Dans Retour de la Lune (Back of the Moon), l’artiste présente des œuvres de grande taille à panneaux multiples, prolongeant son exploration de la technique du collage à la fois sur et avec la toile. Après avoir étudié la peinture pendant deux ans aux Ateliers d’Amsterdam, l’artiste attribue sa gravitation vers une approche multimédia à une affection pour le dessin au trait et les matériaux ayant un lien avec le passé politique de l’Afrique du Sud, ainsi qu’au courant conceptuel sous-jacent fourni par la rupture, la superposition et la création de formes hybrides.

L’artiste écrit :

J’ai réfléchi à ce que signifie d’offrir ma pratique d’un point de vue social et esthétique. J’ai pris la décision consciente de continuer à réaliser les intérieurs en utilisant une palette monochrome, en partie parce que cette utilisation de la couleur rend les silhouettes difficiles à situer dans le temps – mes personnages apparaissent dans des scènes d’une existence alternative et personnelle.

Dans toute peinture figurative, la question la plus importante qui se pose est de savoir qui sont les personnages du tableau. Dans mes peintures de collage, les personnages refusent de se figer dans une simple matière dessinée ou peinte ; il y a là une présence vivante sur la toile qui ne peut être détournée du regard.

Les scènes de cette exposition se déroulent dans des chambres, des salons, des cuisines, des tabourets et des bureaux, avec des personnages représentés dans des confrontations et des étreintes ambiguës, entrecoupées de moments de solitude. Matloga utilise des arrangements contradictoires de posture et d’expression, offrant un kaléidoscope d’intérieurs et d’intériorités qui remettent en question les conceptions communes des relations sociales.

Bien que les scènes soient socialement reconnues, le fait de vivre avec ces œuvres dans mon studio m’a fait réaliser que je crée des situations que je ne connais pas, ce qui signifie que je ne suis pas capable de déchiffrer les expressions de ces âmes, bien que je sois très connecté avec elles.

Les questions qui se posent à propos des personnes dans les peintures font partie intégrante du concept. Au centre se trouve une allégorie qui parle de l’importance de continuer à vivre, de vivre et d’exister au milieu de toute la sociopolitique.

Dans un compte rendu de l’exposition personnelle de l’artiste au Musée Fries, Neo to Love, il a été observé que « l’œuvre de Matloga est à la fois politique, personnelle et universelle. Le fait de grandir dans une société profondément troublée et raciste laisse des traces. Celles-ci sont contrebalancées par la vie de famille, l’amour, l’amitié et la joie de vivre ». Ainsi, dans Retour de la Lune, l’artiste poursuit son exploration de la tendresse et des traumatismes, en déclarant :

J’ai décidé de nommer cette exposition  » Retour de la Lune  » non pas parce que j’illustre ce beau phénomène, mais plutôt parce que le processus de création de ces œuvres d’art s’est déroulé la nuit à la lumière de la lune, depuis mon studio de Limpopo.

Un soir, j’ai regardé le film The Suit, qui traite du moment où le bonheur domestique se transforme en violence domestique. Des histoires similaires se produisent dans mon entourage. Cela a renforcé ma conviction d’être contre la jalousie, le harcèlement et les conflits conjugaux, mais peut-être que la violence se traduit dans la technique du collage. Même s’il n’y a pas de formule toute faite en studio, en commençant par le collage, je déforme et je recrée simultanément l’intégrité du visage.

Pour moi, l’élément collage rend la cohérence de la toile encore plus difficile à saisir. Il serait illogique de ma part d’ignorer le fait que représenter la vie quotidienne des noirs est en quelque sorte un acte politique, mais je ne prendrai pas le titre d’activiste ou d’artiste politiquement explicite, en me basant sur ma simple observation que les gens ne cessent de se comporter comme des représentants de la morale.

Retour de la Lune – Back of the Moon est la première exposition personnelle de Neo Matloga avec Stevenson Johannesburg – Pour toute demande de renseignements et d’informations sur les œuvres de cette exposition, veuillez contacter info@stevenson.info

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“Le Mousganistan est un endroit dont je fantasme depuis que je suis enfant. Je ne lui ai jamais donné de nom à l’époque, mais c’était un endroit où je sentais que je pouvais être à 100% moi-même. ” 

Né au Maroc et ayant grandi en Belgique, photographe et artiste autodidacte, Lamrabat raconte l’histoire d’identités multiples, de nombreuses boîtes, et de la subversion et de l’éclatement de ces boîtes. Aujourd’hui, la vision de Lamrabat, son lieu d’appartenance, existe – comme la Belgique et le Maroc – dans le monde physique sous forme de séries photographiques. C’est l’élaboration d’une archive d’images qui représente la vision spécifique de Lamrabat, mettant en lumière le monde qu’il voit, le monde dans lequel il vit. Et c’est ici, sous forme d’images se situant de manière fictive au Mousganistan, que l’on trouve sa dernière série d’œuvres, Sir Mix A Lot.

Avec des images se référant de manière accessible et axiomatique à l’histoire de l’art, Sir Mix A Lot voit l’imbrication délibérée d’une esthétique historiquement eurocentrique et globalement contemporaine comme un moyen ludique de rompre avec les traditions du monde (artistique) établi et normatif. Fidèles à la vision de Lamrabat, les œuvres présentées dans cette exposition mettent en évidence la collision de multiples sphères – ce qui nous donne un ensemble de photographies qui n’est possible que grâce à l’improbable – et pourtant clairement recherché – mélange d’iconographie ambivalente. Immergez-vous dans les sujets de Lamrabat et leur histoire, et vous constaterez rapidement qu’il s’agit d’un ensemble d’œuvres qui mérite d’être collectionné.

Dans le premier chapitre de son livre phare, Ways of Seeing, John Berger écrit brièvement sur l’histoire et le développement des images – en soulignant le rôle important du faiseur d’images dans le visible : « …Plus tard encore, la vision spécifique du faiseur d’images a également été reconnue comme faisant partie intégrante de l’histoire. Une image est devenue un enregistrement de la façon dont X avait vu Y. C’était le résultat d’une prise de conscience croissante de l’individualité, accompagnant une plus grande conscience de l’histoire.

Berger poursuit : Aucun autre type de relique ou de texte du passé ne peut offrir un témoignage aussi direct sur le monde qui a entouré d’autres personnes à d’autres moments. À cet égard, les images sont plus précises et plus riches que la littérature. Dire cela n’est pas nier la qualité expressive ou imaginative de l’art, en le traitant comme une simple preuve documentaire ; plus l’œuvre est imaginative, plus elle nous permet de partager profondément l’expérience du visible de l’artiste. » Et c’est exactement dans cette optique que les œuvres de la série Sir Mix A Lot prennent vie.

Ici, dans l’œuvre intitulée Brozart, par exemple, nous voyons un sujet habillé à la mode sportive Adidas – prétendument la référence du monde contemporain en matière de standing ; en contraste frappant, il porte une perruque de juge teinte en jaune – un ancien symbole de l’aristocratie reflétant son statut social élevé. Bien que les symboles présentés ici puissent avoir la même signification – une affirmation de classe et de statut – ils sont issus d’époques, de lieux et de sociétés très différentes, et Lamrabat les revisite pour les adapter à son récit : au Mousganistan, nous sommes tous de cette classe.

Brozart est également assis sur un socle drapé d’un tissu violet foncé ; il porte un bouquet de fleurs dans un bras tandis que l’autre repose légèrement sur son genou. La pose est symbolique du portrait traditionnel ; tout au long de l’histoire de l’art, nous avons vu des individus puissants et majestueux représentés de cette manière – et c’est peut-être là aussi que l’œuvre de Lamrabat trouve sa valeur. Le ciel sans limite derrière le sujet de Lamrabat – qui figure dans chaque portrait de Sir Mix A Lot – est une référence directe au ciel nuageux dans Le Fils de l’homme (1964) de l’artiste belge René Magritte ; pourtant, ici, il n’y a pas de ligne d’horizon, les sujets ne seront pas cloués au sol

L’oeuvre Ceci n’est pas un Magritte de Lamrabat est une référence et peut-être un hommage à Magritte. Le sujet de Lamrabat est debout face à la caméra, son visage déformé par une pomme qui a été scotchée par-dessus – ce qui n’est pas sans rappeler la récente création de Maurizio Cattelan, Comedian (une banane fraîche scotchée au mur d’un stand de galerie à Art Basel Miami en 2019 – you’ll know it when you see it).

Presque identique à l’œuvre originale, Ceci n’est un Magritte ne se distingue du Fils de l’Homme que par la présence d’un tatouage discret sur le cou du personnage, et par la bande argentée de ruban adhésif qui maintient la pomme en place. Et, ce coup-ci, le sujet est noir.

« Les musées n’ont jamais été des endroits où je suis allé – je ne connaissais tout simplement pas ce monde. J’ai donc voulu recréer cette forme d’art de manière à ce que les gens, comme moi, soient plus attirés par les œuvres d’art qui sont accrochées dans les galeries et les musées. Je me suis juste demandé pourquoi je n’aimais pas ces vieilles peintures qui coûtent une fortune. Pourquoi ne me parlent-elles pas ? Qu’est-ce qui me parlerait ? C’est ainsi que Sir Mix A Lot a pris vie ».

Comme une série anti-art en hommage à ceux qui ont historiquement vécu en marge, Sir Mix A Lot imite avec charme les images que nous avons si souvent vues dans le monde de l’art et les transforme en images que Lamrabat – ainsi que toute une génération de jeunes immigrés – désire voir.

Dans Ways of Seeing, Berger écrit également que « la majorité considère comme axiomatique le fait que les musées soient remplis de saintes reliques qui renvoient à un mystère qui les exclut : le mystère de la richesse inexplicable. Ou, pour le dire autrement, ils pensent que les chefs-d’œuvre originaux appartiennent à la réserve (matérielle et spirituelle) des riches ». Mais Lamrabat n’est pas de cette majorité ; ses œuvres appartiennent à la réserve des riches du Mousganistan :

“J’aime rassembler les gens autour d’un même statut. Personne n’est trop riche pour mon art, personne n’est trop pauvre !”

Dans son œuvre Fresh from the garden of Compton, Lamrabat a habillé ses sujets apparemment masculins dans une collection très originale de Dolce & Gabbana – un chapeau violet à plumes, une mitre marine décorée de dentelle crème – tandis que chaque figure tient un grand bouquet de fleurs assorties. Ici, à travers la variété infinie que Lamrabat nous a présentée en faisant abstraction du masculin et du féminin, nous sommes confrontés à une image qui rend impossible l’émergence d’un sens et d’une vision uniques.

Historiquement, en art, la représentation de la flore et du feuillage peut faire référence à toutes sortes de choses, du symbolisme religieux à la reproduction, en passant par la décomposition – pourtant, pour Lamrabat, ils sont là simplement en raison de la belle esthétique qu’ils apportent à une image.

“Je suis moi-même un grand fan de fleurs, car elles vous donnent toujours une belle esthétique. Alors parfois je les ai incluses en référence à des peintures, et parfois je les ai juste beaucoup aimées.”

Natural Homies montre également deux personnages ornés de bouquets de fleurs. Vêtues d’une armure de cotte de mailles rappelant les armures médiévales, les fleurs forment une sorte de bouclier protecteur, un masque floral, sur les visages des sujets de Lamrabat alors que leurs poitrines et leurs bras restent nus. Ils portent des pantalons de survêtement remontant jusqu’à la taille. Pour Lamrabat, il n’y a pas de raison particulière à l’iconographie de cette image, hormis l’esthétisme.

“Je me souviens avoir pensé à faire un masque de fleur. Je n’ai jamais essayé pour voir à quoi il ressemblerait, mais sur le plateau, nous l’avons juste expérimenté. J’en étais tellement amoureux que je ne voulais pas d’autre vêtement dans le tableau. C’était si pur au point de devenir quelque chose de poétique. Je suis sûr que je peux trouver une explication plus sophistiquée, mais si vous voulez la vérité, c’était le coup de foudre. J’ai eu tellement d’émotion… Et l’émotion est quelque chose que je recherche toujours dans mon travail.”

Les images de Lamrabat sont d’une transparence et d’une ouverture contagieuses, ce qui leur confère un caractère ludique et original, ainsi qu’une valeur d’archives photographiques.

Au fil de Sir Mix A Lot, dans sa présentation de sphères multiples et infiniment variées, d’iconographie ambivalente et de référence axiomatique à l’histoire de l’art, nous voyons comment les images continuent à évoquer les apparences de quelque chose qui était absent, et comment la vision spécifique du faiseur d’images reste un témoignage important sur le monde (réel et imaginé) – « Belgique – Maroc – Mousganistan » – qui nous entoure. L’œuvre de Lamrabat nous le rappelle : Plus l’œuvre est imaginative, plus elle nous permet de partager l’expérience du visible de l’artiste.

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L’œuvre par sa capacité de dire le monde et déclencher l’imaginaire sans avoir à passer par la parole émeut plus qu’un simple récit.

Arthur Francietta présente « Post•era » une série, poétique de signes/symboles, issue d’une divination poétique emprunte d’incidences Caribéennes. Fortement ancré dans l’univers caribéen, l’artiste a entamé depuis quelques années une recherche sur les écritures vernaculaires de cette partie du monde. Suite à sa résidence à l’Atelier National de Recherche Typographique (ANRT, Nancy) en 2018, Arthur Francietta s’interroge sur le phénomène graphique qui précède l’invention d’une écriture. Très rapidement confronté à l’omniprésence du système alphabétique latin, il a orienté ses recherches sur les systèmes graphiques : Anaforuana à Cuba, Vévé à Haïti, ou encore les pétroglyphes amérindiens encore visibles à ce jour.

C’est à travers ces écritures qu’il constate la résurgence de graphies (représentation visuelle d’un signe, d’une lettre ou d’un mot), mythes et rites issus de plusieurs civilisations d’Afrique de l’Ouest et d’Amérique centrale. Si les sociétés caribéennes ont éprouvé le besoin d’élaborer des systèmes graphiques, c’est avant tout pour donner forme à l’expression de leurs croyances. Le système de croyances a forgé la société caribéenne tout au long de son existence pour l’alléger du poids de sa condition de semi-inféodée et bien plus encore.

Les déplacements, voyages, côtoiements et interactions culturels de l’artiste, ont conduit à l’apparition de nouvelles croyances, à l’invention de nouvelles formes graphiques, à l’adoption d’une culture contemporaine com-plexe : celle du Tout-Monde.

A travers l’esthétique du signe et de sa forme visuelle, Arthur Francietta génère une écriture picturale personnelle au croisement du langage et du médium. Le processus de création est basé sur l’écriture dite asémique (dénuée de contenu sémantique, designification). Une forme de langage visuel hybride qui fusionne l’écriture et l’image, tout en se détachant de toute justificationlinguistique. L’approche asémique peut être considérée comme une imitation-créatrice à partir des graphies/écritures qui ont existé dans la Caraïbe.

L’artiste commence souvent par écrire de manière frénétique afin de réveiller des images mentales enfouies et développer unductus qui lui est propre. Puis il passe par la phase picturale. La matière est appliquée au pinceau puis à la main à même le support papier. Cette dernière phase est primordiale, c’est à ce moment qu’émerge l’image mentale : par extraction de matière.

Tout comme la série Phantasme réalisée en 2019, à travers Post•era l’artiste offre au spectateur l’opportunité de traduire et explorer l’œuvre. Dans ce sens, le lecteur devient co-créateur de l’image. La clé pour décrypter la série Post•era est que même si elle ne peut être lue, elle maintient encore un appel fort attrayant pour le regard et l’imaginaire collectif.
Arthur Francietta nous donne à voir une série de signes/symboles complexes et énigmatiques. Une divination graphique et poétique, qui selon l’artiste résume Post•era.

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