Les installations immersives, expériences artistiques multi-sensorielles et interactives font toutes partie intégrante des scènes artistiques contemporaines africaines. Dans un monde de l’art globalisé et hyper-connecté, une nouvelle génération d’artistes utilise la technologie pour créer et diffuser leurs œuvres. Malgré le nombre croissant de vidéos, de films, d’installations multimédias et d’œuvres d’art numérique réalisées par des artistes d’Afrique et de sa diaspora, peu d’études ont porté sur les scènes des nouveaux médias en Afrique et ailleurs.

L’histoire de l’art en Afrique n’est pas souvent mise en avant ou, tout aussi néfaste, enseignée dans le contexte d’une perspective occidentale. Une approche polycentrique et approfondie de l’histoire des scènes artistiques contemporaines africaines permettrait de découvrir les développements qui ont conduit à une scène artistique africaine dynamique qui utilise la technologie, dans toute sa richesse. Les artistes africains sont à la pointe de l’innovation esthétique et de l’exploration conceptuelle, créant des œuvres d’art qui examinent les réalités socio-économiques et politiques, les traditions et la diversité des expériences sur le continent et dans sa diaspora.

Cette nouvelle série s’accompagne d’une mise en garde : il est clair que la scène artistique en Afrique est incroyablement variée ; chaque pays a sa propre pratique ; chaque artiste a sa propre histoire. L’Afrique n’est pas un monolithe, Artskop3437 est spécifiquement fondé sur la mise en valeur de la diversité des expériences artistiques du continent. Cet essai ne prétends pas être exhaustif sur la question des nouveaux médias et des technologie dans l’art en Afrique mais a la vocation de faire prendre conscience sur leur présence au sein des pratiques artistiques des artistes du continent.

Le renforcement de la visibilité du talent africain sur la scène artistique contemporaine peut prendre plusieurs formes, dont cette série en cours. Nous souhaitons ajouter à l’espace public de conversation numérique des articles complets, ainsi que des immersions et entretiens avec des artistes du continent et de la diaspora.

Cette série offre l’occasion d’examiner les facteurs culturels, socio-économiques, politiques et technologiques qui ont donné lieu au développement de nouveau support artistique en Afrique dans le contexte d’une histoire de l’art mondiale, en mettant l’accent sur les questions de performance, de politique identitaire et d’échanges transnationaux. Bien qu’il y ait des héritages de styles artistiques traditionnels comme le constructivisme et les abstractions géométriques, des enquêtes visuelles sur l’immigration, la mondialisation et le post-colonialisme dans le champ d’application; une partie de la pratique du continent est de jouer avec les matériaux, y compris l’art numérique.

Art et Technologie

L’art numérique est une pratique artistique qui utilise la technologie numérique dans le cadre du processus de création ou de présentation et constitue un élément fondamental de l’art contemporain de pointe d’aujourd’hui, rendu possible par l’évolution rapide des technologies. Il fait à la fois partie de la production et de la distribution numériques de l’art et s’inscrit dans le cadre plus large des arts des nouveaux médias. L’art des nouveaux médias est une œuvre d’art créée avec les nouvelles technologies médiatiques, ce qui inclut l’art numérique, l’animation par ordinateur, l’art virtuel, l’art sur Internet, l’art interactif, l’infographie, la robotique, l’impression en 3D, l’art cyborg et l’art en tant que biotechnologie.

En Afrique, les artistes ne se limitent pas à exploiter les prolifiques connaissances artisanales du continent, mais créent également des œuvres de manière résolument novatrice. L’artiste multidisciplinaire vidéaste, sculpteur kenyan Cyrus Kabiru défie les idées de la modernisation contemporaine avec des œuvres qui traitent de la transformation de la modernisation et de l’idée de l’avenir. Il est surtout connu pour ses lunettes sculpturales ou « C-Stunners ». Les lunettes « Afrodazzled » quant à elles ont été fabriquées à partir de matériaux recyclés et trouvés à Nairobi. Son art mixte défie les genres et reflète non seulement ses racines kenyanes, mais aussi sa vision internationale.

L’étude des nouveaux outils médiatiques est également un élément central du langage visuel de l’artiste portugais-angolais Pedro Pires. Sa pratique se concentre sur l’exploration des questions relatives aux stéréotypes et à l’identité. Il crée des sculptures et des œuvres en papier qui intègrent une large gamme de supports, allant des conteneurs en plastique et des balais de rafia aux broyeurs industriels en métal. La pratique de Pires vise à explorer les questions relatives aux stéréotypes et à l’identité ainsi que les questions de production de masse ou d’exploitation.

Le médium de la sculpture, qui comprend la lumière, le son et la projection, est un moyen inventif et polyvalent d’exposer et de partager des contenus. L’utilisation de la technologie pour révéler le local, tout en existant dans le global, donne aux artistes un énorme champ de production. Le travail de l’artiste multimédia algérien Atef Berredjem fait appel à la technologie pour examiner la société contemporaine, en particulier les manifestations subtiles du pouvoir dans la vie quotidienne. Dans l’une de ses œuvres, Continuum (2014), une installation vidéo sur double écran montre un coin de rue à Alger, accompagné d’une citation de Larbi Ben M’hidi (leader révolutionnaire pendant la guerre d’indépendance de l’Algérie) écrite à la main sur le mur : « Jetez la révolution dans la rue et elle naîtra dans les hauteurs du peuple », faisant référence à la récente vague de révolution dans ce pays d’Afrique du Nord et au maintien du statu quo.

Les œuvres d’art numérique servent de pont entre le monde contemporain et le passé, en examinant les histoires et les traditions anciennes sous un nouvel angle. L’artiste sud-africaine Nandipha Mntambo utilise des outils numériques pour explorer des idées sur les rôles traditionnels des sexes, les body politics (il s’agit des pratiques et des politiques par lesquelles les pouvoirs de la société régulent le corps humain) et l’identité. Le travail de la photographe et artiste numérique sud-africaine Puleng Mongale examine une variété de thèmes, dont les relations de travail et l’héritage du travail domestique en Afrique du Sud. Dans sa série conceptuelle et stylisée, When the Madame is Away, the Help will Slay Mongale interroge les conditions de la négritude dans l’écologie historique et socio-politique de la société sud-africaine.

Utiliser la technologie pour revendiquer/recréer des récits

Mounir Fatmi, un artiste marocain travaillant à Paris, dont la pratique multimédia englobe la vidéo, l’installation et la sculpture, a mené des recherches artistiques sur l’histoire de la technologie et son influence sur la culture populaire. Travaillant « à travers le prisme de la trinité comprenant l’architecture, le langage et la machine« , le travail de Fatmi se concentre sur la transformation des objets et de leur contexte en immergeant le regard dans des expériences spatiales distinctes.

L’artiste vidéo et cinéaste néerlando-éthiopien Theo Eshetu a également réalisé un grand nombre d’œuvres qui examinent des récits complexes et l’exploration de l’identité culturelle. À travers les médias électroniques basés sur le temps et les dispositifs optiques comme outil, le travail d’Eshetu cherche à remettre en question le statut hégémonique de la télévision dans un contexte multiculturel. Des éléments de répétition fractale, de miroir kaléidoscopique, de projections multi-écrans et de motifs en mosaïque sont tous des éléments que l’on retrouve dans ses œuvres.

La technologie et les nouveaux médias jouent un rôle essentiels non seulement dans la présentation et le partage des nouveaux arts des populations africaines et de la diaspora, mais aussi dans leur production. Les artistes utilisant les nouveaux médias sur le continent font preuve d’un état d’esprit contemporain avec des racines africaines bien ancrées grâce à des œuvres d’art qui fouillent la mémoire collective du continent et l’identité des Africains et de leur diaspora.

L’artiste sud-africain Mohau Modisakeng, a également une pratique qui se concentre sur le processus d’investigation. Son œuvre reflète son expérience personnelle de son enfance dans l’Afrique du Sud de l’apartheid et de l’après-apartheid. Les nouveaux médias font partie de l’ouverture du dialogue dans son œuvre Passage de 2017. La projection en trois canaux de l’œuvre d’art invite le public à se concentrer sur les thèmes centraux de la violence, du rituel et du démembrement de l’identité africaine par l’esclavage. L’interrogation des concepts de connaissance, de pouvoir et de violence est, à juste titre, un sujet récurrent.

« Quelles sont les histoires racontées ? Comment sont-elles racontées ? Et qui les raconte ? » sont des questions récurrentes dans l’œuvre de Grada Kilomba. Kilomba est une artiste, psychologue et écrivaine portugaise interdisciplinaire qui a ses racines à São Tomé e Príncipe et en Angola. Son travail s’intéresse à la mémoire, au genre, au racisme et au post-colonialisme. Elle utilise un large éventail d’art numérique, d’art sonore et d’autres formes de formats expérimentaux dans le cadre de son processus de création – performances, lectures et installations vidéo – pour réviser les récits post-coloniaux. Dans son projet audiovisuel, l’installation Secrets to Tell offre une nouvelle perception de la tradition orale africaine et raconte des histoires de récits auparavant réduits au silence. Les outils technologiques ont joué un rôle important dans la récupération et l’introduction de nouveaux récits.

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Comment disparaître – How to disappear, est la nouvelle exposition à la galerie Goodman (Johannesburg, Afrique du Sud), rassemble 11 artistes autour de la question de télésurveillance plus que jamais omniprésente dans nos sociétés contemporaines.

L’exposition examine les modes et les technologies de surveillance omniprésents dans l’élaboration de la société contemporaine. Cela inclut les pratiques subtiles et ouvertes de profilage racial dans les espaces publics, la violence lointaine de la surveillance aérienne, et l’accumulation silencieuse et l’instrumentalisation de données algorithmiques et numériques. En travaillant avec des technologies d’imagerie analogique et numérique, des images et des photographies trouvées, et des médias plus traditionnels, les artistes participants réfléchissent à la manière dont ces méthodes de surveillance nous rendent visibles et visualisés.La question du « comment disparaître » devient évidente. Et dans certains cas, ils tentent de retrouver un sentiment d’autonomie en révélant comment ces technologies pourraient être tournées vers des formes de résistance.

Les formes pernicieuses de surveillance ont une résonance particulière dans le monde contemporain. Dans le monde entier, nous en sommes témoins sous la forme du « capitalisme de surveillance » – un terme inventé par l’auteur Shoshana Zuboff pour désigner l’utilisation de l’expérience humaine comme matière première libre pour la traduction en données comportementales. Au début de l’année, la Cour constitutionnelle a statué que la loi sur la réglementation de l’interception des communications et la fourniture d’informations liées aux communications (Rica) n’avait pas permis de protéger les droits de l’Afrique du Sud à la vie privée.

Un bijou – talisman protecteur face à télésurveillance

Comment disparaître. C’est ce que propose l’oeuvre spéculative Incognito (2018) d’Ewa Nowak. L’objet vise à protéger l’individu contre les algorithmes de reconnaissance faciale utilisés dans les caméras de surveillance installées dans les espaces publics et en ligne. Ces caméras sont capables de reconnaître notre âge, notre humeur ou notre sexe et de nous faire correspondre précisément à une base de données. Incognito perturbe les éléments caractéristiques du visage humain, ce qui rend difficile le fonctionnement de cette technologie. « L’objet est spéculatif », dit Nowak, « on peut supposer qu’à l’avenir, il pourrait s’agir d’une sorte de bijou couramment porté ».

Utiliser les nouvelles technologies pour révéler les censures

Comment disparaître. Le film du duo d’artistes Broomberg et Chanarin, Anniversary of a Revolution (Parsed) (2019), réinscrit le premier film de Dziga Vertov (1896-1954) utilisant la technologie numérique en collaboration avec le studio de technologie créative basé à Londres, The Workers. Le film utilise une puissante technologie de vision artificielle pour reproduire les mouvements physiques du film original sur un rendu numérique en utilisant la technologie de surveillance du 21e siècle. Les archives Belfast exposées ont été fondées en 1983 en réponse aux préoccupations concernant le contrôle minutieux des images représentant l’activité militaire britannique pendant les Troubles, un conflit ethno-nationaliste qui a eu lieu en Irlande du Nord à la fin du 20e siècle. En s’appuyant sur ces archives, Broomberg et Chanarin mettent en évidence les marques et les sections censurées des planches de contact photographiques. À leur tour, les artistes révèlent la présence des archivistes et du public qui se sont succédés pour commander, cataloguer et dégrader ces photographies au fil des ans.

Repressions policières, lutte anti-insurrectionnelle, résistance et retour aux traditions

Comment disparaître. Les peintures de Mary Wafer, basées sur des recherches, représentent la place John Voster, un bâtiment moderniste impliqué dans de nombreux cas d’abus de l’époque de l’apartheid. Dans les représentations de Wafer du bâtiment, rebaptisé poste de police central de Johannesburg, sa façade à persiennes semble détériorée, reflétant la culture actuelle de violence et d’intimidation systémique et institutionnalisée au sein de la police sud-africaine.

Comment disparaître. La série photographique peu connue de David Goldblatt intitulée While in Traffic, Johannesburg (1967) présente des images candides de personnes dans leurs voitures. Ces images ont été prises l’année même où la police sud-africaine a commencé sa formation à la lutte anti-insurrectionnelle. Adoptant un point de vue voyeuriste, Goldblatt capture ses sujets en pleine conversation, regardant au loin et jetant un coup d’oeil aux autres passagers.La série photographique peu connue de David Goldblatt intitulée While in Traffic, Johannesburg (1967) présente des images candides de personnes dans leurs voitures. Ces images ont été prises l’année même où la police sud-africaine a commencé sa formation à la lutte anti-insurrectionnelle. Adoptant un point de vue voyeuriste, Goldblatt capture ses sujets en pleine conversation, regardant au loin et jetant un coup d’oeil aux autres passagers.

Comment disparaître. Le film de Ja’Tovia Gary, An Ecstatic Experience (2015), examine l’héritage de la résistance en se réappropriant des événements historiques emblématiques dans le but de réimaginer la figure noire dans l’image en mouvement. Le film utilise du matériel d’archives récupéré, des montages et des techniques d’animation analogiques. Le résultat est un travail qui explore la transcendance comme moyen de restauration et comme forme de résistance.

Comment disparaître. Dans sa technique de peinture unique et économique, Hyun-Sook Song utilise la tempera semi-transparente sur toile. L’effet est celui de coups de pinceau presque transparents, chacun représentant un seul mouvement. Les « poteaux de bois » représentés dans l’œuvre de Song font référence à une forme d’abri de base, tandis que les tissus qu’elle peint suggèrent souvent l’ancienne tradition du tissage de la ramie. En opposition aux technologies modernes, la possibilité d’une disparaitre des radars se trouverait-elle dans nos modes de vies traditionnels.

Mounir Fatmi: Visions et perceptions

Comment disparaître. Peripheral Vision (2017) comprend quatre portraits photographiques de mounir fatmi dans lesquels le visage de l’artiste est partiellement masqué derrière un grand rapporteur de géométrie tenu à hauteur des yeux. L’œuvre aborde la question de la vision comme un ensemble de processus cognitifs et d’opérations mentales qui contribuent à la perception de notre environnement. Dans cette œuvre, fatmi signale la façon dont nous percevons ce qui nous entoure et encourage une nouvelle prise de conscience de ce qui nous relie au monde et de la compréhension de ses limites. L’écran noir de fatmi (2005) se présente comme un tableau grand format constitué de cassettes VHS. Les bandes analogiques apparaissent côte à côte, reflétant la nature obsolète de la technologie, qui contient ce que nous avons vu, ou pensons avoir vu, ce à quoi nous avons été exposés et ce qui reste caché.

Jeremy Wafer: négation par le champ de vision

Comment disparaître. Les œuvres photographiques circulaires de Jeremy Wafer, Nhlube (2004/2020) et Spitzkop (2004/2020), opposent deux lieux, l’un profondément familier à l’artiste et l’autre, une vue non descriptive du monde. Wafer s’est procuré ces images auprès du bureau d’enquête sud-africain, et a scanné et isolé des sections à l’aide d’un modèle circulaire. Cela fait partie de l’exploration continue de Wafer de la cartographie et de la photographie de levés aériens comme moyen de mettre en lumière les implications sociopolitiques et psychologiques de la division des terres en Afrique du Sud. Commentant sa pratique, M. Wafer déclare « La vue aérienne nie l’ouverture ou l’invitation à l’entrée qui est caractéristique d’une vue, du balayage ou du regard vers l’extérieur et à travers l’espace : elle nie l’horizon, toute hiérarchie du premier plan à l’arrière-plan, la direction ou l’orientation, là et ici. L’effet de ce regard vers le bas est quelque peu oppressant et claustrophobe ».

Khalil Joseph: auto-diffusion et médiatisation communautaire

Comment disparaître. BLKNWS (2019) de Khalil Joseph redéfinit le genre de la diffusion des informations. BLKNWS consiste en un bulletin d’information continuellement mis à jour sur la vie des Noirs en Amérique sous la forme d’une vidéo à deux canaux qui mélange des images trouvées historiques et contemporaines avec des scènes nouvellement tournées en salle de presse et des reportages documentaires. Chaque émission est diffusée sur deux écrans adjacents qui diffusent simultanément des images destinées à s’infléchir et à s’informer mutuellement dans un dialogue continu. Grâce à l’utilisation de la juxtaposition et du montage par Joseph, BLKNWS commente le parti pris inhérent au complexe industriel de l’information en créant une voix éditoriale qui aborde le reportage à travers une lentille nettement noire.

Existence et non existence

Comment disparaître. Les œuvres de Nolan Oswald Dennis, Aporia (2016), sont des monolithes de lumière enveloppés dans des couvertures utilitaires grises. L’œuvre s’inspire de l’état intérimaire vécu lors des cycles de contestation politique. Dennis cite l’exemple de la protestation fécale de Chumani Maxwele contre la statue de Cecil Rhodes au Cap, qui a conduit à son retrait par l’Université. « La statue a d’abord été enveloppée dans du plastique puis mise en boîte dans du contreplaqué pendant que l’université tentait de répondre à la demande décoloniale des étudiants », déclare Dennis. « Ce moment de demi-déplacement, ou de tentative de dissimulation, crée une suspension dans le processus politique, une tentative d’enlever et de ne pas enlever l’objet offensant.

De la même manière, ces œuvres tentent de partager et de dissimuler la lumière, qui est leur fonction opérationnelle, en les couvrant de couvertures utilitaires – un matériau associé à la protection et à la mobilité des corps humains et des objets. Les Aporia sont des monolithes qui ont un double objectif insoluble en ce sens qu’ils sont à la fois physiquement imposants et fonctionnellement doux. Ce cycle sculptural tend vers un non-objet (sud-africain), un langage de report et d’ajournement ».

Comment disparaître – How to disappear

Jusqu’au 31 Mai 2020 – En ligne

Galerie Goodman

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