Vincent Michéa est un amoureux de musique et de vinyles, en particulier l’aspect visuel et graphique des pochettes d’album qu’il reproduit. « Je me considère comme un peintre de variétés, comme on dit « chanteur de variétés », celui qui sait tout chanter du Rock au Funk, du Folk à la chanson populaire » explique Vincent Michéa. Le choix de ses sujets, quotidiens, ses aplats de couleurs vives et le traitement stylisé des scènes, le rapprochent du Pop Art. Cofondateur du label 100% Dakar, Vincent Michéa collabora au sein du studio DKR dans les années ’90.

« Certains orchestres sénégalais ou congolais magnifiques ont cette envie de savoir tout faire, cette volonté de jouer tous les répertoires du mieux possible et j’adore ça ! C’est ce que je recherche dans mon travail, quelque chose de facile à s’approprier, quelque chose de populaire. Je suis un peintre de variétés qui adapte son sujet à sa technique. J’utilise des codes très graphiques, très visibles dans mes collages, ma peinture et mes marouflages de feuilles de papier. J’adapte mon sujet à mon support. » déclare t-il.

Vincent Michéa, qui ne souhaite pas assimiler son art à quelconque discours politique, peint pour ceux qui regardent. Ses oeuvres ont pour vocation d’éveiller les sens et à « faire plaisir » comme il le souligne. « Je remets en images des choses que les gens ont tellement l’habitude de voir qu’ils ne les voient plus, comme les pochettes d’albums. Comme dans le Pop Art où l’on revisite des objets populaires et que l’on donne à regarder à nouveau en mettant en valeur leurs qualités graphiques ou leurs couleurs. Dans mes scènes de rues, de marchés, les couleurs sont tranchées, il y a une stylisation de la forme et de la couleur.« 

Après l’obtention de son diplôme à l’Ecole Supérieure d’Arts Graphiques à Paris, Vincent Michéa part en 1986 exercer son métier de graphiste à Dakar, à l’époque du cinéma afro-pop et des précurseurs du rap africain. Sa formation de graphiste a encré en lui l’importance de la forme au point que cela devienne le coeur de sa recherche. « On apprend le dessin en commençant par le nu pour avoir une notion de composition, plus que de maîtrise ou d’anatomie. J’ai une formation de graphiste et en typographie le blanc de la lettre est aussi important que le noir imprimé, c’est la forme et la contre forme. L’œil circule et il faut que ce soit confortable à lire ou à regarder. Maîtriser la typographie m’aide à composer mes peintures. La peinture doit être agréable à lire. » insiste l’artiste. Son œuvre donne à voir une image nostalgique et glamour de Dakar, avec son architecture moderniste, le foisonnement de sa scène musicale passée, ses fleurs qui recouvrent tout et sa vie locale.

En 1987 Vincent Michéa expose pour la première fois son travail à la Galerie Nationale du Sénégal. Entre 1988 et 1991, il rentre à Paris et travaille avec Roman Cieslewicz, artiste polonais majeur de la scène graphique. Encouragé par ce graphiste de renom, il renforce son intérêt pour les choses imprimées et les techniques d’impression. En 2007 il anime des ateliers de photomontage à l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa et à partir de l’année suivante s’occupe de l’atelier de sérigraphie de l’Ecole Supérieure des Arts Visuels de Marrakech. Vincent vit et travaille entre Paris et Dakar.

VARIÉTÉ

Vincent Michéa à voir à la galerie Magnin-A jusqu’au 8 février 2020

Vernissage le samedi 7 décembre 2019, de 14h à 20h

Galerie Magnin-A

118, Boulevard Richard Lenoir, 75011 – Paris

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Après le premier volet de l’exposition L’Esprit du large présenté à Dakar pendant l’été 2019, le second chapitre de l’exposition collective s’installe à la galerie d’Abidjan en Côte d’Ivoire. L’Esprit du large est une invitation à voir au loin, à décloisonner les regards et les savoirs ; une invitation aux rencontres à la croisée des chemins. Pour ce deuxième chapitre, les installations des artistes changent d’échelle et répondent à leur nouveau contexte in situ. Jouant sur le dedans/dehors de la galerie, la hauteur des cimaises et l’ampleur des volumes, les œuvres tissent entre elles des liens poétiques au gré des imaginaires des artistes et s’abordent sans ordre imposé pour nous inviter à penser de nouvelles itinérances.

Dimitri Fagbohoun exorcise le poids de l’histoire au travers le mot « nègre »

Les lettres arrondies et la douceur de la lumière du néon de Dimitri Fagbohoun pourraient rendre l’objet décoratif si le mot inscrit n’était pas si lourd d’histoire. Le mot « nègre » se tient ici comme une enseigne lumineuse familière, celle d’un commerce à l’ère de la globalisation contemporaine dont les formes adoucies et léchées pourraient séduire, mais dont le fond reste violence. Exorciser le poids de l’histoire en prononçant le mot – nègre – et en en faisant un outil sémantique riche pour panser une identité contemporaine. Dimitri Fagbohoun exprime un rapport à l’histoire dans lequel son écriture dérange les modèles qui la constituent.

Sadikou Oukpedjo explore la recherche de nos origines profondes

Sadikou Oukpedjo puise dans les mythes de diverses cultures pour donner corps et matière à ses figures anthropomorphes. Les toiles Nouvelles mythologies #11 et Untitled sont traversées par l’invisible et sa puissance, par l’inconnu et le caché. Sadikou Oukpedjo s’inscrit dans une démarche qui questionne nos origines profondes répondant ainsi au besoin humain d’accéder à la connaissance de soi au moyen de tentatives multiples et ancestrales : cosmogonie, rites, sorcelleries. L’artiste se fait alors magicien, maître, illusionniste, savant.

Ouattara Watts, au-delà des géographies et des nationalités : le Cosmos ?

Chiffres, formes mais aussi textures et tissus composent le langage plastique de Ouattara Watts. Chaque toile de l’artiste est un microcosme dynamique, partition en négatif des cultures qui composent son univers : musique jazz, traditions et rites africains, numération abbjad et guématria hébraïque pour ne citer que quelques unes de ses influences. Door of the Cosmos #1 et #2, Farafina #2, et Untitled sont des voyages visuels et spirituels. Ouattara Watts explore dans sa peinture les liens immatériels qui transcendent géographie et nationalités.

Dalila Dalléas Bouzar met en scene des forces féminines empreintes de pouvoirs mystiques

Les toiles de Dalila Dalléas Bouzar s’imposent à nous avec l’assurance d’une chorégraphie mille fois répétée. Parade rituelle, incantatoire ou guerrière, la puissance du corps féminin est scandée avec force. Les ciels, en proie à leur humeur propre, surplombent chacune de ces silhouettes. Ils semblent être les extensions de ces âmes sorcières-guerrières. Les gestes de leur chorégraphie sont dépositaires d’un savoir ancestral. Interrogeant dans sa pratique les codes de la représentation en peinture, Dalila Dalléas Bouzar n’a de cesse de réintroduire dans ses œuvres les figures dissidentes d’une histoire vernaculaire.

Jems Koko Bi crée des passerelles entre les mondes aux frontières de leurs séparations

Poursuivant une réflexion constitutive du travail de Jems Koko Bi sur les notions d’espace et d’histoire, Retour est la vision d’un exode positif, débarrassée des stéréotypes tragiques souvent associés aux migrations contemporaines. L’œuvre est une procession vers la maison ; aux murs bâtis de nos désirs, de nos espoirs, et de nos mains. À la fois sculpteur et performeur, Jems Koko Bi mélange des influences avant-gardistes à son histoire résolument africaine. Homme trait d’union entre la tradition et le contemporain, l’Afrique et l’Europe, la Côte d’Ivoire et l’Allemagne, Jems Koko Bi pratique un art de la traversée et établit des passerelles là où les mondes se séparent.

François-Xavier Gbré et les vestiges ambigüs du colonialisme

La série de photographies réalisées par François-Xavier Gbré au Bénin en 2012 célèbre, à travers ses images énigmatiques, la puissance ambiguë que peut prendre un symbole de mémoire. La statue de la Réconciliation à Cotonou au Bénin située sur l’esplanade de la Porte du Retour incarne la responsabilité des états dans le commerce triangulaire. Deux statues similaires existent à travers le monde, Liverpool au Royaume-Uni et Richmond aux États-Unis, traçant ainsi par ces trois lieux une géographie physique et symbolique. Des vestiges coloniaux aux paysages modifiés par l’actualité, François-Xavier Gbré explore des territoires et revisite l’Histoire.

Yo-Yo Gonthier et l’effacement de la mémoire dans la société occidentale fortement technologique

Burey Bambata (Les grands nuages) de Yo-Yo Gonthier est une ode collective à rêver. Dans cette vidéo, épopée visuelle tournée à la caméra Super 8, Yo-Yo Gonthier fait se rencontrer les rêveries fantasques d’un artiste comme inventeur génial et la richesse sémantique ancrée dans l’histoire de coutumes vernaculaires qui touchent tant à l’histoire personnelle de l’artiste qu’à celle d’une partie de l’Afrique. Il prend comme protagoniste de la vidéo le Nuage, cette sculpture de tissu de plusieurs mètres réalisée en 2013 et réactivée à plusieurs reprises lors de performances dont on retrouve la préparation dans les photographies de carnets et maquettes. Photographe plasticien, Yo-Yo Gonthier questionne l’effacement de la mémoire dans une société occidentale où la vitesse, le progrès et la technologie semblent être les valeurs essentielles.

Vincent Michéa entre nostalgie musicale Ouest-Africaine et histoires personnelles

Les toiles de Vincent Michéa font résonner dans l’enceinte de la galerie les notes entrainantes de Fax Clark et François Lougah. Au sommet de leur carrière dans les années 1970, ces artistes évoquent une histoire musicale à la croisée des cultures. Depuis plusieurs années, Vincent Michéa peint à l’acrylique des pochettes de vinyle. L’artiste a peu à peu constitué une anthologie visuelle des musiques d’Afrique de l’Ouest, consignant à travers l’histoire personnelle de ses rencontres et affections pour ces musiques, celle plus générale d’une culture populaire dont certains pans ont aujourd’hui disparu.

L’esprit du large Chapitre II

Exposition collective

Galerie Cécile Fakhoury – Abidjan

Jusqu’au 30 Novembre 2019

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