L’Atelier le Grand Village et la maison d’édition indépendante Mare et Martin travaillent depuis plusieurs mois à la rédaction d’un livre d’art sur l’oeuvre de l’artiste plasticienne Diane Victor.

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) est une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en estampe et en dessin. Diane Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine et mondiale à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous.

Ses dessins et estampes de grand format démontrent une maîtrise de la fabrication des marqueurs, qu’elle utilise pour rendre ses sujets émouvants dans les détails. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique pas seulement de l’Afrique du Sud contemporaine mais aussi de nos sociétés contemporaines, compte tenu des problèmes de corruption, de violence surtout envers les femmes et de répartition inégale du pouvoir. Les œuvres de Diane Victor font partie d’un certain nombre de collections importantes, dont la Bibliothèque Nationale de France (BNF), le musée d’art de Pretoria, le Victoria & Albert Museum, IZIKO South African National Gallery, le musée d’art moderne (MoMA) à New-York et tant d’autres collections privées prestigieuses.

Peu connue et présentée assez rarement sur le sol français, l’oeuvre de Diane Victor avait été montrée à Paris en Septembre 2020 du fait d’un partenariat entre l’Atelier le Grand Village et Artskop3437. Pourtant l’oeuvre de Diane Victor gagnerait à être plus connue. Qu’à cela ne tienne car le livre entend remédier à cela. Intitulé tout simplement ‘Diane Victor’, cette première monographie en langue française et anglaise de plus de 200 pages comprendra des essais d’historiens de l’art et commissaires d’expositions permettant de saisir toute la complexité et la beauté de l’oeuvre de Diane Victor.

Pour aider à la sortie du livre, une campagne de financement participatif est organisée par Atelier le Grand Village et la maison d’édition Mare & Martin. Intitulée The Lady and the Rhino, une estampe de Diane Victor spécialement crée à cette occasion, en édition limitée de 40 exemplaires signés et numérotés, est proposée au prix de 550€ (livraison incluse pour l’Europe continentale).

The Lady and the Rhino s’inspire d’une série de tapisseries du début du XVIe siècle, chef d’oeuvre de la renaissance française de la collection permanente du Musée de Cluny – Musée National du Moyen Âge à Paris: ‘La Dame à la Licorne’. A l’exception près que dans l’oeuvre de Diane Victor, un rhinocéros est remplacé par la licorne. En utilisant la faune et la flore sud- africaine, Diane Victor attire notre attention sur la vulnérabilité et la possible extinction de certaines espèces.

Vous pouvez commander dès à présent votre estampe afin de contribuer à la publication de la prochaine monographie de l’artiste et dont la sortie est prévue pour la fin 2022. Ne tardez pas!

Contact

Francis van der Riet

Atelier le Grand Village

studio@fvanderriet.com

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Cette nouvelle édition de la foire DDESSINPARIS confirme le rôle majeur de l’événement : être un tremplin pour la jeune scène artistique travaillant le dessin sous toutes ses formes, et pour les galeries qui la défendent, en France comme à l’international. En lui offrant une forte visibilité, aux côtés de galeries et d’artistes plus établis, DDESSINPARIS contribue à faire connaître et reconnaître une scène artistique d’avenir, qui dynamise et irrigue avec passion ce médium. L’événement reste ainsi fidèle à sa vocation de soutenir, promouvoir et accompagner les jeunes acteurs du dessin de demain. Partenaire majeur des acteurs du monde de l’art, DDESSIN{20} offrira à nouveau aux professionnels, collectionneurs et amateurs, un moment riche en découvertes, dans un cadre lumineux et une ambiance conviviale.

DDESSIN{20} accueillera une vingtaine de galeries françaises et étrangères, des solo shows, une pépinière d’artistes, et le coup de cœur DDESSIN{20}, ainsi que de nombreux projets spécifiques dont celui d’Artskop3437.

Diane Victor exposée pour la première fois à Paris

Pour cette édition 2020 de DDESSIN{20}, Artskop3437 et Atelier le Grand Village collaborent sous un format spécifique et présenteront pour la première fois lors d’une foire d’art en France l’artiste de renommée internationale Diane Victor.

Diane Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine et internationale par ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Ses dessins et ses estampes de grands formats démontrent une maîtrise de la gravure, qu’elle utilise pour rendre ses sujets avec des détails touchants. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, en considérant les questions de corruption, de violence et de distribution inégale du pouvoir.

Un dessin de grand format – 150 x 115cm – au charbon et cendres intitulé « Mère et Fille » sera dévoilé pour la première fois. Cette oeuvre réalisée par l’artiste fait suite à des mouvements de violences ayant eu lieu à Johannesburg en 2019 et durant lesquels une jeune fille violée fût retrouvée morte. Cette oeuvre n’est pas sans rappeler celle de Michel-Ange « La Pietà » . Cette statue en marbre de la basilique Saint-Pierre du Vatican à Rome représentant le thème biblique de la « Vierge Marie douloureuse » (Mater dolorosa en latin ou Pietà), tenant sur ses genoux le corps du Christ descendu de la Croix avant sa Mise au tombeau, sa Résurrection et son Ascension. La composition de Diane Victor est tout aussi saisissante d’effroi pourtant d’une beauté surprenante et inattendue. Au fur et à mesure de l’observation de l’oeuvre, le regardeur est témoin de l’amour profond qui se dégage de la mère qui tient le corps de sa fille avec dignité.

Aux côtés de cette oeuvre magistrale, une série dessins à la suie sur les primates sera également présentée. L’artiste décrit sa série en ces termes:

« Notre code génétique humain est si similaire à celui d’autres primates qu’ils sont en fait quasiment des « petits frères » ou au moins des cousins éloignés pour nous. Pourtant, comme certaines lignées familiales éloignées et désavouées, nous semblons ne ressentir aucun scrupule à la connaissance de leur persécution et de leur mise en danger. Des communautés entières de primates sont menacées par l’empiètement humain, elles sont chassées, réduites en esclavage et exposées publiquement dans les zoos – leur nombre s’amenuisant au fur et à mesure que les nôtres explosent. » Par cette série, Diane Victor nous fait réfléchir sur la condition environnementale et animale. L’artiste met en exergue la vulnérabilité de ces vies au travers de la technique de dessin employée, qui elle même s’avère être très délicate. Créant ainsi une forte connexion entre le médium et le sujet.

La suie, crée par la fumée d’une flamme de bougie en mouvement, est un matériau relativement fragile et vulnérable. Le carbone déposé par la suie sur le papier est visible mais très instable et délicat. Au moindre contact physique, des traces apparaissent sur la surface. L’artiste utilise cette possibilité de marquage pour créer une image à l’aider d’un pinceau. Toutefois, le processus de dessin est assez intuitif car il faut suivre la fumée dans sa direction. L’artiste utilise le terme de – ghosts – ou fantômes – en référence à l’aspect fantomatique de l’image créée qui peut être détruite et disparaître au moindre contact. « J’estime ce fragile et éphémère support être approprié pour les portraits de primates rendus fragiles et impermanents par l’humanité. » explique Diane Victor.

Les oeuvres de l’artiste Diane Victor font parti d’importantes collections dans le monde dont le Musée d’Art moderne à New York (MoMA), le Victoria et Albert Museum à Londres, La Bibliothèque Nationale de France (Paris); Le Musée d’art de Baltimore, le Musée National Iziko  au Cap en Afrique du Sud et de nombreuses collections privées prestigieuses. 

Nú Barreto

En collaboration avec la Galerie Nathalie Obadia, Artskop3437 présentera une sélection d’oeuvres de l’artiste Nú Barreto, figure majeure de la scène contemporaine africaine. Né en 1966 à São Domingos en Guinée-Bissau, l’artiste vit et travaille à Paris depuis 1989. Choisi pour représenter son pays à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998, il mène depuis une carrière internationale qui le distingue parmi les artistes majeurs de l’art contemporain africain.

Artiste pluridisciplinaire, son travail aux techniques mixtes allient dessin, collage et récupération. Sa démarche artistique cherche à interpeller le spectateur à travers l’usage de la peinture, de la photographie, du dessin et de la vidéo. Nú Barreto attire le regard sur les nombreux fléaux (misère, souffrance, discriminations, incapacité politique des dirigeants africains…) qui sévissent sur le continent africain à travers l’utilisation d’une forte symbolique exprimées dans les formes, les couleurs et les motifs.

Les œuvres sur papier de Nú Barreto sont au service de son récit personnel de l’Afrique contemporaine. Sous la mine acerbe de ses crayons et le rouge sang de ses pinceaux, Nú Barreto illustre les violences multiples subies par le continent africain.

L’œuvre pluridisciplinaire et engagée de Nú Barreto a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives. En 2018, il expose au côté d’El Anatsui, Issac Julien ou encore William Kentridge avec Reloaded Avant Garde 2018 à la galerie Sabine Knust (Munich, Allemagne). L’artiste a également bénéficié d’une exposition personnelle Ressonãncia, Casas au musée de Taipa en 2015 (Macau, Chine). Il a également participé à l’exposition 100 obras 10 años à la fondation Arpád Szenes et Viera da Silva en 2012 (Lisbonne, Portugal) ainsi qu’à la Biennale d’Art Contemporain Africain de Dakar en 2006 (Sénégal). Nú Barreto a aussi représenté le pavillon de la Guinée à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998 (Portugal).

Ses œuvres sont présentes dans de grandes collections publiques et privées telles que celle du Museo Capixaba do Negro (Mucane), de la Vitória (Brésil), de l’Union Economique et Monétaire Ouest Africaine (UEMOA), du musée de Macao (Chine), de la Fondation Pro-Justitiae à Porto (Portugal) ou encore de la fondation PLMJ à Lisbonne (Portugal).

Peteros Ndunde

Pour la première fois en France, Artskop3437 dévoilera des dessins du jeune artiste Kenyan Peteros Ndunde.

Peteros Ndunde est un artiste contemporain né en 1996 à Nairobi, au Kenya, où il vit et travaille toujours. Bien qu’il s’intéresse au dessin depuis son plus jeune âge, c’est en poursuivant une licence de beaux-arts à l’université de Kenyatta qu’il a amélioré sa technique. L’artiste a été exposé au Kenya, aux Emirats Arabes Unis , et au Japon entre autres.

Comme le cubisme analytique décompose les formes naturelles du sujet en formes géométriques en reformulant sa représentation, Peteros combine un large éventail de perspectives multiples du corps humain dans une image pour mettre en scène de manière minimaliste les comportements humains, faux reflets de systèmes d’émotions plus complexes et plus profonds.

L’artiste décrit son oeuvre en ces termes: «Mon travail explore les expériences de la vie quotidienne et les énormes effets d’entraînement qui découlent de ces actions de vie en apparence simples. En effet, la plupart des interactions quotidiennes ont d’énormes conséquences psychologiques et sociales pour un individu et, en fait, pour la société en général. En tant que tel, mon approche minimaliste dans l’œuvre devient une métaphore pour les complexités de mes sujets, qui préservent une façade de simplicité. »

Artskop3437 a commissionné l’artiste pour une nouvelle série d’oeuvres. Par ce geste, Artskop3437 soutient la jeune création contemporaine africaine. Ce format permet au jeune artiste d’accéder au marché international de l’art tout en vivant et travaillant au Kenya.

DDESSIN {20} – DdessinParis

Atelier Richelieu

60, rue de Richelieu – 75002 Paris

Entrée : 14 euros

Tarif réduit : 9 euros Entrée gratuite pour les moins de 14 ans

www.ddessinparis.com

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Cette nouvelle édition de la foire DDESSINPARIS confirme le rôle majeur de l’événement : être un tremplin pour la jeune scène artistique travaillant le dessin sous toutes ses formes, et pour les galeries qui la défendent, en France comme à l’international. En lui offrant une forte visibilité, aux côtés de galeries et d’artistes plus établis, DDESSINPARIS contribue à faire connaître et reconnaître une scène artistique d’avenir, qui dynamise et irrigue avec passion ce médium. L’événement reste ainsi fidèle à sa vocation de soutenir, promouvoir et accompagner les jeunes acteurs du dessin de demain. Partenaire majeur des acteurs du monde de l’art, DDESSIN{20} offrira à nouveau aux professionnels, collectionneurs et amateurs, un moment riche en découvertes, dans un cadre lumineux et une ambiance conviviale.

DDESSIN{20} accueillera une vingtaine de galeries françaises et étrangères, des solo shows, une pépinière d’artistes, et le coup de cœur DDESSIN{20}, ainsi que de nombreux projets spécifiques, et verra l’attribution du prix DDESSIN{20}.

La foire ouverte aux artistes du monde et d’hexagone témoigne aussi de façon significative son engagement à donner plus de visibilité aux artistes du continent africain. On retiendra parmi les artistes connectés à la scène artistique africaine et présentés pour cette édition 2020 de la foire : Nú BARRETO, Diane VICTOR, Samuel N’Gabo Zimmer, Smaïl Kanouté, Dany Leriche, Emmanuel Azizeh, Peteros Ndunde, Thilleli Rahmoun, Emory Douglas, Tahar Ben Jelloun, …

Trois solos show d’artistes connectés au continent africain

DANY LERICHE 

Pour cette première participation de Dany Leriche, DDESSINPARIS propose le travail d’une artiste sans frontières ni barrières, qui exposera les dessins issus de sa série « Quête d’un ailleurs utopique ».

Dany Leriche vit et travaille entre la France et le Mali. Artiste multimédium, elle utilise aussi bien le dessin que l’installation, la sculpture ou la photographie.

« Dany Leriche est une de ces fabricantes de rêves d’un autre temps. Une conquérante prolifique, voyageuse et généreuse. On l’imaginerait volontiers en Rénénoutet ou en divine pythie, officiant dans un laboratoire itinérant, au sein duquel les plaisirs de l’expérience et de la découverte seraient associés à la rigueur d’un travail chaque jour renouvelé. Lorsqu’elle n’est pas en Grèce, à Cuba, au Mali, ou en pays Dogon, Dany surgit là où ne nous l’attendions pas forcément, et nous offre ses fragments de songes, parcelles composites d’un imaginaire fécond. »

Lolita M’Gouni, Paris, Août 2011.

Depuis 2006, l’artiste est allée régulièrement en Afrique de l’Ouest. La pauvreté, l’hostilité climatique, qui sont le lot quotidien des Africains, poussent des milliers d’entre eux à émigrer. C’est ce que l’artiste a voulu présenter dans la série de dessins « Quête d’un ailleurs utopique ».

Dany Leriche a travaillé et exposé dans de très nombreux pays du monde, où elle a intégré de prestigieuses collections publiques et privées. Parmi les institutions qui ont acquis une œuvre de Dany Leriche, on compte notamment le victoria and Albert Museum de Londres, The National Museum of Women in the Arts de Washington, le Miniature Museum of Contemporary Art d’Amsterdam, ou encore l’African Culture Fund (ACF).

THILLELI RAHMOUN 

Pour cette première participation de l’artiste algérienne Thilleli Rahmoun, DDESSINPARIS propose une série de dessins qui dérange les perceptions, afin d’éveiller chez le regardeur une réflexion sur le rapport que l’homme contemporain entretient au monde extérieur.

Thilleli Rahmoun est née à Alger en 1978. Elle est diplômée depuis 2007 de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris et depuis 2001 de l’Ecole Supérieure des Beaux Arts d’Alger. Elle a remporté plusieurs prix de peinture, dont le prix Fondation villa Seurat en 2018, sous l‘égide de la Fondation de France. En 2019, elle a mené à bien un projet de fresques avec les jeunes du quartier de la Cruz, à Medellin en Colombie, en partenariat avec la Fondation villa Seurat pour l’art contemporain, sous l’égide de la Fondation de France et l’association Grandir Ensemble.

Thilleli Rahmoun a longuement travaillé sur des espaces sensuels mais inhabitables, lieux de vie malgré les contraintes qu’ils supposent – présence d’objets incongrus, difficulté de s’y déplacer. En observant ses dessins, le regardeur se demande quel est l’élément qui n’est pas dans son environnement naturel, mais qui continue à exister pour perturber sa lecture de la scène proposée.

L’artiste représente des histoires détournées, qu’elle place au cœur de mises en scènes théâtralisées, rassemblant dans ce jeu subtil des visions fortes, au sein de lieux « de passage » et d’espaces fictifs. Les évocations sont nombreuses, notamment celles liées à l’énergie frustrée. Les fragiles protagonistes sont jetés dans les bras d’un monde clos, à la fois témoins et juges indifférents de leur captivité.

Le travail de Thilleli Rahmoun a fait l’objet de l’édition d’un e-book paru chez Tribew, qui sera présenté sur tablette à l’occasion de DDESSIN {20}.

SMAÏL KANOUTE 

Pour cette première participation de Smaïl Kanouté, DDESSINPARIS propose le travail d’un artiste qui fait partie de cette jeune génération renouvelant sans cesse les codes visuels et esthétiques, toutes disciplines confondues. Passionné du motif, de l’univers du manga et des motifs textiles africains, l’artiste se sert de ces derniers pour ouvrir un dialogue pictural et cuturel.

Smaïl Kanouté est un artiste protéiforme diplômé de l’ENSAD en 2012, à la fois designer graphique, sérigraphe, plasticien et danseur professionnel.

L’interdisciplinarité est le leitmotiv de Smaïl Kanouté. Danse et graphisme sont indissociables dans son processus créatif qui se nourrit de métissages artistiques et culturels. Le motif est à la base de sa recherche et de chacune de ses créations car pour lui tout est une question de lignes, de courbes, de rythmes, d’émotions et de couleurs. Ses recherches graphiques et scéniques sont également nourries par la question de la quête identitaire, se rapprochant ainsi de la mouvance afrofuturiste. Il revendique l’ouverture vers l’inconnu pour mieux découvrir son véritable soi. C’est une sorte de parcours initiatique qui nourrit son processus créatif : pour se mieux connaître, on doit regarder dans le miroir que l’autre nous tend.

Les Sérigraphies sur papier de Smaïl Kanouté proposées dans le cadre de DDESSIN {20} explorent un dialogue entre différentes cultures, histoires, mythes et légendes, dans une démarche résolument esthétique. A travers sa série « Afroninpo », l’artiste établit des ponts entre les mythologies japonaises, africaines, aborigènes et mayas, en associant et sur-imprimant les motifs qui leur sont propres. Les sujets ainsi créés racontent des mythologies contemporaines issues de sociétés mondialisées. Dans les cultures animistes africaines et japonaises, le masque revêt une importance essentielle. Ici, chaque masque est associé à un motif qui témoigne de cette rencontre des cultures.

Smaïl kanouté a exposé à la Galerie BZZ du 104. Il collabore, dans le cadre de projets artistiques et de performances, avec les artistes Tino Seghal, Philippe Baudelocque, Antonin Fourneau et Evans Mbugua. Il vient de recevoir plusieurs prix liés à son travail de court-métrages (Urban Film Festival, Dance on Screen), ses dessins ont été sélectionnés par les Ateliers Médicis pour leur identité graphique et ses travaux vont bientôt être présentés dans le cadre d’une exposition collective au CENTQUATRE, à l’ICI, et à la Maison Européenne de la Photographie.

Samuel N’Gabo Zimmer, coup de cœur de DDESSIN{20}

Eve de Medeiros, fondatrice et directrice de DDESSINPARIS, a choisi pour le coup de cœur du Salon DDESSIN {20} l’artiste Samuel N’Gabo Zimmer.

Samuel N’Gabo Zimmer, artiste franco-rwandais né en 1986 au Rwanda, vit et travaille aujourd’hui à Ornans. Cet artiste autodidacte s’efforce de transmettre par le dessin son attachement à la nature, et aux arbres en particulier, qui forment le motif central de son œuvre en évolution. C’est ainsi à l’image de leur créateur, pétri de cultures entremêlées, que les arbres dessinés déploient leurs racines avec force, et dressent fièrement un entrelacs fécond de branches, que l’on pourra emprunter du regard comme autant de chemins et d’histoires possibles. Car les formes qu’il tisse avec la plume, le pinceau ou le crayon, laissent une totale liberté d’appropriation au regardeur, qui pourra se promener dans l’histoire, à la fois universelle et particulière, que raconte chaque arbre.

Madeleine Filippi, critique d’art et historienne de l’art, membre de l’AICA, décrit son travail en ces termes :

« Ancien élagueur, le rwandais Samuel N’Gabo Zimmer avoue se passionner pour le dessin depuis sa formation en botanique. Autodidacte, c’est au départ pour lui un procédé mnémotechnique, un langage à part entière, dans lequel chaque élément végétal prend sa place dans une grammaire. De son Rwanda natal jusqu’à Besançon, les plantes et végétaux n’ont eu de cesse de l’inspirer. La fleur de coton, pour sa symbolique tout d’abord, mais aussi pour ses propriétés physiques, revient tel un fil rouge dans le travail de l’artiste. Loin des clichés et des discours usuels sur le panafricanisme, Samuel N’Gabo Zimmer s’approprie la fleur de coton de manière subtile. Qu’elles apparaissent de manière très figurative ou de manière moins évidente sous formes de fibres végétales, ces propositions dessinées explorent avec intelligence un parangon de « l’ancrage ».

Ainsi, en partant de la fleur de coton, l’artiste élabore une multitude de motifs parallèles : lianes, fils, arbres, vagues, etc. C’est d’autant plus juste dans les œuvres plus géométriques.

La fleur de coton disparait peu à peu pour laisser la place à l’imaginaire du spectateur face à l’élément végétal qui se contorsionne sur la feuille, dans un mouvement savamment construit par l’artiste, créant ainsi une sensation de flottement dans de nombreux dessins. Boucles, nœuds, accroches, distorsions sont autant de procédés techniques utilisés par Samuel N’Gabo

Zimmer pour suggérer un mouvement, un rythme. Cela confère à l’élément végétal un rôle particulier dans les œuvres de l’artiste, en effet, il devient tour à tour architecture et personnage, une forme hybride en mutation à la fois sensible et féroce. Impossible de ne pas évoquer le processus de création de Samuel N’Gabo Zimmer, au cœur même de la démarche de l’artiste. Il passe des heures à choisir le papier, « à caresser les feuilles les yeux fermés (…) le papier doit freiner l’encre », la densité du grain a donc toute son importance. Le papier est le premier « point d’ancrage » des œuvres avant même les volutes, les boucles et la mise en place, le déploiement de l’image.

Le grainage du papier détermine l’outil qu’il conçoit lui-même, en fonction du papier bien entendu, mais aussi de l’humidité ambiante. En effet il retravaille les encres pour atteindre une parfaite densité de noir. Cela peut prendre plusieurs jours en fonction de la météo qui influe sur ses préparations. Tel un alchimiste, il donne vie à l’inerte. A travers une patiente élaboration de croquis et de dessins préparatoires, le travail sur les contrastes et les mouvements de Samuel N’Gabo Zimmer semble se muer en rythme. L’élément de base est en noir et blanc, telle une partition. Il peut se voir de temps à autre, rehaussé de couleurs.

La couleur semble alors surgir et renforce l’illusion rythmique. Rythme que l’on peut retrouver dans certains titres de dessins qui portent les noms d’instruments de musiques et de titres de chansons. Le format n’est pas anodin non plus, présenté sur plusieurs mètres, il devient monumental. Ce qui induit et impose un positionnement de la part du spectateur, contraint à prendre du recul pour apprécier l’ouvrage dans son ensemble, et à se rapprocher pour se voir révéler certains détails. Ce rôle du public est très important pour N’Gabo Zimmer car c’est une manière d’immiscer le spectateur au sein du processus créatif, en lui faisant jouer un rôle de médiateur.

Chacun étant libre d’y lire selon sa tradition et ses références, les connexions qu’il repère et décide d’associer. Les œuvres de Samuel N’Gabo Zimmer sont une véritable invitation au dialogue, dans lequel la nature est un idéal de modèle de liens qui se tissent et d’interconnexions. Ce qui se joue finalement ici, à travers cette ode à la nature, c’est une représentation ontologique du monde végétal, symbole d’un éternel recommencement et du lien universel. »

Artskop3437 projet spécial pour DDESSIN {20}

À l’occasion de DDESSIN {20}, Artskop3437 met en place un projet spécial présentant trois artistes contemporains du continent africain. Un format de collaboration spécifique permettant aux artistes émergents, comme Peteros Ndunde, d’avoir une chance d’être présents sur un marché international.

Le choix des artistes Diane Victor et Nú Barreto, artistes reconnus à l’international, permet à Peteros Ndunde de pouvoir faire dialoguer ses œuvres avec celles d’artistes établis présents dans les collections de nombreuses institutions publiques et privées. Un dialogue s’articulant autour d’un dénominateur commun, celui de l’exploration des émotions et comportements humains sous diverses perspectives.

Le projet d’Artskop3437 est manifeste : créer un point de rencontre pour découvrir, comprendre, considérer l’Afrique, plurielle et mondiale, à travers sa création.

Artskop3437 propose, dans le cadre de collaborations spécifiques, de présenter le travail d’une sélection d’artistes contemporains en lien avec le continent africain, à l’occasion de foires internationales d’art et d’expositions éphémères. L’ensemble ayant notamment pour but d’offrir à ces artistes une meilleure visibilité, ainsi qu’un accès facilité au marché international de l’art.

Atelier Richelieu

18 au 20 septembre 2020

60, rue de Richelieu – 75002 Paris

Entrée : 14 euros

Tarif réduit : 9 euros Entrée gratuite pour les moins de 14 ans

www.ddessinparis.com

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Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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En plus des 45 galeries internationales qui participeront à la septième édition, 1-54 présentera une sélection élargie de projets spéciaux.

Mary Sibande : Je me suis séparée des coutures en partenariat avec le Somerset House

Après le succès des expositions solo de Malick Sidibé, Hassan Hajajj et Athi-Patra Ruga, 1-54 s’est de nouveau associée au Somerset House pour présenter I Came Apart at the Seams – Je me suis séparée des coutures – , une exposition d’œuvres inédites et prestigieuses de Mary Sibande, une, des artistes sud-africaines contemporaines les plus reconnues. Pour sa première exposition personnelle au Royaume-Uni, Sibande présente des œuvres photographiques et sculpturales qui explorent le pouvoir de l’imagination et de la colère vertueuse dans la formation de l’identité post-coloniale en Afrique du Sud. On suit le parcours de l’alter ego de Sibande, Sophie. Cette dernière traverse le temps, la couleur et la forme. L’artiste porte une attention particulière au corps, et en particulier la façon dont il est vêtu, l’explorant ainsi comme un lieu où l’histoire et son héritage peuvent être contestés et redressés. L’exposition s’ouvrira en même temps que la foire et se poursuivra jusqu’au 5 janvier 2020.

Nando’s en partenariat avec le Fonds d’Art Spiers

Nando’s, sponsor de la foire, présentera des œuvres à vendre de quatre artistes d’Afrique australe en partenariat avec le fonds d’Art Spier : Nelsa Guambe, Sepideh Mehraban, Qaqambile Bead Studio et Mxolisi Dolla Sapeta. La foire s’associe à Nando’s, dont le mécénat pour l’art contemporain d’Afrique australe, permet à la fois l’évolution de carrière des artistes et la pérennité de Nando’s. En permettant aux artistes de se consacrer à plein temps à leur carrière artistique avec la possibilité de gagner un revenu régulier, Nando’s aide également les collectionneurs à développer des collections prestigieuses d’art contemporain en Afrique australe.

L’espace lounge VIP mis en scène par Distill2710

Cette année encore, l’espace lounge VIP de la foire deviendra une expérience immersive inspirée par les concepts uniques du patrimoine Yoruba et de l’art africain, présentés par Distill2710, le studio de design et de conseil de Tola Ojuolape. Blue Cloth examinera les textiles nigérians et l’artisanat qu’ils représentent comme arrière-plan et source d’inspiration, influencés par les œuvres de l’artiste pionnière nigériane, Nike Davies-Okundaye. Distill2710 créera un espace commun de rassemblement au cœur de la foire, explorant l’art du textile en mettant en valeur et en exposant les colorants traditionnels nigérians Adire Batiq & Indigo.

Aïda Muluneh : Water Life en partenariat avec le Somerset House

Engagée dans les questions de rareté de l’eau et d’urgence écologique, la photographe Aïda Muluneh présente une nouvelle série de travaux commissionnés par WaterAid et soutenus par la Fondation H&M. Les tableaux d’images afrofuturistes ont été tournés dans le contexte extrême de l’un des endroits les plus secs du monde, Dallol, dans le district d’Afar, en Ethiopie. En se remémorant ses voyages à travers le pays, Muluneh examine le nombre de femmes qui voyagent à pied en transportant de lourds conteneurs d’eau. Chaque image de ce corpus répond au défi de l’accès à l’eau, comme enjeu social ayant un impact direct sur les régions rurales et sur le développement de communautés entières.

Studio Kameni

Le Studio Kameni s’est donné pour mission d’explorer, de découvrir et de redonner vie aux archives photographiques de Michel « Papami » Kameni, qui a documenté l’évolution postcoloniale rapide de Yaoundé, la capitale du Cameroun, depuis 1963. Les images seront présentées pour la première fois au public, mettant en valeur l’étude intime de Michel « Papami » Kameni sur la relation entre le photographe et ses sujets, issus de tous les milieux sociaux et de milieux culturels variés. A travers ces images transparaissent les rêves et les aspirations d’une nation en transition, de nouvelles influences musicales, une mode occidentalisée et une fusion évolutive de tradition et de modernité.

Atelier le Grand Village : Bambo Sibiya, Mongezi Ncaphayi & Diane Victor

L’Atelier le Grand Village, une résidence d’artistes située dans le sud-Ouest de la France, dédiée à faire revivre la lithographie sur pierre, présentera des œuvres de trois artistes majeurs qui figurent dans des collections publiques et privées en Afrique du Sud et à l’étranger. Les lithographies et sérigraphies de Bambo Sibiya, riches en détails stylistiques et en textures, seront présentées aux côtés d’estampes abstraites de Mongezi Ncaphayi et d’œuvres de Diane Victor à la manière noire, à base de cendres ou de suie qui traitent des tabous de la société sud-africaine, de la vie sociale et politique marquée par la violence, la corruption et les disparités sociales.

C& présente des éditions de l’artiste: Kapwani Kiwanga

Dans le cadre de son projet C& Editions d’œuvres d’Artistes spécialement commandées par des artistes collaborateurs, C& présentera une série de petites sculptures de Kapwani Kiwanga, qui font référence à la proposition de l’urbaniste colonial français Hubert Lyautey de placer une mesure de 500 pieds entre les zones indigènes et européennes. Il l’a fait lors du Congrès international d’urbanisme dans les colonies qui s’est tenu à Paris, en France, en 1931, à l’occasion de l’Exposition coloniale qui se tenait dans la ville. Les notes publiées à l’issue du Congrès incluaient la recommandation de Lyautey, qui a eu une influence particulière sur l’urbanisation du Maroc. Sa proposition a fini par être connue sous le nom de doctrine Lyautey.

Menace: Silva Rosi & Anne-Marie Akussah

1-54 accueillera également un projet spécial de Thread, un centre culturel et un programme de résidence d’artistes à Sinthian, un village isolé de l’est du Sénégal. Thread mettra en évidence les liens culturels qui mettent en lumière le travail de deux jeunes artistes londoniens, la photographe Silvia Rosi et la peintre Anne-Marie Akussah qui, pendant leur résidence à Thread, ont exploré des idées sur l’identité et la migration, et dont les sujets sont liés à leur propre héritage ouest-africain.

Versant Sud: Leikun Nahusenay

VERSANT SUD présentera une exposition personnelle d’œuvres de l’artiste éthiopien Leikun Nahusenay, créées durant sa résidence de deux mois à Marseille. Nahusenay créera également une œuvre d’art in situ, live pendant la foire. VERSANT SUD propose un programme de résidences et d’échanges artistiques dans deux zones géographiques, le sud de la France et les capitales africaines. Le programme de résidence aide à révéler les talents, permet la professionnalisation des artistes, met en relation les artistes et les collectionneurs et joue un rôle clé dans la mobilité. VERSANT SUD a été lancé en 2018, avec son premier programme dédié à Addis Abeba, capitale de l’Ethiopie.

Artskop3437 est sponsor média de l’édition 2019 de Londres de 1-54

1-54 Foire d’Art Contemporain Africain

3-6 Octobre 2019, Somerset House

Londres Somerset HouseStrand, Londres WC2R 1LA

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À l’Atelier le Grand Village, fondé par Francis van der Riet, Victor aime venir échapper à la vie trépidante de Johannesburg. J’étais très curieux d’en savoir plus sur son travail qui semble si sévère, sombre, très souvent satirique. Francis crée ici, à l’Atelier, une formidable atmosphère de résidence où des artistes d’Afrique du Sud, des Etats-Unis, du Brésil, de Bulgarie…viennent et apprécient travailler ici. Victor, dans le cadre de l’exposition « Lithographies et Tissages : une exposition d’artistes en dialogue », organisée par Francis au pôle des métiers d’art de la ville de Nontron, a donné une démonstration de dessin à la suie pour la première fois en Nouvelle Aquitaine…

Artskop3437 : Diane, merci de me recevoir dans ce bel Atelier le Grand Village. Diriez-vous que vous êtes une personne heureuse ?

Diane Victor : Merci tout d’abord, d’être venus. Je me considère vraiment comme une personne très positive. Je pense que c’est un privilège d’être une artiste, ce qui me parait presque impossible de ne pas l’être. Mais je suis certainement une personne heureuse. Sans doute mes oeuvres traitent de sujets assez difficiles et j’explore des problématiques assez sérieuses voir sombres. Mais, c’est nécessaire pour moi de créer ces images. Je ne peux pas résoudre les problèmes du monde, mais je peux certainement créer des images qui en exposent les problématiques et peut-être sensibiliser les personnes aux situations. C’est donc important pour moi. Par contre, ça ne me rend pas pour autant malheureuse.

Et être ici, au Grand Village, c’est merveilleux. Comme vous le dites si bien, c’est une bouffée d’air frais par rapport à l’agitation perpétuelle de Johannesburg, aux cours d’art que je donne à l’Université, à mon atelier, et à la circulation. C’est toujours très agréable de venir travailler ici.

Artskop3437: Depuis combien de temps (re)venez-vous à l’Atelier le Grand Village ? 

Diane Victor: C’est ma quatrième fois.

Artskop3437: Qu’est-ce-qui vous donne tant envie de revenir ? 

Diane Victor: J’aime beaucoup travailler ici. J’aime travailler avec Francis et les artistes qu’il accueille en résidence. J’aime aussi le fait d’avoir l’opportunité de pouvoir me concentrer. Je pense que vous savez qu’il est beaucoup plus difficile de se concentrer dans la ville où vous vivez, car il y a toujours quelqu’un qui dit : « Peux-tu faire cela pour moi? » Ou bien il y a un étudiant qui dit « Oh, viens voir mon travail« , ce qui est bien dans un sens, mais pour se concentrer sur son propre travail, … une nouvelle série d’oeuvres , il faut prendre du recul. De plus, c’est si beau ici.

Artskop3437: Oui, c’est vrai. Surtout en été. La nature est splendide.

DV : C’est si vert, on n’a jamais eu ce vert, c’est vert européen, pas sud-africain. Chaque fois que vous levez les yeux, c’est comme si vous étiez ébloui par la luxuriance de la nature et de ses paysages. C’est vraiment fantastique. Alors oui, c’est un excellent endroit pour travailler.

À l’Atelier Le Grand Village, Côme Touvey, designer textile, et Diane Victor ont réalisé une image tissée. Touvay a créé un large textile tissé, 100% lin, d’après un dessin à la suie de Diane Victor. L’oeuvre est entièrement tissée grâce notamment à la manipulation de nombreuses nuances de gris. C’est cette technique qui a permis de tisser le dessin de Diane Victor. Ce qui rend cette oeuvre très spéciale, c’est que ce n’est pas une tapisserie.

C’est ce genre de collaboration, avec des techniques diverses issues de diverses pratiques artistiques, que Victor apprécie vraiment et c’est l’une des principales raisons pour lesquelles elle revient toujours à l’Atelier le Grand Village. Elle apprend auprès d’autres artistes de l’atelier. « Il y a toujours un échange », dit Victor.

Francis van der Riet, le fondateur de l’Atelier le Grand Village, confiait alors que l’idée d’une image tissée lui était venue lors d’une conversation avec le designer textile Touvay. C’était pour lui une évidence, car les tissages de Touvay sont des œuvres d’art à part entière. Tissage entièrement à la main, fil après fil, cela demande des heures de travail, surtout dans le cas d’une pièce de cette envergure, 320 cm par 300 cm. On pourrait penser que le dessin de Diane Victor a été imprimé, mais il s’agit bel et bien une image tissée.

Artskop3437: Diane, vos oeuvres traitent de sujets plutôt difficiles et de diverses questions de société telles que la condition des femmes, la guerre civile, les animaux, la condition humaine….

D.V : Oui, en effet. Je traite pas mal de condition sociale et de condition humaine dans mes oeuvres.

Artskop3437: Quand on observe votre art, visuellement il se caractérise par une forte présence monochromatique, de noir et blanc…

D.V: Graphique. Il s’agit d’enjeux forts et j’essaie de créer des images fortes. Oui. On vit dans un pays qui a beaucoup de problèmes. Un pays qui s’améliore bien sûr et les choses s’améliorent, mais beaucoup de problèmes ne sont pas aussi exposés qu’ils le devraient, à mon avis. Donc, je veux exposer ces sujets comme la violence faite aux femmes.

Il y a des cas horribles de violence très souvent dans les couples, des partenaires qui tuent leur femme ou leur petite amie. Ces choses me mettent très en colère. Quand je suis en colère, ma façon de la résoudre ou d’essayer d’y faire face est de créer une image. C’est presque comme ferait un enfant. Vous dessinez ce que vous ne pouvez pas… pas ce que vous ne pouvez pas comprendre…, mais en dessinant quelque chose que vous y pensez. Le dessin me permet de réfléchir aux problèmes et de produire quelque chose qui sensibilise peut-être le public sur des problématiques dont ils ne sont pas conscients. Tant de gens ne veulent rien dire. Pour moi, c’est le pire.

Artskop3437: L’indifference…

D.V:  Oui, l’indifférence. Pour moi c’est le pire.

Artskop3437 : C’est l’une des choses que vous semblez haïr le plus…

D.V: L’indifférence me met en colère. Ce que je déteste le plus. Je préfère faire un travail qui met quelqu’un d’autre en colère. Au moins, ils réagissent et ça les fait réfléchir. S’ils viennent et qu’ils disent « Oh, c’est sympa »… Alors je sais que j’ai raté ma mission. J’essaie donc de transmettre cette pensée à mes étudiants. « Être responsable des images que vous produisez« . Parce que vous laissez quelque chose qui aura sans doute une influence sur quelqu’un.

Artskop3437: L’art devrait-il être engagé selon vous ? 

D.V: Pour moi c’est important. Sûrement pas pour tout le monde.

Artskop3437: Vous ne semblez pas être dans une recherche systématique d’une esthétique – conventionnelle – dans vos oeuvres ? 

D.V: La dimension esthétique est importante. Je souhaite faire passer un message. Selon moi, le meilleur moyen est de produire une image qui attire les gens. Si c’est juste un avis, ils diront « Oh, j’ai déjà entendu cela auparavant ». Si c’est trop violent ou trop agressif, le système de défense de chacun entre en jeu et ils diront « Non ». J’associe donc le travail à une image esthétique qui fait plaisir. Et lorsque vous regardez une oeuvre, en tant que spectateur, vous vous engagez. Vous regardez et vous – vous – posez des questions, vous voyez quelque chose et vous vous demandez : « Oh qu’est-ce que c’est ? ».

Ensuite si les gens sont suffisamment intéressés, ils liront et/ou iront plus loin dans leur démarche… C’est donc une façon plus subtile de soulever des questions. Sans être trop invasive comme une simple photo dans un journal ou à la télé. Les gens se disent souvent « Oh non, je ne veux pas le savoir, cela me déprime ». Je trouve qu’il est bon de penser à ces problématiques. J’essaie donc d’éveiller les consciences subtilement en combinant mes propres éléments esthétiques. Et je prends du plaisir dans le travail que je fais. Je ne peux pas mentir. J’aime dessiner. J’en tire une très grande satisfaction. Je me sens très privilégiée d’être une artiste… Au final c’est donc une façon d’essayer de gérer les choses qui me mettent en colère. Ça me rend positive aussi de faire ça.

Artskop3437: J’ai entendu dire un jour que lorsque vous n’êtes pas en colère, vous vous considérez comme une artiste inutile.

D.V: haha… Je suis une artiste inutile quand je ne suis pas en colère, c’est vrai. Quand je suis heureuse, il n’y a pas d’énergie. C’est étrange à expliquer, mais avec la colère il y a de la concentration. Quand je suis heureuse, je préfère faire la fête, ou une promenade. Mais s’il y a quelque chose qui m’empêche de dormir c’est sûrement parce que je suis colère ou un truc qui me ronge, c’est là que je vais dessiner.

Artskop3437: C’est donc un moyen de canaliser cette colère et d’en faire quelque chose ? 

D.V: Exactement. Et je dois dire que parfois, je suis assise dans la voiture en plein embouteillages, j’entends quelque chose à la radio et je me dis « Oh, c’est vraiment fou ». Puis, je dessine dans la voiture pendant que je suis assise. Afin de pouvoir fixer et me souvenir de l’intensité de cette énergie. De ce que j’ai ressenti à ce moment précis.

Artskop3437: Il y a aussi beaucoup d’animaux sauvages dans vos oeuvres la plupart du temps. Crocodiles, sangliers, loups, rhinocéros… et plus récemment un gorille. En fait, il y a un gorille que vous avez réalisé ici à l’Atelier le Grand Village. S’agit-il d’un dessin à la suie n’est ce pas ? 

D.V: Oui en effet, c’est un dessin à la suie.

Artskop3437: Pouvez-vous m’en dire plus ? 

D.V: Je m’intéresse aux particularités animales chez l’humain. Parce que nous sommes tous des animaux en voie d’extinction…

C’est mon moyen de représenter comment les gens pensent ou d’explorer leurs liens par rapport aux animaux. La violence faite aux les animaux, aussi. Je trouve que les gorilles sont incroyables. Ils sont incroyablement intelligents. J’ai beaucoup lu récemment sur l’histoire et la préhistoire, et sur l’évolution, et ce sont en fait des cousins. Ils font partie de la famille de l’homme.

Artskop3437 : Parlez-vous de la théorie de l’évolution de Darwin ? 

D.V : Oui. En gros, oui. Ils font partie de la famille de l’homme. Ce sont des frères. Nous sommes tellement responsables de la destruction d’ espaces naturels, dont beaucoup en Afrique centrale. Soit rappelons le, est le milieu naturel des chimpanzés et des gorilles. C’est vraiment grave. C’est aussi le reflet de la violence qui existe dans nos sociétés.

J’essaie d’utiliser des images d’animaux comme moyen de médiation et de dire que les animaux font partie de notre nature, ecosystème. Ils font partie de notre nature humaine. Comment nous réagissons face à eux, et comment nous devenons parfois l’incarnation du côté sauvage d’un animal quand nous sommes en colère ou quand il y a trop de violence.

Aussi parce que j’ai grandi avec des animaux. J’ai eu la chance de grandir dans une petite ferme, un petit espace avec des chats, des chiens, des chevaux…et…ils sont importants pour moi. Tout compte fait c’est aussi une métaphore de ce que fait la société.

Artskop3437: Est-ce qu’il y a une raison particulière pour laquelle vous avez choisi de dessiner le gorille avec la technique du dessin à la suie ?

D.V: Parce qu’ils sont vulnérables. Peut-être que si rien de sérieux n’en fait pour protéger cette espèce…. La suie ne peut pas être réparée, si vous la touchez, elle est perdue. Elle dispose d’un caractère permanent parce que c’est de la suie. Cependant si vous y touchez, c’est fini. Pour moi, le médium est une grande partie le message que je souhaite faire passer. Ils sont comme des fantômes….

Si aucun d’effort n’est fait, ils sont perdus. Mais le médium est aussi pour moi un très bon outil de travail. Parce qu’on ne peut pas si bien contrôler cette technique de dessin à la suie, on ne fait que suivre la flamme. C’est donc une traque. On n’a pas tant de contrôle que ça. J’aime travailler avec des médiums qui attendent de moi. Je réalise aussi des gravures à l’eau-forte, et avec ce type de gravures vous créez une marque et elle y demeure. Elle ne bouge pas. Par contre avec la suie ou la cendre, car je crée aussi des oeuvres à la cendre, je me dois d’être plus flexible. Cela m’apprend à être plus fluide et plus adaptable.

Artskop3437: D’une certaine façon, c’est donc aussi une métaphore de la vie, car il faut savoir s’adapter et prendre les choses comme elles se présentent…

D.V: Exactement. Et j’aime le fait que le médium me parle, me dise ce qu’il veut. C’est un dialogue entre ma main et la matière.

Artskop3437: Quand avez-vous débuté les dessins à la suie ?

D.V: C’était en 2001. Presqu’une vingtaine d’années.

Artskop3437: Est-ce une technique que vous avez développé? Et comment en êtes-vous arrivé à faire ce travail ? 

D.V: D’autres personnes utilisent la suie, mais pas en mains libres. Ils rendent la suie plate par exemple. J’utilise ma propre technique de dessin à l’envers. Je travaillais à l’université du Cap-Oriental, et on m’a demandé de faire un travail pour une exposition sur les questions liées au VIH. Je me suis demandé ce que je pouvais apporter de nouveau ?  Et puis j’étais à l’un de mes cours d’enseignement, je travaillais sur des méthodes alternatives de dessin lorsqu’une étudiante avait une bougie, et elle disait « Oh, je ne peux pas utiliser ça ». Je lui ai dis « Regarde, tu sais dessiner ». … et l’étudiante ne l’a pas fait en disant : « c’était trop difficile, ça ne marche pas pour moi ».

D.V: J’ai donc réalisé cet ensemble d’œuvres dans la province du Cap-Oriental. C’est une région très pauvre et où le taux de transmission du VIH était très élevé. Ma proposition était de faire 40 portraits de personnes qui l’accepteraient, avec de la suie. Parce que leur vie est si fragile et vulnérable, la suie était un médium approprié. Comme la suie est très collante, je me suis souvenu que je ressemblais à un livreur de pizza parce que j’avais mis les dessins dans des boîtes à pizza pour les protéger. Aussi, je dois préciser que différentes bougies donnent des suies différentes. Moins elles sont chères, plus il y a de paraffine, et mieux c’est.

Dans la voiture, alors que Victor et moi étions en route pour sa démonstration de dessin à la suie à l’exposition « Tissages et lithographies » dont elle fait partie, elle me confia qu’elle avait l’habitude de courir. C’était avant sa greffe de rein. Maintenant, elle marche beaucoup. Courir lui manque extrêmement, cependant les médecins ne lui recommande pas. J’étais également intrigué de savoir comment sa carrière artistique avait débuté et si elle était en quelque sorte prédestinée à cela. Et surtout si elle en avait conscience à l’époque. À ma grande surprise, elle avoua que son père, un homme très strict, souhaitait qu’elle fasse des études pour devenir dentiste. A cette époque, à l’université, l’art et surtout le dessin, était pour elle un cours optionnel. Ce n’est qu’ après le décès de son père, d’une maladie rénale polykystique des reins (MPR), qu’en quelque sorte elle considéra sérieusement la voie de l’art. « Je serais probablement devenue dentiste », lâcha t-elle avec émotion.

Diane victor séjournera à l’Atelier le Grand Village pendant environ un mois pour terminer une série de travaux entamée lors de son dernier séjour et débutera une nouvelle série d’oeuvres.

Des oeuvres de Diane Victor sont actuellement disponibles à l’acquisition à l’Atelier le Grand Village. Contactez nous à contact@s960436671.onlinehome.fr

Atelier le Grand Village
7 le Grand Village
16310, Massignac
www.legrandvillage.net
Instagram @atelierlegrandvillage

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