Après le premier volet de l’exposition L’Esprit du large présenté à Dakar pendant l’été 2019, le second chapitre de l’exposition collective s’installe à la galerie d’Abidjan en Côte d’Ivoire. L’Esprit du large est une invitation à voir au loin, à décloisonner les regards et les savoirs ; une invitation aux rencontres à la croisée des chemins. Pour ce deuxième chapitre, les installations des artistes changent d’échelle et répondent à leur nouveau contexte in situ. Jouant sur le dedans/dehors de la galerie, la hauteur des cimaises et l’ampleur des volumes, les œuvres tissent entre elles des liens poétiques au gré des imaginaires des artistes et s’abordent sans ordre imposé pour nous inviter à penser de nouvelles itinérances.

Dimitri Fagbohoun exorcise le poids de l’histoire au travers le mot « nègre »

Les lettres arrondies et la douceur de la lumière du néon de Dimitri Fagbohoun pourraient rendre l’objet décoratif si le mot inscrit n’était pas si lourd d’histoire. Le mot « nègre » se tient ici comme une enseigne lumineuse familière, celle d’un commerce à l’ère de la globalisation contemporaine dont les formes adoucies et léchées pourraient séduire, mais dont le fond reste violence. Exorciser le poids de l’histoire en prononçant le mot – nègre – et en en faisant un outil sémantique riche pour panser une identité contemporaine. Dimitri Fagbohoun exprime un rapport à l’histoire dans lequel son écriture dérange les modèles qui la constituent.

Sadikou Oukpedjo explore la recherche de nos origines profondes

Sadikou Oukpedjo puise dans les mythes de diverses cultures pour donner corps et matière à ses figures anthropomorphes. Les toiles Nouvelles mythologies #11 et Untitled sont traversées par l’invisible et sa puissance, par l’inconnu et le caché. Sadikou Oukpedjo s’inscrit dans une démarche qui questionne nos origines profondes répondant ainsi au besoin humain d’accéder à la connaissance de soi au moyen de tentatives multiples et ancestrales : cosmogonie, rites, sorcelleries. L’artiste se fait alors magicien, maître, illusionniste, savant.

Ouattara Watts, au-delà des géographies et des nationalités : le Cosmos ?

Chiffres, formes mais aussi textures et tissus composent le langage plastique de Ouattara Watts. Chaque toile de l’artiste est un microcosme dynamique, partition en négatif des cultures qui composent son univers : musique jazz, traditions et rites africains, numération abbjad et guématria hébraïque pour ne citer que quelques unes de ses influences. Door of the Cosmos #1 et #2, Farafina #2, et Untitled sont des voyages visuels et spirituels. Ouattara Watts explore dans sa peinture les liens immatériels qui transcendent géographie et nationalités.

Dalila Dalléas Bouzar met en scene des forces féminines empreintes de pouvoirs mystiques

Les toiles de Dalila Dalléas Bouzar s’imposent à nous avec l’assurance d’une chorégraphie mille fois répétée. Parade rituelle, incantatoire ou guerrière, la puissance du corps féminin est scandée avec force. Les ciels, en proie à leur humeur propre, surplombent chacune de ces silhouettes. Ils semblent être les extensions de ces âmes sorcières-guerrières. Les gestes de leur chorégraphie sont dépositaires d’un savoir ancestral. Interrogeant dans sa pratique les codes de la représentation en peinture, Dalila Dalléas Bouzar n’a de cesse de réintroduire dans ses œuvres les figures dissidentes d’une histoire vernaculaire.

Jems Koko Bi crée des passerelles entre les mondes aux frontières de leurs séparations

Poursuivant une réflexion constitutive du travail de Jems Koko Bi sur les notions d’espace et d’histoire, Retour est la vision d’un exode positif, débarrassée des stéréotypes tragiques souvent associés aux migrations contemporaines. L’œuvre est une procession vers la maison ; aux murs bâtis de nos désirs, de nos espoirs, et de nos mains. À la fois sculpteur et performeur, Jems Koko Bi mélange des influences avant-gardistes à son histoire résolument africaine. Homme trait d’union entre la tradition et le contemporain, l’Afrique et l’Europe, la Côte d’Ivoire et l’Allemagne, Jems Koko Bi pratique un art de la traversée et établit des passerelles là où les mondes se séparent.

François-Xavier Gbré et les vestiges ambigüs du colonialisme

La série de photographies réalisées par François-Xavier Gbré au Bénin en 2012 célèbre, à travers ses images énigmatiques, la puissance ambiguë que peut prendre un symbole de mémoire. La statue de la Réconciliation à Cotonou au Bénin située sur l’esplanade de la Porte du Retour incarne la responsabilité des états dans le commerce triangulaire. Deux statues similaires existent à travers le monde, Liverpool au Royaume-Uni et Richmond aux États-Unis, traçant ainsi par ces trois lieux une géographie physique et symbolique. Des vestiges coloniaux aux paysages modifiés par l’actualité, François-Xavier Gbré explore des territoires et revisite l’Histoire.

Yo-Yo Gonthier et l’effacement de la mémoire dans la société occidentale fortement technologique

Burey Bambata (Les grands nuages) de Yo-Yo Gonthier est une ode collective à rêver. Dans cette vidéo, épopée visuelle tournée à la caméra Super 8, Yo-Yo Gonthier fait se rencontrer les rêveries fantasques d’un artiste comme inventeur génial et la richesse sémantique ancrée dans l’histoire de coutumes vernaculaires qui touchent tant à l’histoire personnelle de l’artiste qu’à celle d’une partie de l’Afrique. Il prend comme protagoniste de la vidéo le Nuage, cette sculpture de tissu de plusieurs mètres réalisée en 2013 et réactivée à plusieurs reprises lors de performances dont on retrouve la préparation dans les photographies de carnets et maquettes. Photographe plasticien, Yo-Yo Gonthier questionne l’effacement de la mémoire dans une société occidentale où la vitesse, le progrès et la technologie semblent être les valeurs essentielles.

Vincent Michéa entre nostalgie musicale Ouest-Africaine et histoires personnelles

Les toiles de Vincent Michéa font résonner dans l’enceinte de la galerie les notes entrainantes de Fax Clark et François Lougah. Au sommet de leur carrière dans les années 1970, ces artistes évoquent une histoire musicale à la croisée des cultures. Depuis plusieurs années, Vincent Michéa peint à l’acrylique des pochettes de vinyle. L’artiste a peu à peu constitué une anthologie visuelle des musiques d’Afrique de l’Ouest, consignant à travers l’histoire personnelle de ses rencontres et affections pour ces musiques, celle plus générale d’une culture populaire dont certains pans ont aujourd’hui disparu.

L’esprit du large Chapitre II

Exposition collective

Galerie Cécile Fakhoury – Abidjan

Jusqu’au 30 Novembre 2019

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Entre hybridation anthropomorphe et Zoomorphe les oeuvres de Sadikou Oukpedjo questionnent…

La Galerie Cécile Fakhoury d’Abidjan présente Silentium, la seconde exposition individuelle de l’artiste togolais Sadikou Oukpedjo. L’occasion d’explorer le travail unique de l’artiste sculpteur et plasticien vivant actuellement en Côte d’Ivoire. 

A

près avoir développé très jeune une pratique artistique portée sur la sculpture et l’ assemblage, Sadikou Oukpedjo commence à peindre en marge de son travail de sculpteur et multiplie alors les expérimentations de techniques et de médiums. Du papier de ciment aux rehauts de pastels, en passant par l’utilisation de craies à la peinture sur toile, il crée des œuvres aux dimensions nouvelles, le dessin étant à la fois modelé à la manière du bois et envisagé comme un medium à part entière.

Dès son retour de la Biennale de Dakar, en 2014 l’artiste initie une série d’œuvres, dont les figures hybrides seront exposées en 2016, dans le cadre de sa première exposition solo, « Anima », à la galerie Cécile Fakhoury d’Abidjan. Avec l’exposition »Anima » Sadikou Oukpedjo présentait un travail sur le corps humain, dont les formes modelées témoignaient de la dualité tant physique que spirituelle, mi-homme mi-animal, de chacun d’entre nous. Ses œuvres tels des miroirs déformant, troublant pour mieux révéler l’essence de la vie humaine, celle d’une identité parcellaire et à réinventer.

Oukpedjo s’oppose au silence par la peinture

En observant les oeuvres de l’artiste des questions d’allure simple nous viennent à l’esprit. Cependant, ces questions s’avéreront plus profondes voir existentielles . Pourquoi tous ces animaux? Pourquoi retrouvons-nous dans ces compositions cette omniprésence du mimétisme entre l’animal et l’humain ? Pourquoi la nudité ? Comment la comprendre ? L’artiste souhaite-il mettre à nu la nature humaine et dévoiler nos contradictions les plus intimes ? Pourquoi cette forte hybridation entre l’animal et l’humain dans ses compositions?

Les toiles sont crues, sans détours, complexes et métaphoriques. De grandes toiles aux couleurs profondes, mouchetées avec des personnages pittoresques, évanescents et même mythologiques. Les compositions de Oukpedjo donnent une dimension rupestre, et même primitive à ses oeuvres. Une double présence de formes et de matières donne de la profondeur et de la lumière. Contrastant ainsi avec la noirceur des sujets traités.Une, apparente, volaille (ou un oiseau on ne saurait distinguer) en cage en guise de tête, sur un corps humain, d’autres personnages hybrides font penser aux centaures des mythologies grecques sauf qu’ici, ces corps ne sont pas mi homme mi cheval mais plutôt mi humain mi animal de bétail ou domestiqués pour leur consommation alimentaire par l’homme (poules, pintades, chèvres entre autres).

« Les oeuvres réalisées par Sadikou pour l’exposition sont vraiment fortes, et cette série Silentium marque une étape dans la présentation de son travail » nous explique Francis Coraboeuf, curateur à la galerie Cécile Fakhoury.

« Les oeuvres sont de plus en plus grandes sans perdre de leur intensité, sa technique est toujours aussi puissante et délicate à fois. Il conquiert de nouveaux territoires : Sadikou est un créateur intense, il dévore le monde, il utilise chaque opportunité pour assimiler techniques et savoirs, c’est un artiste en constante évolution, chaque exposition, chaque oeuvre est l’occasion de s’approprier un nouveau terrain, une technique non réalisée auparavant».

De grandes toiles aux couleurs profondes suscitant des questions existentielles

En effet, les tableaux de Oukpedjo invitent à des réflexions philosophiques sur la réelle nature humaine et la question de l’animalité, telles les deux faces d’une même pièce. Imbriqués comme si l’un n’ – était–  pas sans l’autre, chaque humain possède son animal en soi et l’un comme l’autre semble lutter pour exister. Et si chaque animal possédait à l’inverse une part d’humanité en soi ? Si ce qui définit le genre humain est la conscience et la parole, alors le silence qui en découle de la perte des attributs précédents font-ils de l’homme un animal ? L’artiste nous invite à entendre le son du silence qu’il dépeint comme le nouveau bruit. Il y dénonce une absence sonore, la contagion d’un mutisme intérieur, réduisant au silence ce qui devrait être dit aux autres, mais d’abord à soi-même. Ce qui, par sa violence, par sa puissance, devrait suffire à briser le mur du silence, le silence de notre conscience. Quand la conscience se tait, l’homme tombe de son piédestal et perd la légitimité de sa supériorité.

Sur certaines toiles figurent des accessoires tel qu’un pistolet tenu par un corps humain à la tête d’une pintade, pointant sur un homme qui semble implorer clémence. Tandis que sur un autre tableau, un nouveau type de centaure  – car le cheval ici est remplacé par ce qui apparait être un boeuf – offre une fleur à un homme qui dédaigne le regard. Les animaux sont présentés dans une innocence naive. Prêts au sacrifice. L’ hybridation qui semble sacrificielle où l’on ne sait pas qui de l’humain ou de l’animal est sacrifié par l’autre dans cette lutte incessante.

La condition humaine: un language universel délivré par l’artiste

« En termes de discours aussi son message est de plus en plus fort et universel et lorsqu’il parle ainsi de la condition humaine, de la souffrance que l’homme peut infliger à l’homme, je crois que beaucoup sont touchés en eux-mêmes. » Déclare Francis.

L’artiste ferait-il référence à l’ homme qui, dévoré par sa propre animalité et sa perte de conscience se retrouve tel que décrit dans le Leviathan du philosophe Thomas Hobbes, qui selon lui, sa vie est solitaire, indigente, dégoûtante, animale et brève ?  L’homme ne pourrait ainsi se différencier d’un animal. Homo Homini lupus est – L’homme est un loup pour l’homme. Ou alors est ce au passé esclavagiste et colonial, période durant laquelle l’homme fût traité tel un – animal sauvage – à domestiquer à tout prix ou à sacrifier?

Francis poursuit, « La série d’oeuvre a été produite à Abidjan dans l’optique de l’exposition. Avant de réaliser ces oeuvres il a passé plusieurs mois en résidence à la Cité des Arts à Paris, puis il a fait un détour à Lomé ou il a créé une installation de sculpture monumentale pour le Palais de Lomé qui ouvrira ses portes bientôt. Du côté de la galerie c’est la deuxième exposition personnelle de Sadikou à Abidjan et nous éditerons bientôt son premier (modeste) catalogue pour marquer l’évènement.»

Une réflexion vers la consommation d’animaux ?

Le travail de Sadikou Oukpedjo (nous ne savons pas si ce fût l’intention de l’artiste) pourrait soulever une question de plus en plus controversée dans nos sociétés contemporaines: celle de la consommation d’ animaux. Les animaux ressentent-ils des émotions ? Ressentent-ils la peur, le danger, la compassion ? Est-ce que ça les rend plus humains ? Si les humains deviennent des inhumains en perdant la conscience et la parole, cela signifie t-il que les animaux possèdent une part d’humanité s’ils ressentent des émotions ? L’apparition dans les toiles presque exclusivement d’animaux consommés par l’homme sur le point d’être sacrifiés, tandis que l’homme apparaît comme le bourreau nous pousse à nous demander lequel de l’homme ou de l’animal est vraiment le monstre. Une responsabilité qui fait écho au silence des personnages de Sadikou Oukpedjo.

Silentium 
Seconde exposition personnelle de Sadikou Oukpedjo
À la galerie Cécile Fakhoury
À voir jusqu’au 11 mai 2019
À Abidjan, Côte d’Ivoire
www.cecilefakhoury.com

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