Un marché prospère et stable

La vente aux enchères s’est tenue dans la soirée du mercredi 24 juin. Bien que les conséquences de l’épidémie du COVID-19 aient entraîné des changements et défis socio-économiques extraordinaires dans le monde entier, la force de cette vente aux enchères démontre que malgré les difficultés actuelles, le marché de l’art demeure stable. Bien qu’il y ait eu parfois de ponctuelles inflations des prix ayant ébranlé le marché et qui sont la cause de mauvaises lectures de la situation réelle du secteur, les résultats solides de la vente indiquent que le marché reste sain et stable. En outre, cela démontre que le commerce de l’art a repris avec succès, et que la réouverture des frontières et l’assouplissement des restrictions au niveau mondial sont de bon augure pour l’avenir du marché.

Aspire et Piasa ont rassemblé une impressionnante collection de 173 œuvres d’art de 85 artistes de 19 pays africains.

À une époque où le monde semble plus grand et plus divisé qu’auparavant, cette vente aux enchères est un exemple parfait de ce qui peut être accompli en ces temps difficiles, notamment grâce à l’innovation et à la collaboration. Non seulement elle a permis à Aspire d’étendre sa portée et de devenir la première maison de vente aux enchères sur le continent africain à défendre l’art moderne et contemporain d’Afrique en Europe, mais elle rappelle aussi sans équivoque que l’art de qualité supérieure reste résistant face à l’adversité.

Lots phares

La vente aux enchères a été menée par le lot comportant un dessin de William Kentridge de 1989, provenant de Johannesburg, 2nd Greatest City after Paris (Soho Eating), qui s’est vendu 234 000 euros. Autre œuvre mixte Electrical Industries (Rodchenko), Alphabet Coloré s’est vendu à 18 200 euros, soit près de trois fois son estimation la plus élevée.

La représentation onirique à grande échelle de la verdure tropicale de Joseph Ntensibe a volé la vedette. Elle s’est effet vendue pour plus du double de son estimation la plus élevé au prix de 67 600 €, le deuxième prix le plus élevé atteint aux enchères pour cet artiste. La préoccupation de l’artiste ougandais pour l’écologie et l’environnement en mutation, et en particulier pour les forêts en voie de disparition dans les zones rurales de l’Ouganda, a trouvé un écho auprès de nombreux enchérisseurs.

Le portrait de Dora Sowden, la critique excentrique de musique et d’art pour le journal progressiste « The Rand Daily Mail« , basée à Johannesburg, dans les années 1940 et 1950, réalisé par Irma Stern en 1943, a atteint 182 000 euros. Une rare et ancienne sculpture en bronze d’Edoardo Villa, Figure with Drapery, a suscité un intérêt considérable, réalisant un superbe 54 600 € – un record historique pour une œuvre de cet artiste vendue dans son Europe natale.

Autres records

Un nouveau record mondial d’enchères (pour seulement une œuvre) a été établi par David Goldblatt pour un rare tirage platine-palladium – A miner waits on the bank to go underground, City Deep Gold Mine, – qui s’est vendue 32 500 euros.

Les artistes Zimbabwéens se sont également bien défendus. L’œuvre de Kudzanai Chiurai Untitled VIII (Auto and the Workers Movement) s’est vendue 22 100 euros et Fountain du peintre Misheck Masamvu, un artiste assez nouveau sur le marché secondaire, s’est vendue 20 800 euros, battant son précédent record d’enchères également établi par Aspire.

Points forts et renforcement des valeurs sûres du marché

Le triptyque de Peter Clarke, The Crossing datant de 1987, a impressionné les collectionneurs les plus avisés et a atteint un prix de 37 700 euros. C’était la première fois qu’une œuvre de cet éminent artiste sud-africain apparaissait aux enchères en Europe continentale.

Les peintures du célèbre peintre congolais Chéri Samba se sont fortement bien vendues – notamment Lutte Contre Les Moustiques a obtenu 58 500 euros, soit près du double de l’estimation la plus élevée.

La jeune star Eddy Kamuanga Ilunga (originaire de la RDC) a prouvé qu’il reste encore une fois l’un des artistes à suivre grâce à son impressionnant tableau de grande taille s’est vendu à 50 700 €.

Vente aux enchères d’art moderne et contemporain africain

Le 24 Juin 2020

Piasa Paris, Voir les résultats complets

118 Rue du Faubourg Saint-Honoré

Paris, France

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Né le 13 mai 1855 dans une famille juive riche, le père de Ludwig Deutsch était agent de change à la cour impériale. Après le lycée, il entre à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne en 1875. Formé à l’Académie de Vienne en 1872, il s’installe en France en 1878 et étudie avec le peintre Jean-Paul Laurens, à qui il doit son style académique. Il se spécialise dans la peinture orientaliste. Deutsch était le principal peintre orientaliste de l’école autrichienne, qui comprenait également Rudolf Ernst, Arthur von Ferraris, et Rudolf Weisse.

A partir de 1883, Deutsch effectue quatre voyages en Egypte, et les sujets orientaux qui dominent son œuvre lui valent des éloges sans précédent. Les surfaces polies et le réalisme hallucinatoire extrêmement précis de ses tableaux sont basés sur une vaste collection de photographies qu’il a réunies au Caire.

Dans Le fumeur de Goza, 1884, Deutsch tourne son regard ethnographique vers un motif familier et durable de l’art orientaliste, le fumeur arabe au repos. Loin d’une transcription de la réalité ou simplement d’un autre exemple d’un thème populaire, l’image de Deutsch comprend des détails qui compliquent sa signification et font allusion à l’art sophistiqué derrière sa composition.

L’homme dans la peinture de Deutsch porte un qumbaz – soutane – traditionnel rayé sous une robe extérieure plus lourde. Pour ceux qui connaissent l’art de Deutsch, l’apparition de ces vêtements spécifiques bleu, rouge et jaune-or n’aurait pas été surprenante, car ils ont été souvent répétés dans son œuvre et peuvent avoir été tirés de sa propre collection de textiles et de produits exotiques. Dans sa main droite, l’homme saisit un goza, ou pipe, avec un grand bol en laiton sculpté de motifs islamiques. Construit pour la portabilité et conçu pour être tenu plutôt que posé sur le sol, cette forme quelque peu archaïque de narguilé égyptien se distingue par une tige de bambou rigide plutôt que par un tuyau flexible. Le flux direct de fumée du bol à la bouche que permet cette construction en a fait un favori particulier des fumeurs de tombiek, ajamy, et d’autres tabacs traditionnels et parfumés comme le jurak et le zaghloul, ainsi que des amateurs de haschisch et de drogues fortes du 19e siècle. La posture de l’homme ici est détendue et informelle et son regard latéral est flou et vide. Perdu dans ses pensées – ou peut-être dans les effets de la substance non spécifiée qu’il fume – Deutsch a créé un protagoniste improbable dans cette œuvre autrement caractéristique, s’étalant langoureusement sur son trône en bois tourné ou en moucharabieh.

La formidable porte derrière la figure arabe – probablement l’entrée d’un palais privé plutôt que l’entrée d’une mosquée ou d’une madrasa, compte tenu de l’état d’ébriété apparent de l’homme – témoigne de l’utilisation répandue par Deutsch des livres à modèles et des gravures populaires bien connus. Il peut s’agir ici des créations architecturales d’Owen Jones ou des nombreux portails enregistrés par le grand artiste et érudit français Achille Prisse d’Avennes, une ressource favorite de Deutsch pour son art (voir le joueur de Qanun). La bibliothèque personnelle éclectique de Deutsch, en fait, est visible à travers ses scènes peintes. C’est grâce à son talent d’artiste que les résultats sont invariablement si transparents et si réels.

En 1900, trois ans après avoir peint L’Offrande, Deutsch reçoit une médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris, puis le titre de Chevalier de la Légion d’honneur. Il est alors naturalisé français. Certains le nomment « Louis Deutsch ».

Dans Le joueur de Qanun,1903, Ludwig Deutsch crée une œuvre à la fois instantanément familière et entièrement nouvelle. Un homme barbu, assis jambes croisées sur un tapis au sol, joue du qanun, un instrument à cordes traditionnel originaire du Moyen-Orient. Il est observé par une deuxième figure arabe, appuyée contre un mur aux motifs complexes. La pièce elle-même est riche en détails ornementaux, avec ses pierres incrustées colorées, ses sculptures en bois élaborées et une énorme fenêtre en moucharabieh, à travers laquelle la douce lueur de la lumière du soleil pénètre la pièce. L’ambiance de l’image de Deutsch est apaisante et feutrée ; il s’agit d’un orientalisme différent de celui qu’offraient ses pairs, dans lequel le drame et l’érotisme n’ont pas leur place.

Le cadre de l’image de Deutsch est significatif, si pas exact d’un point de vue architectural. Bien que les voyageurs européens aient fourni des descriptions de l’architecture domestique au Moyen-Orient au début du XVIIIe siècle, l’étude sérieuse des bâtiments privés de la région n’a commencé qu’avec les travaux de la Commission scientifique et artistique de Napoléon en Égypte en 1798, dirigée par Vivant Denon et Pascal Coste. Les conclusions officielles de la Commission, appelées Description de l’Égypte, ont été publiées à Paris entre 1809 et 1828 dans de multiples volumes abondamment illustrés (Paris : Imprimerie impériale).

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Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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La vente dédiée à l’art Africain chez Sotheby’s revient pour une quatrième saison consécutive le 2 avril 2019

En avril prochain, la vente dédiée à l’art Africain moderne et contemporain de Sotheby’s sera de retour à Londres pour une quatrième saison consécutive, après une exposition en avant-première qui aura lieu du 29 mars au 2 avril prochain.

Depuis l’inauguration de la vente dédiée – Art Moderne et Contemporain d’Afrique -, Sotheby’s a réalisé cinquante records du monde dans la catégorie Meilleurs artistes de toute la diaspora africaine et en confirme un intérêt global grandissant. Le marché international de l’art moderne et contemporain d’Afrique est certainement en plein essor, avec des conversations passionnantes qui s’enflamment sur le terrain, alimentées par des temps forts tels que l’ouverture du Zeitz MOCAA – Musée d`Art africain contemporain et la Fondation Norval à Cape Town, l`évolution des marchés internationaux comme 1-54 Contemporary African Art Fair à Londres, New York et Marrakech, Art X Lagos et bien sûr le pavillon très attendu du Ghana cette année à la biennale de Venise. L’entrée de Sotheby’s dans ce domaine atteste la position de l’art africain moderne et contemporain sur le marché mondial.

D’excellents résultats pour la vente aux enchères d’art africain en 2018

La vente de la saison dernière chez Sotheby’s a totalisé 2,3 millions £ (3 millions $) et a attiré des collectionneurs de 20 pays différents. Les ventes de 2018 ont connu de bons résultats pour des artistes établis tels que Ben Enwonwu (Obitun Dancer ; £187 500/$265 744) et El Anatsui (Tagomizor ; £670 000 /$883 730) à des stars montantes comme Eddy Kamuanga Ilunga, seulement 27 ans, dont l’oeuvre Mangbetu qui a atteint cinq fois l’estimation élevée (£65 000/$92 124).

Une perspective très prometteuse et très kaléidoscopique pour la vente de cette année

L’exposition publique et la vente de cette année rassemblent une collection soigneusement sélectionnée composée de peintures, photographies, dessins et sculptures provenant de tout le continent africain. Hannah O’Leary, chef du département de Sotheby’s, déclare avoir été témoin de la croissance de la demande, de l’audience et de la variété des œuvres :

« En matière d’art contemporain, les gens sont toujours à la recherche de quelque chose de nouveau – une demande qui se prête tout à fait à ce genre. Couvrant plus de 16 pays, un kaléidoscope de cultures et de thèmes, et comprenant les œuvres d’artistes établis et émergents, notre vente aux enchères d’art africain moderne et contemporain reste l’une des plus passionnantes, innovantes et pertinentes sur le marché actuel. L’art africain a connu une sorte de renouveau au cours de la dernière décennie, comme en témoigne l’intérêt grandissant des collectionneurs à travers le monde. En effet, plus d’un quart des acheteurs de la vente de l’an dernier provenaient du continent africain, mais les catégories de collectionneurs couvrent l’Asie, l’Europe, l’Australasie et l’Amérique du Nord, et il est fantastique de voir des artistes africains se hisser au premier plan des collections internationales, tant privées que publiques. Il s’agit donc d’une période incroyablement passionnante pour appréhender l’art africain moderne et contemporain, et les collectionneurs sont toujours séduits par les possibilités qui s’offrent à eux. Notre vente met en vedette des œuvres de quelques-uns des plus grands noms du domaine à des prix abordables, mais comme ces œuvres sont de plus en plus en demande, il est peu probable qu’elles le restent encore longtemps. Si vous êtes à Londres en avril, n’oubliez pas de visiter l’exposition – il y en a vraiment pour tous les goûts ».

El Anatsui, Zebra Crossing 2, estimée à 626,780€ – 854,699€

La vente aux enchères d’avril de Sotheby’s présentera en tête d’affiche, Zebra Crossing II, une tapisserie de capsules de bouteilles de la superstar de l’art contemporain, El Anatsui. El Anatsui a exploré un large éventail de supports, notamment la céramique, les bois durs tropicaux, les couvercles de boîtes de lait et les bouchons de bouteilles en aluminium, que l’artiste utilise pour réaliser les tapisseries métalliques scintillantes pour lesquelles il est le plus connu. Le succès des œuvres d’El Anatsui peut être attribué à la capacité de l’artiste à manipuler sans effort le matériau métallique rigide d’une manière qui crée une œuvre finie qui est robuste mais malléable, luxueuse et donne incroyablement l’impression d’un tissu.

El Anatsui a bénéficié de plusieurs expositions novatrices telles que le spectacle itinérant international When I Last Wrote to you About Africa en 2010. La plus grande exposition de l’artiste à ce jour, El Anatsui : Triumphant Scale, organisée par Okwui Enwezor et Chika Okekeke-Agulu, s’ouvre cette semaine à la Haus der Kunst de Munich et se rend à Mathaf : Musée arabe d’art moderne à Doha à l’automne. El Anatsui représentera également le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’Ibrahim Mahama, dont les œuvres sont également mises aux enchères.

Hassan El Glaoui, La sortie du Roi, estimée à 91,168€ – 136,752€

La Sortie Du Roi met en vedette les chevaux et cavaliers militaires qui ont fait la renommée d’El Glaoui. Parlant de son travail en 2009, El Glaoui a déclaré :  » Mon amour pour mon pays a été l’esprit qui a défini ma peinture. J’ai immortalisé nos racines ancestrales, les fleurs dans la vallée de la Kasbah et les palais rouges chérifiens, les courtisanes royales avec leurs longues lignes de brûlis blancs, la cavalerie montée et leurs chevaux. »

Puissante célébration de son pays natal, La Sortie du Roi déclenche chez le spectateur une myriade de sens : une palette rose poussiéreuse évoquant un climat sec et aride, l’ombre glaciale offerte par les brûlis blanc et bleu, et les mèches de peinture, fantomatiques, en mirage, entourant chaque cheval qui donnent au tableau un mouvement électrisant et frémissant. Le peintre El Glaoui a acquis une renommée internationale et est reconnu comme l’un des pionniers de l’art contemporain au Maroc. L’artiste a exprimé sa gratitude à Winston Churchill pour sa carrière ; lors de sa visite à Marrakech dans les années 1940, le Premier ministre a convaincu le père d’El Glaoui, le dernier pacha de Marrakech, de permettre au jeune artiste de poursuivre sa vocation artistique. Les œuvres de Churchill et d’El Glaoui ont ensuite été présentées conjointement dans une exposition conjointe à Londres.

Kamala Ibrahim Ishaq, Preparation of Incense – Zār Ceremony, estimée à 79,772€ – 102,564€

Kamala Ibrahim Ishaq est reconnue à la fois comme une pionnière de la scène artistique soudanaise, une icône féministe et l’une des artistes féminines les plus importantes du continent africain. L’artiste a été l’une des premières femmes à obtenir son diplôme de l’École des beaux-arts de Khartoum en 1963. Entre 1960 et 1975, la scène artistique de Khartoum a été marquée par la célèbre Khartoum School – École de Khartoum-, un mouvement artistique qui a débuté au Soudan dans les années 1960 dans le but de créer un nouveau langage visuel qui reflète un Soudan nouvellement indépendant. Kamala Ishaq faisait, par ailleurs, partie de la récente exposition à la galerie Saatchi  » Forêt et esprits Arts figuratifs de l’école de Khartoum « , organisée par Roubi l’Roubi.

Parmi les membres notables de cette école, on compte les artistes Ibrahim El-Salahi et Sarah Elmur (et les œuvres de ces deux artistes sont incluses dans la vente aux enchères). En 1971, bien qu’elle fût un membre éminent du groupe, Kamala quitte et fonde le Crystalist Group, plaidant pour une nouvelle esthétique artistique soudanaise qui s’inspire de la diversité et de la transparence. Le présent lot démontre l’intérêt de Kamala pour les processus spirituels soudanais, en particulier une pratique traditionnelle appelée la cérémonie Zār, par laquelle l’individu est débarrassé des mauvais esprits. Le travail de Kamala Ibrahim Ishaq a été largement exposé dans des institutions renommées telles que le MoMA PS1 (USA), la Whitechapel Gallery (UK), le Sharjah Art Museum (UAE), le Smithsonian National Museum of African Art (USA), Camden Art Center (UK), entre autres. Lire plus.

Chéri Samba, J’aime la couleur, estimée à 45,584€ – 68,376€

Chéri Samba est l’une des figures artistiques les plus prestigieuses issues de la République Démocratique du Congo ces dernières années. Né dans un village à 80 km de Kinshasa, Cheri Samba était l’un des quatre artistes congolais autodidactes qui, dans une Kinshasa des années 1970 nouvellement démocratique, ont fondé le mouvement connu aujourd’hui sous le nom de Peinture Populaire. Le genre joue avec la satire, l’ironie et l’humour pour aborder la vie quotidienne dans la capitale, y compris les questions sociales, politiques et économiques telles que les coutumes populaires, la sexualité, le SIDA, les inégalités sociales, la matérialité et la corruption.

Influencés par la publicité dans la ville, les artistes combinent des couleurs vives et audacieuses avec du texte pour créer des œuvres de conversation politiquement chargées qui s’adressent directement et franchement aux spectateurs. S’inspirant de sa formation antérieure de dessinateur de bandes dessinées et de panneaux publicitaires, le travail de l’artiste consiste souvent à écrire des textes, à esquisser un message clair ou une intrigue. Il a ensuite exposé dans certaines des institutions les plus prestigieuses du monde, dont la Fondation Cartier et le Museum of Contemporary Art Chicago. Sotheby’s présente aux enchères un J’aime la couleur de Cheri Samba, inhabituel et dramatique de l’imagerie la plus iconique de Samba.

Eddy Kamuanga Illunga, (b. 1991), Palm, estimée 28,490€ – 39,886€

Fusionnant à la fois les styles traditionnels et la « culture populaire », l’œuvre d’Illunga reflète à la fois la modernisation rapide de Kinshasa, troisième ville d’Afrique et ville natale de l’artiste, et la durabilité incertaine du patrimoine et des rituels quotidiens du peuple Mangbetu – qui font l’objet de cette œuvre stupéfiante. Comprendre le présent à travers le passé est au cœur de la pratique d’Illunga. Les poses classiques et les riches draperies des peintures figuratives monumentales de l’artiste rappellent les vieux maîtres européens. Pourtant, les tongs en caoutchouc et les bandes de tissu vibrantes capturent l’artisanat et l’héritage des Mangbetu. De plus, les circuits électroniques, les motifs de la marque de commerce de l’artiste, tatouent les personnages peau nue, signalant ainsi le XXIe siècle numérique.

Ce style de peinture est né très tôt dans la carrière de l’artiste, après avoir appris que la République démocratique du Congo est l’un des plus grands producteurs mondiaux de coltan, un minerai extrait à la main qui contient du tantale, un métal clé pour l’industrie électronique. Choqué par le nombre croissant de villages détruits pour exploiter ces minéraux, Illunga symbolise l’exploitation de son pays et de son peuple, et la dure réalité de la mondialisation. Avec sa finesse picturale, son symbolisme complexe et son attrait puissant pour les yeux et la conscience, l’œuvre d’Illunga a acquis une renommée internationale. La vente de Palm fait suite à la vente de Mangbetu d’Illunga à Sotheby’s en mars 2018, qui a atteint 65 000 £/92 124 $, dépassant l’estimation de 8 000 à 12 000 £ avant la vente.

Ibrahim Mahama, Rafia EB X, estimée à 22,792€ – 34,188€

Rafia EB X de l’artiste ghanéen Ibrahim Mahama est une élégante toile murale composée de sacs recyclés en toile de jute. L’artiste est surtout connu pour assembler ces sacs de jute afin de créer de grands textiles qui sont souvent déposés sur des formes architecturales. Importés au Ghana depuis l’Asie du Sud-Est, puis réutilisés pour l’exportation de cacao, de charbon de bois et d’autres cultures, les sacs de jute de Mahama sont synonymes de l’histoire commerciale du Ghana et servent à commenter les relations économiques du Ghana avec le reste du monde, de l’après-colonisation à nos jours.

Le travail de Mahama s’étend de grandes installations in situ à des pièces plus intimes comme Rafia EB X. Ayant reçu une formation de peintre, Mahama introduit dans ses œuvres comme Rafia EB X , une conception matérielle faisant référence à des peintures, cherchant à souligner la forme élégante qui pend sur le mur tout en défiant les limites du sens de la peinture. Mahama représentera le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’El Anatsui, dont le travail est également inclus dans la vente aux enchères, dans un pavillon national co-commissarié par l’architecte Sir David Adjaye.

La vente comprendra également Harvest Scrolls, 1983, une œuvre de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, considérée comme faisant partie des courants créatifs du Nil, estimée entre 34,188€ – 56,980€ et ayant appartenu à la collection de Terry McMillan.

La vente présentera aussi l’artiste Nigérian Uzo Egonu, Women Reading, 1978 estimé entre 12 000 et 18 000 £ et l’artiste sud-africain William Kentridge, Head (Orange), estime entre 30 000 et 50 000 £ parmi d’autres.

 

Vente d’Art Moderne & Contemporain Africain
Londres
02 Avril 2019
14H

Sotheby’s
34-35 New Bond Street
Londres W1A 2AA
+44(0)20 7293 5000

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Bonhams a annoncé récemment que Roubi L’Roubi, commissaire de l’exposition « Forêts et Spiritueux : Arts figuratifs de l’école de Khartum » , qui a eu lieu à la Galerie Saatchi, organisera une section de sa vente aux enchères d’art africain le mercredi 20 mars prochain à New Bond Street, Londres. La vente aux enchères mettra en vedette des œuvres choisies par L’Roubi dans une section intitulée Les courants créatifs du Nil.

Roubi L’Roubi a déclaré : « Je suis ravi d’avoir été invité à être commissaire de cette exposition importante et novatrice. L’art dépeint la condition humaine en temps réel et nulle part ailleurs cela n’est rendu de manière plus authentique que chez les artistes qui ont vécu et travaillé le long du Nil. »

Parmi les autres artistes présentés par Roubi L’Roubi dans « les courants créatifs du Nil », Ibrahim El-Salahi, l’un des fondateurs de l’éminente école d’art de Khartoum, avec son œuvre Standing Figure, estimée entre 18.000 et 23.000 euros, et l’artiste soudanaise Salah El Mur, diplômée de l’école, qui a notamment peint les habitants de Khartoum en train de jouer dans son oeuvre intitulée Jour de sortie en famille dans la forêt de Sunnet, 2016. L’œuvre a déjà été exposée à la Galerie Saatchi et est estimée entre 12 000 et 18 000 euros. La peinture rouge élaborée de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, Texte sacré, est estimée entre 9 400 et 14 000 euros.

Pour L’Roubi, le Nil est à la fois le facteur d’unification et de division entre les artistes du Soudan et de l’Ethiopie et devient la base du talent et de la compétence qui seront mis en valeur.

Giles Peppiatt, responsable du département d’art moderne et contemporain d’Afrique chez Bonhams, a déclaré : « En cette période de grand intérêt pour l’art africain, nous sommes heureux de présenter Roubi L’Roubi, « Courants Créatifs du Nil » dans le cadre de notre vente d’art dédiée à l’art moderne et contemporain d’Afrique. Présenter ces œuvres aux côtés de leaders du marché tels que Sekoto et Enwonwu, donne à Bonhams une brillante occasion d’attirer l’attention sur l’art africain contemporain. »

Benedict Chukwukadibia Enwonwu et Gerard Sekoto sont deux des meilleurs lots de la vente aux enchères de Bonhams. La sculpture en bois d’une jeune femme de Ben Enwonwu, intitulée Fruit Seller, et la peinture vibrante de Gerard Sekoto les lessiveuses, circa 1940, ont toutes deux une valeur estimée entre 120 000 et 180 000 euros.

D’autres temps forts de la vente comprendront:

• Vladimir Grigoryevich Tretchikoff, Combattant de coq, estimé entre 70 000 et 110 000 €
• Gérard Sekoto, Les preneuses d’eau, vers 1940, estimé entre 59 000 et 94 000€
• Frans David Oerder (Sud-Africain, 1867-1944), Na die maal (Après le repas), 1896, Estimé entre 14 000 et 21 000€
• Irma Stern (sud-africaine, 1894-1966), Fille à la cruche. Estimé entre 59 000 et 94 000€

Vente aux enchères d’Art moderne et Contemporain d’Afrique
Bonhams
20 Mars 2019, 17H
Londres, New Bond Street

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PARIS – Artcurial organisait le 30 décembre 2018 sa troisième édition de la vente Paris#Marrakech, en duplex avec Marrakech. Composée d’une centaine de lots, la session de trois vacations d’art orientaliste et d’art contemporain africain, dirigée par François Tajan, totalise 1 890 040 € / 2 154 645 $. 

Une exceptionnelle collection privée orientaliste italienne, intitulée De Constantinople à Tanger, une collection d’un amateur italien, ouvrait cette édition en proposant aux enchérisseurs un véritable voyage autour de la Méditerranée. Elle enregistre 3 records du monde aux enchères notamment pour Théodore Frère, dont Grande caravane de la Mecque (lot 3) est vendue 195 000 € / 222 300 $ frais inclus, ou Jean-Paul Sinibaldi dont la Salammbô (lot 21) change de main pour 182 000 € / 207 480 $. 

C’est un peintre orientaliste français, Eugène Girardet, qui décroche le plus haut prix de la vacation avec l’huile sur toile La gazelle apprivoisée (lot 16), l’une des œuvres les plus importantes de cet artiste renommé, adjugée 300 400 € / 342 456 $ frais inclus.

Le second volet orientaliste, Majorelle et ses contemporains, récompense quant à lui l’artiste Chaïbia avec l’huile sur toile Spectateurs de Tennis réalisée en 1987 (lot 68) qui atteint 78 000 € / 88 920 $ frais inclus. 

Le dernier chapitre African Spirit, dédié à l’art contemporain africain, totalise 6 nouveaux records du monde aux enchères. L’acrylique et paillettes sur toile de Chéri Samba, J’aime la couleur (lot 91) s’envole à 91 000 € / 103 740 $, bien au- delà de son estimation ( 70 000 €- 100 000 €), et l’artiste Bodys Isek Kingelez dépasse le record établi l’année précédente par Artcurial avec son œuvre Pacific Art (lot 86) adjugée 71 500 € / 81 510 $. Il s’agit d’un record du monde pour une oeuvre de l’artiste vendue aux enchères.

L’oeuvre de l’artiste Abdoulaye Konate Tafo ou la force du verbe, 1995 atteint un record et fût adjugé à 54 600 € / 62 244 $, tandis que Exquisite Fantasy, 2014, de Billie Zangewa s’est envolé pour 42 900 € / 48 906$, un record pour oeuvre de l’artiste vendue aux enchères.

« Pour cette troisième édition Paris#Marrakech qui totalise 10 nouveaux records, dont 6 pour l’art contemporain africain, Artcurial démontre son leadership à Marrakech et sa capacité à développer ce marché. Le lancement de la Marrakech Art Week a été un succès et sera de retour l’année prochaine dans une formule enrichie. Ce nouveau rendez-vous culturel créé par Artcurial va se développer » déclare Olivier Berman, Directeur associé Orientalisme et Art contemporain africain chez Artcurial.

Notons enfin le succès de la première édition de la Marrakech Art Week, organisée à l’initiative d’Artcurial et d’Olivier Berman. Douze acteurs de la ville rouge (Musée Yves Saint Laurent, Galerie 127, Dar El Bacha, etc…) se sont ainsi fédéré pendant une semaine avec une programmation spéciale. De nouveaux participants se sont d’ores et déjà manifestées pour l’édition 2019. 

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À propos d’ArtCurial 

Fondée en 2002, Artcurial, maison de ventes aux enchères pluridisciplinaire basée à Paris, conforte en 2018 sa place de premier plan sur le marché de l’art internationale. Avec 3 lieux de ventes à Paris, Monte-Carlo, la maison totalise 195,3 millions d’euros en volume de ventes en 2018. 

Elle couvre l’ensemble du champ des grandes spécialités : des Beaux-Arts aux Arts Décoratifs, Automobiles de collection, Joaillerie, Horlogerie de collection, Vins fins et Spiritueux…
Résolument tournée vers l’international, Artcurial affirme son réseau à l’étranger avec des bureaux de représentation à Bruxelles, Milan, Monte-Carlo, Munich et Vienne ainsi qu’une présence à Pékin et Tel Aviv, et des expositions biannuelles à New York. En octobre 2015, Artcurial a organisé sa première vente à Hong Kong et au Maroc. 

ArtCurial
7 Rond-Point des Champs-Élysées
75008 Paris

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’est l’itinéraire d’une vie qui va bientôt passer aux enchères. Celle de Pierre Loos, marchand d’art tribal, collectionneur et voyageur. Trois ventes en tout, qui auront lieu les 17 et 18 septembre prochain, chez Piasa. Pour Christophe Person, directeur du département d’art africain contemporain de la maison de ventes, « il y aura un avant et un après. » La première vacation sera consacrée aux arts ethnographiques et premiers, le cœur de métier de Pierre Loos. Une dispersion importante, près de 500 lots, plutôt abordables dans leurs estimations. Vont se succéder sous le marteau de nombreux appuie-têtes, les tissus kuba du Kassaï que Pierre Loos a largement contribué à mettre en lumière, des statuettes votives… La seconde vacation, plus originale, consiste en la cession d’un fonds photographique. Celui que Pierre Loos a constitué autour de la personne de Casimir Zagourski, un Polonais, photographe dans l’aviation de l’armée impériale avant de fuir en 1924 à Léopoldville sous la pression des Rouges. Là-bas, arpentant la région en Ford T, il a photographié les gens et la vie tels qu’ils étaient, sans atours. Ce stakhanoviste de la photo a réalisé 1.600 clichés parmi lesquels il en a sélectionné 440, qu’il a édités en photo format carte postale ou en plus grands tirages uniques, une cinquantaine.

Les tirages à la vente sont rassemblés en une centaine de lots : les ensembles d’époque de petits formats sont estimés entre 400 et 600 €, les grands tirages entre 1.000 et 3.500 €, quelques-uns dépassant ces estimations de par leur pedigree d’expositions. Le clou de la vente est un « Album à l’éléphant », le « grand œuvre de Casimir Zagourski », d’après Pierre Loos. Des albums pensés comme des objets de luxe, créés sur commande dans lesquels le photographe réunissait un grand nombre de photos — plus de 400 dans celui mis en vente. Une estimation entre 10 et 15.000 €.

Et puis, il y a la troisième vente, peut-être la plus attendue. Depuis les années 1980, Pierre Loos a constitué une collection unique d’art moderne congolais (de 1920 à 1960), facilité par sa proximité avec les milieux coloniaux belges, qui ne voyaient souvent dans ces peintures que l’expression naïve d’Indigènes. C’est un condensé de cette collection, dont on a pu constater l’étendue pendant l’exposition « Beauté Congo » organisée par André Magnin à la fondation Cartier en 2014

Dans le sous-sol de la fondation, la séquence consacrée à l’art moderne congolais était constituée à 80 % de prêts provenant de la collection Loos. « C’est la première fois qu’en art moderne africain, on met à la vente une collection cohérente et extensive, se réjouit Christophe Person. C’est un test intéressant. Les pièces sont d’une belle qualité de conservation, d’une esthétique très forte. Dans le cadre de l’engouement que l’on constate pour l’art du continent africain, on peut espérer que cela fonctionne très bien, d’autant que les estimations sont plutôt abordables. » Les tableaux mis en vente, de Pilipili Mulongoy, Bela, Raphaël Kalela, Sylvestre Kaballa ou Mwenze Kibwanga proviennent majoritairement de l’atelier Desfossés.

Pour l’histoire, Pierre Romain-Desfossés était un ancien officier de la marine française, qui a fondé un atelier, surnommé le Hangar, où il a mis à disposition des locaux les moyens de s’exprimer, à l’abri des influences occidentales. « Un mélange d’art brut et d’art naïf », sourit Pierre Loos. Les estimations vont de 4.000 à 15.000 € environ. « Dans ces toiles, on retrouve un aspect volontiers narratif, liées à l’histoire des hommes, à leurs coutumes, explique Christophe Person. On y perçoit aussi une dimension éducative : des scènes de pêche, de pères qui enseignent la chasse à leur fils. C’est un art ancré dans son temps, un témoignage. » Le clou de la vente ? Un paravent réalisé à six mains par Pilipili Mulongoy, Bela et Raphaël Kalela, estimé entre 150 et 200.000 €. « Je ne connais pas d’équivalent, déclare un Christophe Person admiratif.

Les motifs sont superbes, et cette pièce peinte, donc plate, a un aspect tridimensionnel, sculptural assez fascinant. Je pense qu’elle ferait bonne figure dans une collection d’art classique ! » Les motifs sont quelque chose dans ces tableaux. Ceux de Kibwanga, Bela ou Kaballa semblent emprunter au textile, à la maille, dressant des ponts avec d’autres techniques. « Ces fonds ont influencé de nombreux artistes, je pense à JP Mika par exemple. C’est un art naïf qui inspire beaucoup d’artistes, remarque Christophe Person. D’ailleurs, j’espère que cette vente aura un impact, et permettra de sortir de l’ornière qui consiste à ne voir dans les productions africaines du début et du milieu du XXe que des fétiches, des statues cultuelles, etc.» Rendez-vous pris.

Informations pratiques

« Arts Premiers et Ethnographie », 17 septembre 2018
« Art Moderne Africain », 18 septembre 2018
« Photographies de Casimir Zagourski », 18 septembre 2018

PIASA
118, rue du Faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris

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