La genèse de cet énigmatique titre d’exposition

Le titre de cette exposition du Quai Branly provient d’un texte écrit en 1801 par l’écrivain allemand Ludwig Hülsen. Alors qu’il observe un paysage, il décrit sa vision et comment son œil a pu reconstruire une cohésion dans un paysage étranger qui était auparavant perçu par fragments. Selon Chrisitine Barthe, la commissaire le titre invite donc le visiteur à s’approprier/se réapproprier des images tout en questionnant notre capacité à interpréter les informations visuelles ainsi que notre rapport à la notion de temporalité.

L’exposition, divisée en cinq parties avec un préambule s’ouvre sur l’œuvre spectaculaire du Camerounais Samuel Fosso, SIXSIXSIX, composée de 666 autoportraits Polaroid, jamais montrés auparavant dans leur intégralité. Une manière de plonger instantanément le visiteur dans un univers inconnu dans lequel on se perd. Avec ces images assez brutes, sans retouche ou maquillage, le visiteur est directement confronté à la question : Qui regarde qui ?

Une autre œuvre de Samuel Fosso intitulée African Spirits se trouve également un peu plus loin dans la troisième partie de l’exposition, dans laquelle il incarne plusieurs figures clés des indépendances africaines et du mouvement afro-américain des droits civils. On y trouve entre autres Aimé Césaire, Malcolm X et Seydou Keita.

Première partie de l’exposition: L’image est-elle un regard fixe ?

La première partie consiste en six séries de photographies qui abordent la pratique comme une collection de fragments visuels de la réalité. Elle rend compte du fait que les informations visuelles peuvent être interprétées de multiples façon différentes selon comment l’opération photographique de cadrage a été abordée. La photographie peut être une vitrine des agitations urbaines comme le montre le travail du Sud-Africain Guy Tillim à Harrara, Luanda ou Nairobi, ou une enquête méticuleuse, une manière de recueillir des indices comme le révèle la photographie Jo Ractliffe. Elle peut également être un moyen de restituer une atmosphère particulière avec des couleurs, des odeurs et des émotions frôlant la fiction, comme on peut le voir dans l’œuvre du mexicain José Luis Cuevas.

Seconde partie de l’exposition : Se reconnaître dans une image

Cette section est entre autres basée sur l’ouvrage fondateur de Santu Mofokeng, The black photo / Look at me, un diaporama qui reproduit des photographies historiques de la bourgeoisie noire sud-africaine du début du XXe siècle. L’artiste sud-africain aborde la question de l’image comme moyen d’identification, comme modèle, comme référence. Ces clichés montrent des portraits de la bourgeoisie noire sud-africaine au début du XXe siècle qui avaient disparu de nos mémoires. L’artiste s’interroge sur les conditions et la signification de ces visibilités à l’époque où elles ont été réalisées et aujourd’hui.

Troisième partie de l’exposition : Les images se pensent entre elles

Cette partie, qui constitue le grand espace central de l’exposition, fait place à des formes de narration visuelle. Elle traite des méthodes de travail, de la manière dont nous associons les images pour créer une histoire, et de la façon dont la photographie provoque la parole. Elle comprend des œuvres de Katia Kameli (France), plusieurs installations de grande envergure telles que Horizon de Brook Andrew (Australie) ou Crossing the farther shore de Dinh Q. Lê (Vietnam) . À propos de cette dernière, il s’agit d’une construction composée de plusieurs photos suspendues formant une sorte de refuge. Ayant perdu toutes ses photos de famille lors de son exode, l’artiste tente de préserver une trace de l’histoire sud-vietnamiennes après qu’une grande partie de la population ait dû fuir à cause de l’invasion des Khmers rouges en 1978. Il cherche ainsi à combler les vides historiques à partir de différentes photographies acquises lors de ses voyages au Vietnam.

Quatrième partie de l’exposition : Histoires de paysages

Une quatrième section invite plusieurs artistes qui pratiquent des enquêtes approfondies. Les œuvres offrent des possibilités d’histoires alternatives liées à des événements spécifiques mais encore mal connus de notre histoire, où l’image agira comme un révélateur d’une situation ou d’un questionnement. On y retrouve des artistes tels que Sammy Baloji (République démocratique du Congo), Mario García Torrès (Mexique), Heba Y. Amin (Égypte), ou encore les recompositions imaginaires de Gosette Lubondo (République démocratique du Congo). Chacun explore à sa manière la question territoriale et la notion d’appropriation qui lui est associée.

Passages dans le temps, dernière partie de l’exposition

Cette partie évoque diverses temporalités décalées. Elle montre comment des représentations éloignées dans le temps peuvent soudainement prendre une nouvelle pertinence, être remises en question, réactivées ou inversées. On retrouve par exemple, des artistes comme Yoshua Okón, qui propose une relecture ironique de la performance de Joseph Beuys I like America and America likes me ou encore Alexander Apóstol qui, en visitant une maison des années 50 à Caracas, s’interroge sur le passage à la modernité au Venezuela. L’artiste colombien José Alejandro Restrepo illustre également ce phénomène en se rendant dans les montagnes d’Amérique latine afin de reproduire le voyage de l’explorateur Alexander von Humboldt.

« À toi appartient le regard et (…) la liaison infinie entre les choses »

Musée du quai Branly – Jacques Chirac

Du 30 juin – 1er novembre 2020

37 Quai Branly, 75007

Paris

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L’exposition  « Notre monde brûle »  propose un regard engagé sur la création contemporaine depuis le Golfe Persique où les guerres et les tensions diplomatiques n’ont cessé de déterminer l’histoire de ce début de XXIe siècle. Le titre fait explicitement référence aux drames humains que génèrent les conflits successifs dans cette région tout en intégrant de manière plus large les catastrophes écologiques incarnées par les immenses feux de forêt destructeurs de l’Amazonie à la Sibérie en passant par la Californie. Mais le feu n’est pas uniquement l’affirmation d’un péril. De façon ambivalente, il est aussi le symbole du formidable élan démocratique que connait cette même région à travers les Printemps arabes.

De la destruction des trésors irakiens (Michael Rakowitz) au sort des réfugiés syriens (Monira Al Solh) en passant par le financement des Talibans à travers l’exploitation du lapis lazuli en Afghanistan (Asli Cavusoglu), Notre monde brûle présente un maillage complexe d’évènements auxquels les oeuvres d’art se réfèrent tout en offrant de multiples échappées poétiques.

L’exposition ouvre d’ailleurs sa réflexion à la problématique de l’Anthropocène (John Akomfrah, Yto Barrada, Raqs Media Collective) et à la question de l’usage des ressources naturelles (Monira Al Qadiri,  Sammy Baloji, Fabrice Hyber) afin de participer au débat sur la nécessité de changer notre rapport exclusivement utilitariste à l’environnement.

Elle affirme justement que les oeuvres ont une puissance d’intervention en prenant position face aux désordres du monde. Le feu revient alors à l’intensité de la création artistique à l’image des oeuvres qui s’inscrivent dans la lignée des soulèvements populaires du monde arabe (Shirin Neshat, Amal Kenawy, Bady Dalloul) et témoignent d’un profond désir de justice sociale (Mustapha Akrim, Danh Vo, Faraj Daham, Kader Attia).

Dans une visée post-coloniale, la démultiplication des récits historiques (Amina Menia, Bouthayna Al Muftha, Wael Shawky, Dominique Hurth) est alors une façon d’affirmer des narrations alternatives et par là même de tracer les prémisses d’une société pluraliste, aux structures moins hiérarchiques et plus horizontales.

Intégrant la saison «Fragmenter le monde» proposer par le Palais de Tokyo de Paris, l’exposition se nourrit de l’exceptionnelle collection du Musée Arabe d’Art moderne et contemporain (MATHAF) fondé en 2010 à partir de la collection privée de Son Excellence Sheikh Hassan bin Mohamed bin Ali Al Thani.

Engagé dans une approche post-coloniale, le MATHAF insiste sur les échanges culturels et interroge l’héritage artistique du Qatar en lien avec la globalisation. Prônant l’essor de la modernité dans les pays arabes, il développe ses activités dans le domaine éducatif et se veut une institution à la fois localisée et ouverte dans un monde aux multiples centres. Le MATHAF se définit ainsi comme un musée non hégémonique et non normatif qui appelle de « nouvelles relations de pouvoir et des traductions culturelles » dans la lignée de la pensée d’Okwui Enwezor.

Notre monde brûle est une exposition d’Abdellah Karroum, fondateur de l’Appartement 22 à Rabat en 2002, curateur de la Triennale aux côtés d’Okwui Enwezor en 2012, et actuellement directeur du MATHAF.

En raison de l’évolution de la situation sanitaire actuelle et suite aux indications du gouvernement français, cette exposition est suspendue jusqu’à nouvel ordre. 

Avec :

John Akomfrah, Mustapha Akrim, Francis Alÿs, Kader Attia, Mounira Al Solh, Bouthayna Al Muftah, Monira Al Qadiri, Sophia Al Maria, Sammy Baloji, Yto Barrada, Aslı Çavuşoğlu, Faraj Daham, Bady Dalloul, Inji Efflatoun, Khalil El Ghrib, Mounir Fatmi, Fabrice Hyber, Dominique Hurth, Amal Kenawy, Amina Menia, Shirin Neshat, Otobong Nkanga, Sara Ouhaddou, Michael Rakowitz, Younes Rahmoun, Wael Shawky, Oriol Vilanova, Danh Vo, Raqs Media Collective

Commissaire : Abdellah Karoum

Co-commissaire : Fabien Danesi

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Le focus a été mis surtout sur les approches artistiques et discursives autour des résidus de l’époque coloniale qui sont toujours visibles aux musées, dans les archives photographiques et dans l‘espace public. Que faire des artefacts encore en possession des collections ethnographiques ? La restitution est-elle la nécessité éthique du jour ? Comment les objets pourraient-ils circuler d’un pays à l’autre ? Comment les artistes peuvent-ils contribuer à leur donner vie ? Telles fût les principales questions abordées. 

Des formes expérimentales de débats, des projections et des lectures-performances ont rythmées les approches artistiques et discursives autour des résidus de l’époque coloniale. Avec la participation de Fred Mutombo et Ayako Mensah, Dalila Dalleas Bouzar, Pascale Obolo, Toma Muteba Luntumbue, Sammy Baloji, Bianca Baldi, Calvin Soiresse, les chercheurs et directeurs de musée ;Didier Houénoudé, Placide Mumembele, George Abungu, Samuel Sidibé, Maureen Murphy , Margareta Von Oswald, Sara Torres, Lotte Arndt, Michael Dieminger, Irene Calderoni, Laurent Courtens, Carolina Orsini, Katia Kukawka, Cindy Mbeng, Elke Kaschl Mohni, Aliona Elizalde, Jana Haeckel, Luise Holke.

L’artiste Dalila Dalléeas Bouzar réalisa au sein du Musée d’Aquitaine une performance de rituel de déplacement d’objet. L’artiste explique « C’est une solution face à la nécessité de se réapproprier des objets qui ont été déplacé de leur territoire d’origine et qui ont perdu leur fonction sociale. Le rituel propose une forme inédite de réappropriation de l’objet et de détournement de l’espace de musée. » Une performance faisant ainsi écho à la question de la restitution. Déplacer les objets vers leurs terres originelles suffirait-il pour réparer le tort infligé par les colons ? Le terme restitution ne signifie t-il pas « remettre à son état initial » ? La question de la restitution au sein du débat pourrait-être en réalité plus large que le simple retour des objets en Afrique. Surtout lorsqu’il s’agit de la question sensible de restes humains…

Pour Toma Muteba Luntumbue, historien d’art, artiste-plasticien et commissaire d’exposition indépendant, la question de la restitution peut être abordée dans un sens éthique et moral. « Il faut dépassionner les discussions… ». Il met en garde contre les manipulations des politiques et intérêts économiques qui sont bien présents dans ce débat. Toma Muteba Luntumbue fût Directeur artistique de la 4e Biennale de Lubumbashi, Rencontres Picha en 2015 et il collabora auparavant sur des projets avec Sammy Baloji.

Contes du Jardin de la Croix de Cuivre, Episode 1, 2017

Dans son travail l’artiste Sammy Baloji s’est intéressé de longue date aux collections coloniales en Europe et aux Etats-Unis en mettant l’accent sur les mouvements de corps et d’idées qui s’opèrent entre le Congo et l’Europe. Les images et les objets sont alors sollicités comme des vecteurs relationnelles, permettant de révéler ou encore de modifier la permanence de structures et d’imaginaires (post)coloniales. Plutôt que de se concentrer sur des objets isolés, il est ici question des allers-retours, des échanges inégaux, des flux matériels autant que des opérations idéologiques qui les accompagnent. 

La conversation entre Sammy Baloji et la théoricienne culturelle Lotte Arndt, qui accompagne le travail d’artistes qui questionnent le présent postcolonial et les antinomies de la modernité dans une perspective transnationale, devait s’articuler sur l’enchevêtrement mouvementé entre l’exploitation matérielle continue, la revalorisation culturelle de symboles et de pratiques et la contestation de l’hégémonie culturelle eurocentrée et l’extractivisme par l’introduction répétée de contre-champs, qui inversent le point de vue et permettent l’émergence de récits à multiples voix. Sammy Baloji n’a pu être présent lors de la projection de la partie I du film.

Le film Tales of the Copper Cross Garden présenté à Documenta 14 à Athènes en 2017 par Sammy Baloji, juxtapose la transformation industrielle de métaux et notamment du cuivre dans une usine katangaise avec les chants d’une chorale coloniale, «le chœur de la croix au cuivre». En s’appuyant sur les réflexions du philosophe V.Y. Mudimbe sur le rôle de l’Eglise catholique dans la colonisation, le film interroge la connexion entre domination spirituelle (religieuse) et exploitation des richesses.

Né en 1978 à Lubumbashi, Sammy Baloji est un artiste plasticien et photographe. Depuis 2005, il explore la mémoire et l’histoire de la République Démocratique du Congo. Son oeuvre est une recherche perpétuelle autour de l’héritage culturel, architectural et industriel de la région du Katanga, ainsi qu’un questionnement des effets de la colonisation belge. Sammy Baloji est aussi le co-fondateur des Rencontres Picha, une biennale de photographie et vidéo à Lubumbashi. Une initiative d’artistes opérant de manière indépendante depuis Lubumbashi et visant à soutenir et à promouvoir la création artistique en République Démocratique du Congo en offrant un lieu pour des expositions, des rencontres, des résidences d’artistes, des ateliers de formation et d’accompagnement artistique.

Le Goeth Institut à l’initiative de ces séminaires a mis en ligne un site internet entièrement dédié aux débats constructifs pour repenser les relations de pouvoir pour un monde non racial et décolonisé. Découvrez-en plus sur ce projet accessible à cette adresse www.goethe.de.

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