Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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La Fondation Norval présente la première recherche sur la pratique sculpturale de l’artiste de renommée internationale William Kentridge. Dans Why Should I Hesitate : Sculpture traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture » – les visiteurs découvrent une série d’œuvres nouvelles et historiques qui ont été crées au cours des deux dernières décennies et qui racontent l’engagement de Kentridge dans la forme tridimensionnelle.

Du 24 août 2019 au 23 mars 2020, l’exposition de la Fondation Norval coïncide avec une exposition complémentaire Why Should I Hesitate ? Putting Drawings To Work, traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter ? Mettre les dessins à l’oeuvre » au Musée d’Art Contemporain ZEITZ MOCAA qui se focalise sur la pratique du dessin de Kentridge.

La première exposition consacrée à l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur

Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est la première exposition internationale à traiter de l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur, et elle constitue un point de vue unique sur cet aspect de sa pratique. Couvrant plusieurs corpus d’œuvres, et témoignant d’une longue improvisation dans le maniement de la forme tridimensionnelle, cette exposition voit l’origine de ces œuvres dans les accessoires de ses opéras et dans les images de ses animations sortant de la scène et de l’écran, nous confrontant directement au niveau du sol. Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture présente également en avant-première de nouvelles œuvres spécialement commissionnées dans le cadre de cette exposition.

Une préoccupation centrale de Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est de faire comprendre que les sculptures de Kentridge présentent une liberté spontanée et ne répondent à aucune forme ou esthétique dictée.

Les sculptures cinétiques utilisent des mégaphones sur des trépieds d’arpentage, un clin d’œil au constructivisme russe, et impliquent la diffusion par un propagandiste d’une autorité impersonnelle et mécanique. Dans Trio de chanteur (2018), par exemple, les machines à coudre « prêtes à l’emploi » se voient offrir des voix pour une performance jouée à l’unisson avec leurs mégaphones synchronisés alors qu’ils prennent une présence nouvelle et humoristique dans ce monde. De nombreuses sculptures de Kentridge incarnent un spectacle animé. En procédant à une construction apparemment aléatoire de plans abstraits, comme dans Le Monde sur ses pattes arrières (2009), nous voyons comment des formes graphiques s’alignent de façon inattendue, s’intégrant dans un tout organisé qui est chargé visuellement et métaphoriquement. Déplacez-vous un peu plus loin et la forme se dissipe à nouveau.

« La Fondation Norval présente, pour la première fois, une exposition consacrée exclusivement à la pratique sculpturale de William Kentridge, en collaboration avec l’artiste et son atelier. Les sculptures de Kentridge adoptent une approche spontanée et ont récemment évolué vers le massif et le monumental. Simultanément, et en tension avec les aspects monumentaux de sa pratique, il se révèle être autant chorégraphe que sculpteur »

Karel Nel, Commissaire d’exposition principal à la Fondation Norval.

Ailleurs, le répertoire d’objets du quotidien et d’idées spontanées de Kentridge est traduit en rangées de petites sculptures en bronze, disposées de façon syntaxique sur une étagère pour être lues comme des lignes de texte sur une page. Dans le paragraphe II (2018), le cheval, le nez, le pichet, la cruche, la caméra, le mégaphone et d’autres s’alignent pour faire des rebus, ces puzzles visuels évoquant des mots qui ont tant plu aux premiers surréalistes.

Plusieurs pièces du lexique visuel de Kentridge ont été retravaillées en prototypes de plâtre à l’échelle, à partir desquels des sculptures monumentales en bronze ont été coulées : un gigantesque tire-bouchon, une cruche effondrée d’origine cubiste, une fleur visuelle en forme d’esperluette et la présence intense d’une énorme caméra de cinéma – peut-être l’alter ego observateur du prodigieux chef-d’oeuvre de Kentridge ?

Le récit rompu, si puissamment visible dans l’œuvre de Kentridge, est chorégraphié en dislocations enchevêtrées qui se heurtent à l’espace entre le personnel et le politique, l’opéra et le mondain, l’apparemment non pertinent et le social pertinent. L’approche des sculptures de Kentridge nous ouvre sur un paysage dadaïste, à la fois provocateur et séducteur.

« La Fondation Norval est fière d’accueillir Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture. Un aspect clé de la Fondation est notre engagement à exposer les pratiques sculpturales et d’installation d’une variété d’artistes, ce qui est facilité par notre édifice conçu à cette fin. En particulier, nous invitons les artistes et les commissaires d’exposition à répondre à la galerie huit, la plus grande, dont l’exposition de William Kentridge en est le plus bel exemple. La galerie est dotée de planchers renforcés pour supporter des œuvres pesant jusqu’à huit tonnes et atteignant jusqu’à neuf mètres de haut. La taille monumentale de cette galerie contraste idéalement avec les sculptures anti-monumentales, spontanées et théâtrales qui font partie de cette exposition. » 

Elana Brundyn, CEO, Norval Foundation.

Une publication ajoute une expérience d’accès aux coulisses de l’exposition

Pourquoi devrais-je hésiter: Sculpture sera accompagnée d’une publication visuellement riche, conçue en collaboration avec l’artiste, prolongeant l’exposition sur support imprimé. Il comprend une section d’un format catalogue raisonné de la pratique sculpturale de William Kentridge à ce jour, avec une autre présentant des esquisses préparatoires pour plusieurs œuvres clés. Il comprend également un essai photographique retraçant l’évolution des grandes sculptures du Lexique de Kentridge qui font partie de l’exposition, de la maquette à l’original en plâtre, en passant par le processus de moulage du bronze lui-même. David Freedberg, professeur d’histoire de l’art à l’Université Columbia et directeur de l’Académie italienne d’études avancées en Amérique, situe le travail de William Kentridge dans plusieurs pratiques artistiques et mouvements clés du canon historique de l’art occidental.

William Kentridge, Pourquoi devrais-je hésiter? : Sculpture
24 août 2019 – 23 mars 2020
Atrium et galeries 2-8
Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaires de l’exposition : Karel Nel, Owen Martin, Talia Naicker, Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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Cette exposition à la Fondation Norval présente l’œuvre vidéo immersive in Pursuit of Venus[infected] (2015-17) traduit par à la poursuite de Venus[infectée] (2015-17) de Lisa Reihana (née à Aotearoa, Nouvelle-Zélande, 1964). Intégrant des paysages peints à la main avec des figurines en mouvement et une bande sonore dense, à la poursuite de Venus[infectée] invite les spectateurs à observer une série d’événements historiques, réels et imaginaires, du premier contact entre les peuples britannique et ceux du Pacifique.

Plutôt que de reproduire une perspective européenne, qui domine la majorité des récits de ces temps, Reihana intègre les formes de connaissance et les pratiques sociales de Māori dans la façon dont le travail est structuré, offrant un contrepoint sophistiqué. Simultanément, à la poursuite de Venus[infectée] s’inspire des traditions de la culture populaire et du théâtre, y compris le panorama en mouvement, une sorte de peinture panoramique tournante de l’histoire qui était populaire dans les années 1800, et l’art du pantomime, une forme de comédie musicale.

D’une largeur de 17 mètres et d’une durée de 64 minutes, c’est le projet le plus ambitieux de l’artiste Māori des Premières nations d’Auckland, qui a nécessité une décennie de recherche, de tournage, de production et de post-production. Ceci est renforcé par l’utilisation de technologies numériques de pointe, y compris l’œuvre tournée en résolution 15k, pour former une expérience multimédia immersive pour le spectateur, plaçant la pratique de Reihana au sein d’une lignée d’artistes vidéo et d’installation tels que Nam June Paik, Isaac Julien et Pipolotti Rist.

Une référence clé de à la Poursuite de Venus[infectée] est un papier peint décoratif intitulé ‘Les Sauvages de la Mer Pacifique’ (1804-06), conçu par l’artiste français Jean-Gabriel Charvet et produit par Joseph Dufour et Cie, une société française spécialisée dans les papiers peints et textiles de luxe à la fin des années 1700 et 1800. Populaire parmi les Européens et les Américains fortunés de l’époque, le papier peint, formé de vingt feuilles séparées ou « gouttes », représente ostensiblement les différents peuples que l’explorateur et cartographe britannique James Cook a rencontré lors de ses trois voyages à travers le Pacifique de 1768 à sa mort en 1779.

Derrière les personnages se cache un paysage arcadien, des amalgames d’Hawaï, de Tahiti, d’Aotearoa, de Nouvelle-Zélande et d’autres endroits dans la vaste région du Pacifique. Cet espace imaginaire reflète davantage la façon dont les Britanniques voyaient les peuples qu’ils rencontraient, et donc l’opportunité d’observer les Britanniques, plutôt que les peuples et les cultures eux-mêmes.

En effet, lorsque Reihana s’est retrouvée devant « Les Sauvages de la Mer Pacifique » pour la première fois à la Galerie Nationale d’Australie (Sydney), elle a été frappée par la façon dont les représentations des peuples Māori dans cette œuvre ont été retirées de sa propre expérience en tant que personne Māori. En réponse, elle a créé une « contre-archive », comme l’a caractérisé le savant Nikos Papastergiadis, présentant ainsi une série complexe de rencontres et une compréhension nuancée des peuples Māori.

Lisa Reihana est une artiste multidisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la sculpture, à la parure de costumes et de corps, à l’écriture et à la photographie. Depuis les années 1990, elle a considérablement influencé le développement de l’art contemporain et de l’art maori contemporain à Aotearoa en Nouvelle-Zélande.

Elle a acquis une réputation exceptionnelle en tant qu’artiste, productrice et interlocutrice culturelle grâce à l’attention qu’elle porte aux complexités des langages photographiques et cinématographiques contemporains qui s’expriment de multiples façons. Sa capacité à exploiter et à manipuler une valeur de production séduisante est souvent exprimée par des portraits où elle explore comment l’identité et l’histoire sont représentées. Ainsi que l’intersection de ces idées avec les concepts de lieu et de communauté.

Les trois voyages de Cook dans le Pacifique, en tant qu’événements historiques, figurent également directement dans l’œuvre de Reihana. En particulier, le titre fait référence à la fois au passage de Vénus que Cook a observé en 1769 à Tahiti, ainsi qu’au début du projet colonial britannique dans le Pacifique. L’observation de cet événement astronomique remarquable a constitué un jalon dans l’histoire de l’astronomie, facilitant le calcul précis de la distance de la Terre non seulement à la planète Vénus, mais aussi de la distance de la Terre au soleil.

Dans une séquence de à la Poursuite de Venus[infectée], un astronome britannique, probablement Cook, discute de l’utilisation d’un télescope avec un groupe de Māoris, et plus tard un télescope est à nouveau visible en arrière-plan. Pourtant, aussi remarquable que soit cette réalisation scientifique, l’arrivée des Britanniques dans le Pacifique a marqué le début d’une période dévastatrice de colonisation européenne, dont les conséquences sont encore en cours d’étude.

Reihana a représenté la Nouvelle-Zélande à la Biennale de Venise en 2017 avec l’installation vidéo à grande échelle de à la Poursuite de Venus[infectée] (2015-17). L’œuvre a été créée à la galerie d’art d’Auckland en mai 2015 et est depuis devenue une œuvre phare dans le canon de l’histoire de l’art d’Aotearoa en Nouvelle Zélande. L’œuvre à la Poursuite de Venus[infectée] a depuis été présentée dans le monde entier et a été largement acclamée par la critique.

En 2014, Reihana s’est vu décerner le prix Arts Laureate Award par la fondation des arts de Nouvelle-Zélande, le Te Tohu Toi Ke Te Waka Toi – le prix Mãori de l’innovation artistique créative de Nouvelle-Zélande en 2015, et en 2018, elle a été nommée membre de l’Ordre du Mérite de Nouvelle-Zélande.

Reihana aborde les questions du post-colonialisme, de l’injustice, des relations transnationales et de l’autonomie autochtone. Elle dit que le travail vise à « indiquer un niveau de complexité, à susciter une sorte d’empathie et à alerter les gens ». L’impact du colonialisme n’est pas unique au Pacifique ou relégué au passé. À la Poursuite de Venus[infectée] soulève des questions pertinentes pour toute société contemporaine qui souhaite apprendre de ses erreurs.

 

À La poursuite de Vénus[infectée] : Lisa Reihana
3 août 2019 – 20 janvier 2020
Galerie 1, Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaire de l’exposition : Owen Martin
Coordonnatrice du programme de conservation et du programme public : Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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