La genèse de cet énigmatique titre d’exposition

Le titre de cette exposition du Quai Branly provient d’un texte écrit en 1801 par l’écrivain allemand Ludwig Hülsen. Alors qu’il observe un paysage, il décrit sa vision et comment son œil a pu reconstruire une cohésion dans un paysage étranger qui était auparavant perçu par fragments. Selon Chrisitine Barthe, la commissaire le titre invite donc le visiteur à s’approprier/se réapproprier des images tout en questionnant notre capacité à interpréter les informations visuelles ainsi que notre rapport à la notion de temporalité.

L’exposition, divisée en cinq parties avec un préambule s’ouvre sur l’œuvre spectaculaire du Camerounais Samuel Fosso, SIXSIXSIX, composée de 666 autoportraits Polaroid, jamais montrés auparavant dans leur intégralité. Une manière de plonger instantanément le visiteur dans un univers inconnu dans lequel on se perd. Avec ces images assez brutes, sans retouche ou maquillage, le visiteur est directement confronté à la question : Qui regarde qui ?

Une autre œuvre de Samuel Fosso intitulée African Spirits se trouve également un peu plus loin dans la troisième partie de l’exposition, dans laquelle il incarne plusieurs figures clés des indépendances africaines et du mouvement afro-américain des droits civils. On y trouve entre autres Aimé Césaire, Malcolm X et Seydou Keita.

Première partie de l’exposition: L’image est-elle un regard fixe ?

La première partie consiste en six séries de photographies qui abordent la pratique comme une collection de fragments visuels de la réalité. Elle rend compte du fait que les informations visuelles peuvent être interprétées de multiples façon différentes selon comment l’opération photographique de cadrage a été abordée. La photographie peut être une vitrine des agitations urbaines comme le montre le travail du Sud-Africain Guy Tillim à Harrara, Luanda ou Nairobi, ou une enquête méticuleuse, une manière de recueillir des indices comme le révèle la photographie Jo Ractliffe. Elle peut également être un moyen de restituer une atmosphère particulière avec des couleurs, des odeurs et des émotions frôlant la fiction, comme on peut le voir dans l’œuvre du mexicain José Luis Cuevas.

Seconde partie de l’exposition : Se reconnaître dans une image

Cette section est entre autres basée sur l’ouvrage fondateur de Santu Mofokeng, The black photo / Look at me, un diaporama qui reproduit des photographies historiques de la bourgeoisie noire sud-africaine du début du XXe siècle. L’artiste sud-africain aborde la question de l’image comme moyen d’identification, comme modèle, comme référence. Ces clichés montrent des portraits de la bourgeoisie noire sud-africaine au début du XXe siècle qui avaient disparu de nos mémoires. L’artiste s’interroge sur les conditions et la signification de ces visibilités à l’époque où elles ont été réalisées et aujourd’hui.

Troisième partie de l’exposition : Les images se pensent entre elles

Cette partie, qui constitue le grand espace central de l’exposition, fait place à des formes de narration visuelle. Elle traite des méthodes de travail, de la manière dont nous associons les images pour créer une histoire, et de la façon dont la photographie provoque la parole. Elle comprend des œuvres de Katia Kameli (France), plusieurs installations de grande envergure telles que Horizon de Brook Andrew (Australie) ou Crossing the farther shore de Dinh Q. Lê (Vietnam) . À propos de cette dernière, il s’agit d’une construction composée de plusieurs photos suspendues formant une sorte de refuge. Ayant perdu toutes ses photos de famille lors de son exode, l’artiste tente de préserver une trace de l’histoire sud-vietnamiennes après qu’une grande partie de la population ait dû fuir à cause de l’invasion des Khmers rouges en 1978. Il cherche ainsi à combler les vides historiques à partir de différentes photographies acquises lors de ses voyages au Vietnam.

Quatrième partie de l’exposition : Histoires de paysages

Une quatrième section invite plusieurs artistes qui pratiquent des enquêtes approfondies. Les œuvres offrent des possibilités d’histoires alternatives liées à des événements spécifiques mais encore mal connus de notre histoire, où l’image agira comme un révélateur d’une situation ou d’un questionnement. On y retrouve des artistes tels que Sammy Baloji (République démocratique du Congo), Mario García Torrès (Mexique), Heba Y. Amin (Égypte), ou encore les recompositions imaginaires de Gosette Lubondo (République démocratique du Congo). Chacun explore à sa manière la question territoriale et la notion d’appropriation qui lui est associée.

Passages dans le temps, dernière partie de l’exposition

Cette partie évoque diverses temporalités décalées. Elle montre comment des représentations éloignées dans le temps peuvent soudainement prendre une nouvelle pertinence, être remises en question, réactivées ou inversées. On retrouve par exemple, des artistes comme Yoshua Okón, qui propose une relecture ironique de la performance de Joseph Beuys I like America and America likes me ou encore Alexander Apóstol qui, en visitant une maison des années 50 à Caracas, s’interroge sur le passage à la modernité au Venezuela. L’artiste colombien José Alejandro Restrepo illustre également ce phénomène en se rendant dans les montagnes d’Amérique latine afin de reproduire le voyage de l’explorateur Alexander von Humboldt.

« À toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les choses »

Musée du quai Branly – Jacques Chirac

Du 30 juin – 1er novembre 2020

37 Quai Branly, 75007

Paris

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Si l’ascension vertigineuse d’Helena Rubinstein, première femme d’affaires du 20e siècle que Cocteau surnommait « l’Impératrice de la beauté » est connue de tous, son parcours de collectionneuse intuitive et son rôle pionnier dans la reconnaissance des arts africains et océaniens l’est sans doute moins. À travers soixante-cinq œuvres issues de sa collection, le musée du quai Branly–Jacques Chirac lui rend hommage et révèle la fascination de Madame pour les arts extra-européens.

Construite essentiellement à Paris au gré de ses rencontres et sans cesse enrichie par l’acuité de son regard, la collection de Madame rassemble plus de 400 pièces d’arts extra-occidentaux. Dans ses intérieurs de Paris, New York et Londres, cet extraordinaire ensemble voisine avec les œuvres de peintres et sculpteurs de la modernité, Chagall, Braque et Brancusi, Modigliani, Picasso et Miró.

Devenue mythique à travers ses participations à des expositions majeures, comme African negro art au Museum of Modern Art en 1935, sa collection est dispersée en 1966 à New York, lors d’une série de ventes exceptionnelles qui ont marqué une étape essentielle de la valorisation des arts africains. Aujourd’hui, elle reste associée au temps des premiers amateurs des arts « lointains » – où l’on relève peu de femmes.

Helena Rubinstein est une pionnière. À cette époque, le marché des arts extraoccidentaux commence tout juste à se développer. La fréquentation assidue des cercles intellectuels, des galeries d’art et des ventes publiques, lui permet d’accéder à une large typologie d’objets. Initiée à ce domaine par le sculpteur Jacob Epstein, Helena Rubinstein collectionne des pièces plus inattendues, notamment du Nigeria, du Cameroun, de République populaire et République démocratique du Congo.

Elle apprécie l’expressivité et la force de ces sculptures qui répondent à ses goûts d’avant-garde. Son attention aux aspects figuratifs d’objets utilitaires (étriers de poulie de métier à tisser, portes, sièges, instruments de musique), et au traitement sculptural du visage par les artistes africains rejoint une recherche personnelle constante sur la beauté et ses multiples expressions.

Un important travail de recherche a précédé cette exposition. Hélène Joubert, Responsable de l’Unité patrimoniale des collections Afrique du musée et commissaire, a mené deux ans d’enquête dans les institutions nationales et internationales ainsi que dans les grandes collections privées et les fonds d’archive. Une importante iconographie a été réunie pour illustrer l’histoire de cette collection.

Guidée par des catalogues de vente de 1966, par des publications et références diverses, par le recueil de témoignages ou encore par l’analyse de photographies des appartements d’Helena Rubinstein, la commissaire met en avant la construction d’une collection, son histoire, sa particularité. C’est aussi la sensibilité originale de Madame qui se révèle ici, une facette jusqu’alors très peu explorée.

La collection d’Helena Rubinstein témoigne de choix artistiques audacieux pour la majorité de ses contemporains. Son regard visionnaire et sa curiosité la porte vers des œuvres rares et puissantes, devenues majeures aux yeux de la postérité. Une sélection de soixante-cinq objets provenant d’Afrique et d’Océanie, d’Insulinde et d’Amériques pour une moindre part, évoque les choix de cette figure majeure du collectionnisme de la première moitié du 20e siècle.

Cette exposition est présentée au musée du quai Branly–Jacques Chirac jusqu’au 28 juin 2020.

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