeur sacrée de ces vases, qui, selon beaucoup, servaient de talisman pour la protection spirituelle et la sécurité des espaces domestiques.

Une réflexion sur le corps des femmes noires dans notre monde contemporain

L’œuvre de Simone Leigh témoigne des expériences et des histoires sociales de sujets souvent omis des récits coloniaux dans une sorte d’auto-ethnographie qui est tout aussi en phase avec les perspectives individuelles et les structures collectives. Bien que son projet en cours porte essentiellement sur les épistémologies des femmes noires, ses œuvres vont au-delà de la représentation et résultent d’une recherche approfondie sur ses matériaux et leur histoire. Ses projets prennent forme à travers un spectre hétérogène de registres, combinant souvent des modes symboliques ethnographiques.

Une autre des nouvelle sculpture combine un élément en céramique sous la forme d’une tête et d’un torse de femme avec une grande jupe en forme de dôme recouverte de feuilles de palmier de raphia. À la fois méditation sur l’architecture vernaculaire (la jupe peut être lue comme une hutte reconvertie) et essai de textures, de couleurs et de rythmes visuels variés, l’œuvre pose des questions sur le modernisme et la relation entre le corps féminin noir et les environnements physiques, sociaux et historiques dans lesquels il apparaît.

L’éventail total de ses références, ainsi que sa compréhension nuancée des divers contextes dans lesquels son travail apparaît, aboutit à des analyses critiques de sujets aussi complexes que la perception féministe de la beauté, le rôle du corps physique dans les communautés et la représentation de la race, en particulier en ce qui concerne la représentation des femmes noires. En retournant à certains matériaux et typologies au fil du temps et dans différents contextes, Leigh établit un paysage de formes ouvert qui enregistre de subtils changements de perspective et d’échelle.

Leigh intègre souvent des éléments architecturaux dans ses expositions, comme ici dans une installation de grande envergure qui occupe un des coins de la galerie et la majorité d’un de ses murs. Structure d’acier en cage également recouverte de feuilles de raphia, l’œuvre transforme une référence métaphorique aux traditionnelles huttes ovales en herbe de Rondavel en Afrique subsaharienne ou aux habitations de Mousgoum dans le nord du Cameroun et du Tchad en un objet qui se situe quelque part entre l’habitat fonctionnel et la sculpture minimaliste. Bien qu’il n’y ait pas de porte d’entrée, il évoque, bien que conceptuellement, la possibilité d’un rassemblement commun dans un espace qui normalement privilégie un visionnages individuel.

Simone Leigh

David kordansky gallery

Exposition d’art contemporain

Du 26 mai au 11 juillet 2020

5130 W Edgewood Pl, Los Angeles, CA 90019

États-Unis

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HAART a été fondée en 2018 par l’avocate britannique Maryam Lawal, qui s’est toujours passionnée pour les arts, avec une attention particulière pour les œuvres d’art issues du continent africain. Principalement inspirée par la scène artistique florissante de Lagos, au Nigeria, Lawal vise à donner aux artistes du continent et de la diaspora une plateforme pour leurs œuvres, leur offrant un soutien et une reconnaissance accrue. HAART permet aux collectionneurs d’acheter des œuvres d’artistes en début de carrière et travaille actuellement avec des artistes originaires du Nigeria, du Ghana et de la Côte d’Ivoire.

L’exposition inaugurale de HAART aura lieu du 21 au 26 mars 2019 à Londres. Parmi les artistes exposants, on compte : Àsìkò ; Aurélia Durand ; John Madu ; Kojo Marfo ; et Emmanuel Unaji. L’exposition sera une célébration de la fraîcheur et de nouvelles perspectives sur les talents artistiques provenant du continent et une résistance à la caractérisation stéréotypée des œuvres d’artistes du continent africain qui se limitent aux narratives qui se réfèrent à la souffrance et à la douleur.

Àsìkòest un artiste visuel qui exprime ses idées par le biais de la photographie et des techniques mixtes. Né à Londres, en Angleterre, il a passé ses années de formation à Lagos, au Nigeria, et son adolescence à Londres. Son travail est construit dans le récit qui allie fantaisie et réalité en réponse à ses expériences d’identité, de culture et de patrimoine.

Aurélia Durand est une graphiste franco-ivoirienne basée à Copenhague, au Danemark. Son enfance à La Réunion a marqué son intérêt pour la représentation du pouvoir et de la beauté du multi-culturalisme. Son bagage culturel varié a poussé Durand à produire des œuvres d’art qui célèbrent des histoires diversifiées et nuancées sur le plan culturel. Ses œuvres récentes se caractérisent par une culture « afro-pop », dans laquelle les hommes et les femmes affichent fièrement des cheveux et des tresses afro avec des imprimés africains colorés et des accessoires de mode très tendance.

John Madu est un artiste multidisciplinaire basé à Lagos, au Nigeria, dont la pratique inclut la peinture, le collage et le design. Beaucoup de peintures de Madu expérimentent avec des coups de pinceau féroces de couleurs contrastées, souvent non réalistes, pour ses personnages. Inspiré par la culture pop, l’art contemporain africain et le surréalisme, Madu peint souvent des sujets métaphoriques s’inspirant de la littérature, des mythes et de ses propres expériences de vie.

Kojo Marfo est un artiste ghanéen basé à Londres, inspiré d’une éducation entourée d’artefacts africains traditionnels. Ses œuvres vibrantes juxtaposent des visions de son enfance avec un récit actuel, dans le cadre de son désir constant de grandir et d’évoluer de façon authentique. Son travail a été exposé internationalement à Paris, Tokyo, Amsterdam, New York, Barcelone et Londres.

Emmanuel Unaji est un artiste de divers médiums d’origine nigériane, basé à Londres. Combinant la peinture, le dessin, le collage et le design de mode, le style d’Unaji est rebel et audacieux. Inspiré par l’industrie de la mode, Unaji utilise fréquemment des fragments de photographies de magazines auxquels il ajoute des éléments peints, dessinés ou sculptés. Brisant les frontières entre les beaux-arts et le design de mode, il combine des œuvres de techniques mixtes avec d’autres pratiques pour créer de l’art portable en plus des peintures et portraits traditionnels.

HAART – House of African Art 

L’exposition inaugurale 21 – 26 Mars 2019

Dates de lancement
Mardi 21 Mars – 10h-18h (avant-première). 18h-23h.
Vendredi 22 & Samedi 23 Mars – 10h-23h
Dimanche 24 & Lundi 25 Mars – 10h-20h
Mardi 26 Mars – 10h-14h

Adresse
Hoxton Arches
402 Cremer Street
Londres E2 8HD

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Akunyili Crosby est née au Nigeria en 1983 et s’est installée aux Etats-Unis à l’âge de seize ans, où elle vit et travaille depuis. S’appuyant sur des références artistiques, historiques, politiques et personnelles, Akunyili Crosby crée des compositions figuratives en couches denses qui évoquent la complexité de l’expérience contemporaine. Son identité culturelle combine des attaches fortes au pays de sa naissance et à son pays d’adoption, une identité hybride qui se reflète dans son travail. Akunyili Crosby a réalisé de nouvelles œuvres spécialement pour cette exposition, qui sont exposées ici pour la première fois.

Financé par le William Brake Charitable Trust, avec le soutien supplémentaire de Victoria Miro, Londres / Venise.

17 Novembre 2018 – 3 Février 2019
Salle 41 & 41a, Etage 0
Gratuit
National Portrait Gallery

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