L’exposition  « Notre monde brûle »  propose un regard engagé sur la création contemporaine depuis le Golfe Persique où les guerres et les tensions diplomatiques n’ont cessé de déterminer l’histoire de ce début de XXIe siècle. Le titre fait explicitement référence aux drames humains que génèrent les conflits successifs dans cette région tout en intégrant de manière plus large les catastrophes écologiques incarnées par les immenses feux de forêt destructeurs de l’Amazonie à la Sibérie en passant par la Californie. Mais le feu n’est pas uniquement l’affirmation d’un péril. De façon ambivalente, il est aussi le symbole du formidable élan démocratique que connait cette même région à travers les Printemps arabes.

De la destruction des trésors irakiens (Michael Rakowitz) au sort des réfugiés syriens (Monira Al Solh) en passant par le financement des Talibans à travers l’exploitation du lapis lazuli en Afghanistan (Asli Cavusoglu), Notre monde brûle présente un maillage complexe d’évènements auxquels les oeuvres d’art se réfèrent tout en offrant de multiples échappées poétiques.

L’exposition ouvre d’ailleurs sa réflexion à la problématique de l’Anthropocène (John Akomfrah, Yto Barrada, Raqs Media Collective) et à la question de l’usage des ressources naturelles (Monira Al Qadiri,  Sammy Baloji, Fabrice Hyber) afin de participer au débat sur la nécessité de changer notre rapport exclusivement utilitariste à l’environnement.

Elle affirme justement que les oeuvres ont une puissance d’intervention en prenant position face aux désordres du monde. Le feu revient alors à l’intensité de la création artistique à l’image des oeuvres qui s’inscrivent dans la lignée des soulèvements populaires du monde arabe (Shirin Neshat, Amal Kenawy, Bady Dalloul) et témoignent d’un profond désir de justice sociale (Mustapha Akrim, Danh Vo, Faraj Daham, Kader Attia).

Dans une visée post-coloniale, la démultiplication des récits historiques (Amina Menia, Bouthayna Al Muftha, Wael Shawky, Dominique Hurth) est alors une façon d’affirmer des narrations alternatives et par là même de tracer les prémisses d’une société pluraliste, aux structures moins hiérarchiques et plus horizontales.

Intégrant la saison «Fragmenter le monde» proposer par le Palais de Tokyo de Paris, l’exposition se nourrit de l’exceptionnelle collection du Musée Arabe d’Art moderne et contemporain (MATHAF) fondé en 2010 à partir de la collection privée de Son Excellence Sheikh Hassan bin Mohamed bin Ali Al Thani.

Engagé dans une approche post-coloniale, le MATHAF insiste sur les échanges culturels et interroge l’héritage artistique du Qatar en lien avec la globalisation. Prônant l’essor de la modernité dans les pays arabes, il développe ses activités dans le domaine éducatif et se veut une institution à la fois localisée et ouverte dans un monde aux multiples centres. Le MATHAF se définit ainsi comme un musée non hégémonique et non normatif qui appelle de « nouvelles relations de pouvoir et des traductions culturelles » dans la lignée de la pensée d’Okwui Enwezor.

Notre monde brûle est une exposition d’Abdellah Karroum, fondateur de l’Appartement 22 à Rabat en 2002, curateur de la Triennale aux côtés d’Okwui Enwezor en 2012, et actuellement directeur du MATHAF.

En raison de l’évolution de la situation sanitaire actuelle et suite aux indications du gouvernement français, cette exposition est suspendue jusqu’à nouvel ordre. 

Avec :

John Akomfrah, Mustapha Akrim, Francis Alÿs, Kader Attia, Mounira Al Solh, Bouthayna Al Muftah, Monira Al Qadiri, Sophia Al Maria, Sammy Baloji, Yto Barrada, Aslı Çavuşoğlu, Faraj Daham, Bady Dalloul, Inji Efflatoun, Khalil El Ghrib, Mounir Fatmi, Fabrice Hyber, Dominique Hurth, Amal Kenawy, Amina Menia, Shirin Neshat, Otobong Nkanga, Sara Ouhaddou, Michael Rakowitz, Younes Rahmoun, Wael Shawky, Oriol Vilanova, Danh Vo, Raqs Media Collective

Commissaire : Abdellah Karoum

Co-commissaire : Fabien Danesi

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Plasticiens, créateurs, fashion designers, bidouilleurs, tatoueurs, musiciens…
Dans le cadre de l’exposition inédite « Prince·sse·s des villes », une cinquantaine d’artistes investissent le Palais de Tokyo du 21 juin au 8 septembre 2019.

Sans aucun regroupement géographique, les artistes de cette toute nouvelle exposition du Palais de Tokyo, sont présentés la plupart du temps avec des nouvelles productions et des interventions in situ.« Prince·sse·s des villes », est ainsi présentée comme une ville imaginaire, multiple et complexe, décloisonnée, bordélique, foudroyante et créative : un laboratoire imprévisible, toujours en mouvement et en (re)construction.

Dacca, Lagos, Manille, Mexico et Téhéran: Autant d’archi-villes rhizomatiques choisies subjectivement par les commissaires de cette exposition simplement guidés par leurs curiosités. Les cinq villes qu’ils ont souhaité présenter  sont selon leurs mots : « l’expression d’un tissu de contradictions, à l’image du trafic routier saturé qui coexiste avec les réseaux numériques censés fonctionner avec fluidité. »

D’évidence, ces mégapoles sont aussi très différentes les unes des autres. Leur singularité culturelle, politique et sociale se charge de multiples récits qui sont autant de chemins de traverse pour appréhender leur identité dépourvue de toute dimension univoque.

Entre gratte-ciels et cahutes, urgence et patience, les mégapoles connaissent une expansion chaotique, mêlant les transferts de capitaux aux connexions technologiques dans les centres financiers, ce qui génère des marges citadines porteuses de nombreuses inégalités.

Ce vaste mouvement désordonné transforme les cités en un chantier incessant, propice à la dérive des imaginaires. Les artistes qui émergent sont alors les flâneurs du XXIe siècle, les hackers de nos réponses au milieu urbain trop souvent fonctionnelles et standardisées.

En se promenant dans les allées de l’exposition, le visiteur s’aperçoit cependant très vite que ces mégapoles ne sont pas le sujet de l’exposition « Prince.sse.s des villes ». Elles sont en réalité un contexte de recherche, un terrain de jeu, où les créateurs samplent les multiples couches qui la constituent pour en extraire une hybridation démesurée, en constante métamorphose.

Cimaises brutes et vertigineuses, passages mystérieux, zones lumineuses ou opaques, backrooms et guet-apens : le dispositif de présentation de l’exposition est conceptualisé par l’architecte Olivier Goethals suivant les rythmes du jour et de la nuit, de la profusion et du désaturé, alternant des zones monographiques et des territoires de rencontres. Il élabore un parcours architectural qui révèle et accentue les lignes de forces du bâtiment du Palais de Tokyo envisagé ici comme un immense lieu-commun.

 

Artistes invités : Aderemi Adegbite, Mehraneh Atashi, Shishir Bhattacharjee, Biquini Wax EPS, Britto Arts Trust, Chelsea Culprit, Ndidi Dike, Doktor Karayom, Ema Edosio, Kadara Enyeasi, Falz, Dex Fernandez, Dina Gadia, Betzabé García, David Griggs, Ha.Mü, Timmy Harn, La Havi, Amir Kamand, Hoda Kashiha, Lulu (Chris Sharp, Martin Soto Climent et leurs artistes), Tala Madani, Farrokh Mahdavi, Pow Martinez, Arash Nassiri, Leeroy New, Emeka Ogboh, Wura-Natasha Ogunji, Adeola Olagunju, Ashfika Rahman, Mahbubur Rahman, Fernando Palma Rodríguez, John Jayvee del Rosario & Maine Magno, Bárbara Sánchez-Kane, Reetu Sattar, Mamali Shafahi, Reza Shafahi, Justin Shoulder, Mohammad Shoyeb, Manuel Solano, Newsha Tavakolian, Stephen Tayo, Tercerunquinto, Timmy Harn, Traición, Wafflesncream, Maria Jeona Zoleta, Zombra

 

Commissaire : Hugo Vitrani
Commissaire associé : Fabien Danesi
Scénographe : Olivier Goethals

www.palaisdetokyo.com

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Les jeudis 7, 14, et 21 mars à partir de 19h, le Palais de Tokyo inclus dans sa programmation évènementiel l’artiste performer Miles Greenberg.

Basé entre New-York et Paris, ce Canadien d’origine soulève des questions d’identité, de déplacement et de traumatisme à travers diverses explorations du corps noir et queer dans l’espace.

Autodidacte, il a développé sa propre théorie du mouvement et de l’architecture, résultant aujourd’hui en une forme artistique à la croisée de la performance, de la sculpture et des nouveaux médias. Passionné de linguistique comme de théâtre physique (Ecole Jacques Lecoq), il suit des systèmes de logique non linéaires et autosuffisants, qui se comprennent souvent mieux une fois connectés les uns aux autres. Son travail s’appuie généralement sur des techniques inspirées de rites religieux et de rituels, du butoh et du ballroom, des nouvelles technologies et de l’hypnose.

La performance de l’artiste intervient dans le cadre du programme du Palais de Tokyo de Paris intitulé « La Manutention – Performeurs en résidence ».  Lancé à l’automne 2017, la Manutention est un format qui encourage l’exploration et l’expérimentation, en fournissant aux artistes l’opportunité de développer leur pratique et de produire des performances inédites lors de quatre soirées performatives échelonnées sur un mois, permettant au public de découvrir un travail et d’en suivre l’évolution.

 

*Accès sur présentation du billet classique d’entrée aux expositions du Palais de Tokyo sans tarification supplémentaire, dans la limite des places disponibles.

 

→ Accès Billetterie du Palais de Tokyo

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n une seule décennie, l’artiste de Chicago Theaster Gates a mis au point de nouveaux modèles fascinants pour l’édification du patrimoine, la transformation sociale et la création artistique. Couvrant la sculpture, la peinture, la céramique, la vidéo, la performance et la musique, la pratique de Theaster Gates s’inspire et accompagne à la fois des projets ambitieux de rénovation urbaine par la création de centres et d’archives de la culture noire.

Theaster Gates  travaille comme artiste, curateur, urbaniste mais aussi médiateur. La sculpture, les installations, les performances et les interventions urbaines composent sa pratique qui vise à relier ce qui sépare l’art et la vie. Ses projets, qui tendent à créer des communautés culturelles, agissent comme des catalyseurs d’engagement social visant à des changements politiques, liés aux problématiques d’espace. Theaster Gates décrit sa méthode de travail comme une « critique par la collaboration » – généralement avec des architectes, des chercheurs et des performeurs – pour créer des oeuvres qui dépassent les notions de ce que nous entendons habituellement par pratiques visuelles.

Pour sa première exposition individuelle dans un musée en France, Theaster Gates a lancé un projet entièrement nouveau qui explore les histoires sociales des migrations et des relations interraciales en utilisant un épisode précis de l’histoire américaine pour aborder les questions plus vastes de l’asservissement des Noirs ainsi que de la domination sexuelle impériale et du mélange racial qui en a résulté.

Le point de départ de l’exposition est l’histoire de l’île de Malaga, dans l’État du Maine, aux États-Unis. En 1912, le gouverneur du Maine expulsait de Malaga la population la plus pauvre, une communauté mixte interraciale d’environ quarante-cinq personnes. Ces malheureux individus furent forcés de se disperser, d’errer ou d’être internés. Le nom de « Malaga » devint une insulte, une stigmatisation. L’île est depuis restée inhabitée et la nature y a retrouvé ses droits.

Le terme technique « amalgame » – quasi anagramme de Malaga – a également été utilisé par le passé pour désigner les mélanges raciaux, ethniques et religieux. Pour Theaster Gates, il a acquis une signification encore plus chargée, poussant sa pratique vers de nouvelles explorations formelles et conceptuelles. Pensée en quatre parties (Altar/Autel, Island Modernity Institute and Department of Tourism/Institut de la  Modernité et Département du Tourisme de l’Île, Dance of Malaga/Danse de Malaga et So Bitter, This Curse of Darkness/Si amère, cette malédiction des ténèbres), l’exposition invite le public à pénétrer un récit non linéaire qui combine terre, lumière, texte, danse et musique : un hommage, un rappel et une question ouverte.

L’exposition « Amalgam » est organisée par Mme Katell Jaffrès et sera présentée jusqu’au 12 mai 2019 au Palais de Tokyo à Paris (France).

→ Accès à la billetterie de l’exposition / Palais de Tokyo

*Cette exposition bénéficie du soutien de la galerie Regen Projects (Los Angeles), la galerie Richard Gray (Chicago) et White Cube (Londres et Hong Kong) ». Cette exposition bénéficie également du soutien de Gagosian.

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