Un hommage aux gardiens de la tradition

Cette œuvre textile richement détaillée, composée de bandes de tissu bordeaux, corail, cramoisi et indigo, s’élevant sur 4 étages, ornera le mur intérieur du musée dans l’Atrium de la BMW du MOCAA Zeitz. L’œuvre rend hommage à deux penseurs qui se sont distingués par leur contribution à la culture et à l’histoire : L’historien et ethnologue malien Youssouf Tata Cissé (1935-2013), qui s’est spécialisé dans la canonisation de l’histoire orale de diverses régions d’Afrique occidentale, et Germaine Dieterlen (1903-1999), anthropologue française qui a été la première à mener des recherches sur l’astronomie dogon et les cultures bamana du Mali. Avec cette œuvre, Konaté fait référence à l’écriture et aux systèmes de connaissance anciens, en les transposant dans le présent. Koyo Kouoh, directeur exécutif et conservateur en chef de Zeitz MOCAA, déclare « C’est un honneur d’avoir l’un des artistes les plus éminents de notre continent représenté dans notre musée et de faire découvrir à nos publics la vitalité de pratiques qui s’inscrivent désormais dans l’histoire de l’art mondial.

Un artiste qui aborde plusieurs questions sociopolitiques

La myriade de fragments de tissus individuellement appliqués dans Idéogrammes, signes, symboles et logos, non seulement ajoute une riche couleur et texture aux murs en béton de Zeitz MOCAA, mais contribue également à un important dialogue autour de la matérialité dans l’art contemporain d’Afrique ».

Konaté est confronté à la manière dont les sociétés et les individus, tant au Mali qu’au-delà, ont été affectés par des facteurs tels que la guerre, les luttes de pouvoir, la religion, les épidémies mondiales comme le VIH/sida, la liberté d’expression, la mondialisation et les changements écologiques. En utilisant des matériaux du Mali, à savoir des tissus et des teintures, l’artiste crée des compositions abstraites et figuratives à grande échelle. L’installation au MOCAA de Zeitz a été dévoilée le 12 février 2020 et sera exposée pendant un an. Cette commande a été rendue possible grâce au soutien de Blain|Southern, Londres.

Idéogrammes, signes, symboles et logo

Zeitz MOCAA

Du 12 Février 2020 au 12 Février 2021

V&A Waterfront Silo District, S Arm Rd, Waterfront, Le Cap, 8001

Afrique du Sud

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La Fondation Norval présente la première recherche sur la pratique sculpturale de l’artiste de renommée internationale William Kentridge. Dans Why Should I Hesitate : Sculpture traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture » – les visiteurs découvrent une série d’œuvres nouvelles et historiques qui ont été crées au cours des deux dernières décennies et qui racontent l’engagement de Kentridge dans la forme tridimensionnelle.

Du 24 août 2019 au 23 mars 2020, l’exposition de la Fondation Norval coïncide avec une exposition complémentaire Why Should I Hesitate ? Putting Drawings To Work, traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter ? Mettre les dessins à l’oeuvre » au Musée d’Art Contemporain ZEITZ MOCAA qui se focalise sur la pratique du dessin de Kentridge.

La première exposition consacrée à l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur

Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est la première exposition internationale à traiter de l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur, et elle constitue un point de vue unique sur cet aspect de sa pratique. Couvrant plusieurs corpus d’œuvres, et témoignant d’une longue improvisation dans le maniement de la forme tridimensionnelle, cette exposition voit l’origine de ces œuvres dans les accessoires de ses opéras et dans les images de ses animations sortant de la scène et de l’écran, nous confrontant directement au niveau du sol. Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture présente également en avant-première de nouvelles œuvres spécialement commissionnées dans le cadre de cette exposition.

Une préoccupation centrale de Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est de faire comprendre que les sculptures de Kentridge présentent une liberté spontanée et ne répondent à aucune forme ou esthétique dictée.

Les sculptures cinétiques utilisent des mégaphones sur des trépieds d’arpentage, un clin d’œil au constructivisme russe, et impliquent la diffusion par un propagandiste d’une autorité impersonnelle et mécanique. Dans Trio de chanteur (2018), par exemple, les machines à coudre « prêtes à l’emploi » se voient offrir des voix pour une performance jouée à l’unisson avec leurs mégaphones synchronisés alors qu’ils prennent une présence nouvelle et humoristique dans ce monde. De nombreuses sculptures de Kentridge incarnent un spectacle animé. En procédant à une construction apparemment aléatoire de plans abstraits, comme dans Le Monde sur ses pattes arrières (2009), nous voyons comment des formes graphiques s’alignent de façon inattendue, s’intégrant dans un tout organisé qui est chargé visuellement et métaphoriquement. Déplacez-vous un peu plus loin et la forme se dissipe à nouveau.

« La Fondation Norval présente, pour la première fois, une exposition consacrée exclusivement à la pratique sculpturale de William Kentridge, en collaboration avec l’artiste et son atelier. Les sculptures de Kentridge adoptent une approche spontanée et ont récemment évolué vers le massif et le monumental. Simultanément, et en tension avec les aspects monumentaux de sa pratique, il se révèle être autant chorégraphe que sculpteur »

Karel Nel, Commissaire d’exposition principal à la Fondation Norval.

Ailleurs, le répertoire d’objets du quotidien et d’idées spontanées de Kentridge est traduit en rangées de petites sculptures en bronze, disposées de façon syntaxique sur une étagère pour être lues comme des lignes de texte sur une page. Dans le paragraphe II (2018), le cheval, le nez, le pichet, la cruche, la caméra, le mégaphone et d’autres s’alignent pour faire des rebus, ces puzzles visuels évoquant des mots qui ont tant plu aux premiers surréalistes.

Plusieurs pièces du lexique visuel de Kentridge ont été retravaillées en prototypes de plâtre à l’échelle, à partir desquels des sculptures monumentales en bronze ont été coulées : un gigantesque tire-bouchon, une cruche effondrée d’origine cubiste, une fleur visuelle en forme d’esperluette et la présence intense d’une énorme caméra de cinéma – peut-être l’alter ego observateur du prodigieux chef-d’oeuvre de Kentridge ?

Le récit rompu, si puissamment visible dans l’œuvre de Kentridge, est chorégraphié en dislocations enchevêtrées qui se heurtent à l’espace entre le personnel et le politique, l’opéra et le mondain, l’apparemment non pertinent et le social pertinent. L’approche des sculptures de Kentridge nous ouvre sur un paysage dadaïste, à la fois provocateur et séducteur.

« La Fondation Norval est fière d’accueillir Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture. Un aspect clé de la Fondation est notre engagement à exposer les pratiques sculpturales et d’installation d’une variété d’artistes, ce qui est facilité par notre édifice conçu à cette fin. En particulier, nous invitons les artistes et les commissaires d’exposition à répondre à la galerie huit, la plus grande, dont l’exposition de William Kentridge en est le plus bel exemple. La galerie est dotée de planchers renforcés pour supporter des œuvres pesant jusqu’à huit tonnes et atteignant jusqu’à neuf mètres de haut. La taille monumentale de cette galerie contraste idéalement avec les sculptures anti-monumentales, spontanées et théâtrales qui font partie de cette exposition. » 

Elana Brundyn, CEO, Norval Foundation.

Une publication ajoute une expérience d’accès aux coulisses de l’exposition

Pourquoi devrais-je hésiter: Sculpture sera accompagnée d’une publication visuellement riche, conçue en collaboration avec l’artiste, prolongeant l’exposition sur support imprimé. Il comprend une section d’un format catalogue raisonné de la pratique sculpturale de William Kentridge à ce jour, avec une autre présentant des esquisses préparatoires pour plusieurs œuvres clés. Il comprend également un essai photographique retraçant l’évolution des grandes sculptures du Lexique de Kentridge qui font partie de l’exposition, de la maquette à l’original en plâtre, en passant par le processus de moulage du bronze lui-même. David Freedberg, professeur d’histoire de l’art à l’Université Columbia et directeur de l’Académie italienne d’études avancées en Amérique, situe le travail de William Kentridge dans plusieurs pratiques artistiques et mouvements clés du canon historique de l’art occidental.

William Kentridge, Pourquoi devrais-je hésiter? : Sculpture
24 août 2019 – 23 mars 2020
Atrium et galeries 2-8
Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaires de l’exposition : Karel Nel, Owen Martin, Talia Naicker, Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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La vente dédiée à l’art Africain chez Sotheby’s revient pour une quatrième saison consécutive le 2 avril 2019

En avril prochain, la vente dédiée à l’art Africain moderne et contemporain de Sotheby’s sera de retour à Londres pour une quatrième saison consécutive, après une exposition en avant-première qui aura lieu du 29 mars au 2 avril prochain.

Depuis l’inauguration de la vente dédiée – Art Moderne et Contemporain d’Afrique -, Sotheby’s a réalisé cinquante records du monde dans la catégorie Meilleurs artistes de toute la diaspora africaine et en confirme un intérêt global grandissant. Le marché international de l’art moderne et contemporain d’Afrique est certainement en plein essor, avec des conversations passionnantes qui s’enflamment sur le terrain, alimentées par des temps forts tels que l’ouverture du Zeitz MOCAA – Musée d`Art africain contemporain et la Fondation Norval à Cape Town, l`évolution des marchés internationaux comme 1-54 Contemporary African Art Fair à Londres, New York et Marrakech, Art X Lagos et bien sûr le pavillon très attendu du Ghana cette année à la biennale de Venise. L’entrée de Sotheby’s dans ce domaine atteste la position de l’art africain moderne et contemporain sur le marché mondial.

D’excellents résultats pour la vente aux enchères d’art africain en 2018

La vente de la saison dernière chez Sotheby’s a totalisé 2,3 millions £ (3 millions $) et a attiré des collectionneurs de 20 pays différents. Les ventes de 2018 ont connu de bons résultats pour des artistes établis tels que Ben Enwonwu (Obitun Dancer ; £187 500/$265 744) et El Anatsui (Tagomizor ; £670 000 /$883 730) à des stars montantes comme Eddy Kamuanga Ilunga, seulement 27 ans, dont l’oeuvre Mangbetu qui a atteint cinq fois l’estimation élevée (£65 000/$92 124).

Une perspective très prometteuse et très kaléidoscopique pour la vente de cette année

L’exposition publique et la vente de cette année rassemblent une collection soigneusement sélectionnée composée de peintures, photographies, dessins et sculptures provenant de tout le continent africain. Hannah O’Leary, chef du département de Sotheby’s, déclare avoir été témoin de la croissance de la demande, de l’audience et de la variété des œuvres :

« En matière d’art contemporain, les gens sont toujours à la recherche de quelque chose de nouveau – une demande qui se prête tout à fait à ce genre. Couvrant plus de 16 pays, un kaléidoscope de cultures et de thèmes, et comprenant les œuvres d’artistes établis et émergents, notre vente aux enchères d’art africain moderne et contemporain reste l’une des plus passionnantes, innovantes et pertinentes sur le marché actuel. L’art africain a connu une sorte de renouveau au cours de la dernière décennie, comme en témoigne l’intérêt grandissant des collectionneurs à travers le monde. En effet, plus d’un quart des acheteurs de la vente de l’an dernier provenaient du continent africain, mais les catégories de collectionneurs couvrent l’Asie, l’Europe, l’Australasie et l’Amérique du Nord, et il est fantastique de voir des artistes africains se hisser au premier plan des collections internationales, tant privées que publiques. Il s’agit donc d’une période incroyablement passionnante pour appréhender l’art africain moderne et contemporain, et les collectionneurs sont toujours séduits par les possibilités qui s’offrent à eux. Notre vente met en vedette des œuvres de quelques-uns des plus grands noms du domaine à des prix abordables, mais comme ces œuvres sont de plus en plus en demande, il est peu probable qu’elles le restent encore longtemps. Si vous êtes à Londres en avril, n’oubliez pas de visiter l’exposition – il y en a vraiment pour tous les goûts ».

El Anatsui, Zebra Crossing 2, estimée à 626,780€ – 854,699€

La vente aux enchères d’avril de Sotheby’s présentera en tête d’affiche, Zebra Crossing II, une tapisserie de capsules de bouteilles de la superstar de l’art contemporain, El Anatsui. El Anatsui a exploré un large éventail de supports, notamment la céramique, les bois durs tropicaux, les couvercles de boîtes de lait et les bouchons de bouteilles en aluminium, que l’artiste utilise pour réaliser les tapisseries métalliques scintillantes pour lesquelles il est le plus connu. Le succès des œuvres d’El Anatsui peut être attribué à la capacité de l’artiste à manipuler sans effort le matériau métallique rigide d’une manière qui crée une œuvre finie qui est robuste mais malléable, luxueuse et donne incroyablement l’impression d’un tissu.

El Anatsui a bénéficié de plusieurs expositions novatrices telles que le spectacle itinérant international When I Last Wrote to you About Africa en 2010. La plus grande exposition de l’artiste à ce jour, El Anatsui : Triumphant Scale, organisée par Okwui Enwezor et Chika Okekeke-Agulu, s’ouvre cette semaine à la Haus der Kunst de Munich et se rend à Mathaf : Musée arabe d’art moderne à Doha à l’automne. El Anatsui représentera également le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’Ibrahim Mahama, dont les œuvres sont également mises aux enchères.

Hassan El Glaoui, La sortie du Roi, estimée à 91,168€ – 136,752€

La Sortie Du Roi met en vedette les chevaux et cavaliers militaires qui ont fait la renommée d’El Glaoui. Parlant de son travail en 2009, El Glaoui a déclaré :  » Mon amour pour mon pays a été l’esprit qui a défini ma peinture. J’ai immortalisé nos racines ancestrales, les fleurs dans la vallée de la Kasbah et les palais rouges chérifiens, les courtisanes royales avec leurs longues lignes de brûlis blancs, la cavalerie montée et leurs chevaux. »

Puissante célébration de son pays natal, La Sortie du Roi déclenche chez le spectateur une myriade de sens : une palette rose poussiéreuse évoquant un climat sec et aride, l’ombre glaciale offerte par les brûlis blanc et bleu, et les mèches de peinture, fantomatiques, en mirage, entourant chaque cheval qui donnent au tableau un mouvement électrisant et frémissant. Le peintre El Glaoui a acquis une renommée internationale et est reconnu comme l’un des pionniers de l’art contemporain au Maroc. L’artiste a exprimé sa gratitude à Winston Churchill pour sa carrière ; lors de sa visite à Marrakech dans les années 1940, le Premier ministre a convaincu le père d’El Glaoui, le dernier pacha de Marrakech, de permettre au jeune artiste de poursuivre sa vocation artistique. Les œuvres de Churchill et d’El Glaoui ont ensuite été présentées conjointement dans une exposition conjointe à Londres.

Kamala Ibrahim Ishaq, Preparation of Incense – Zār Ceremony, estimée à 79,772€ – 102,564€

Kamala Ibrahim Ishaq est reconnue à la fois comme une pionnière de la scène artistique soudanaise, une icône féministe et l’une des artistes féminines les plus importantes du continent africain. L’artiste a été l’une des premières femmes à obtenir son diplôme de l’École des beaux-arts de Khartoum en 1963. Entre 1960 et 1975, la scène artistique de Khartoum a été marquée par la célèbre Khartoum School – École de Khartoum-, un mouvement artistique qui a débuté au Soudan dans les années 1960 dans le but de créer un nouveau langage visuel qui reflète un Soudan nouvellement indépendant. Kamala Ishaq faisait, par ailleurs, partie de la récente exposition à la galerie Saatchi  » Forêt et esprits Arts figuratifs de l’école de Khartoum « , organisée par Roubi l’Roubi.

Parmi les membres notables de cette école, on compte les artistes Ibrahim El-Salahi et Sarah Elmur (et les œuvres de ces deux artistes sont incluses dans la vente aux enchères). En 1971, bien qu’elle fût un membre éminent du groupe, Kamala quitte et fonde le Crystalist Group, plaidant pour une nouvelle esthétique artistique soudanaise qui s’inspire de la diversité et de la transparence. Le présent lot démontre l’intérêt de Kamala pour les processus spirituels soudanais, en particulier une pratique traditionnelle appelée la cérémonie Zār, par laquelle l’individu est débarrassé des mauvais esprits. Le travail de Kamala Ibrahim Ishaq a été largement exposé dans des institutions renommées telles que le MoMA PS1 (USA), la Whitechapel Gallery (UK), le Sharjah Art Museum (UAE), le Smithsonian National Museum of African Art (USA), Camden Art Center (UK), entre autres. Lire plus.

Chéri Samba, J’aime la couleur, estimée à 45,584€ – 68,376€

Chéri Samba est l’une des figures artistiques les plus prestigieuses issues de la République Démocratique du Congo ces dernières années. Né dans un village à 80 km de Kinshasa, Cheri Samba était l’un des quatre artistes congolais autodidactes qui, dans une Kinshasa des années 1970 nouvellement démocratique, ont fondé le mouvement connu aujourd’hui sous le nom de Peinture Populaire. Le genre joue avec la satire, l’ironie et l’humour pour aborder la vie quotidienne dans la capitale, y compris les questions sociales, politiques et économiques telles que les coutumes populaires, la sexualité, le SIDA, les inégalités sociales, la matérialité et la corruption.

Influencés par la publicité dans la ville, les artistes combinent des couleurs vives et audacieuses avec du texte pour créer des œuvres de conversation politiquement chargées qui s’adressent directement et franchement aux spectateurs. S’inspirant de sa formation antérieure de dessinateur de bandes dessinées et de panneaux publicitaires, le travail de l’artiste consiste souvent à écrire des textes, à esquisser un message clair ou une intrigue. Il a ensuite exposé dans certaines des institutions les plus prestigieuses du monde, dont la Fondation Cartier et le Museum of Contemporary Art Chicago. Sotheby’s présente aux enchères un J’aime la couleur de Cheri Samba, inhabituel et dramatique de l’imagerie la plus iconique de Samba.

Eddy Kamuanga Illunga, (b. 1991), Palm, estimée 28,490€ – 39,886€

Fusionnant à la fois les styles traditionnels et la « culture populaire », l’œuvre d’Illunga reflète à la fois la modernisation rapide de Kinshasa, troisième ville d’Afrique et ville natale de l’artiste, et la durabilité incertaine du patrimoine et des rituels quotidiens du peuple Mangbetu – qui font l’objet de cette œuvre stupéfiante. Comprendre le présent à travers le passé est au cœur de la pratique d’Illunga. Les poses classiques et les riches draperies des peintures figuratives monumentales de l’artiste rappellent les vieux maîtres européens. Pourtant, les tongs en caoutchouc et les bandes de tissu vibrantes capturent l’artisanat et l’héritage des Mangbetu. De plus, les circuits électroniques, les motifs de la marque de commerce de l’artiste, tatouent les personnages peau nue, signalant ainsi le XXIe siècle numérique.

Ce style de peinture est né très tôt dans la carrière de l’artiste, après avoir appris que la République démocratique du Congo est l’un des plus grands producteurs mondiaux de coltan, un minerai extrait à la main qui contient du tantale, un métal clé pour l’industrie électronique. Choqué par le nombre croissant de villages détruits pour exploiter ces minéraux, Illunga symbolise l’exploitation de son pays et de son peuple, et la dure réalité de la mondialisation. Avec sa finesse picturale, son symbolisme complexe et son attrait puissant pour les yeux et la conscience, l’œuvre d’Illunga a acquis une renommée internationale. La vente de Palm fait suite à la vente de Mangbetu d’Illunga à Sotheby’s en mars 2018, qui a atteint 65 000 £/92 124 $, dépassant l’estimation de 8 000 à 12 000 £ avant la vente.

Ibrahim Mahama, Rafia EB X, estimée à 22,792€ – 34,188€

Rafia EB X de l’artiste ghanéen Ibrahim Mahama est une élégante toile murale composée de sacs recyclés en toile de jute. L’artiste est surtout connu pour assembler ces sacs de jute afin de créer de grands textiles qui sont souvent déposés sur des formes architecturales. Importés au Ghana depuis l’Asie du Sud-Est, puis réutilisés pour l’exportation de cacao, de charbon de bois et d’autres cultures, les sacs de jute de Mahama sont synonymes de l’histoire commerciale du Ghana et servent à commenter les relations économiques du Ghana avec le reste du monde, de l’après-colonisation à nos jours.

Le travail de Mahama s’étend de grandes installations in situ à des pièces plus intimes comme Rafia EB X. Ayant reçu une formation de peintre, Mahama introduit dans ses œuvres comme Rafia EB X , une conception matérielle faisant référence à des peintures, cherchant à souligner la forme élégante qui pend sur le mur tout en défiant les limites du sens de la peinture. Mahama représentera le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’El Anatsui, dont le travail est également inclus dans la vente aux enchères, dans un pavillon national co-commissarié par l’architecte Sir David Adjaye.

La vente comprendra également Harvest Scrolls, 1983, une œuvre de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, considérée comme faisant partie des courants créatifs du Nil, estimée entre 34,188€ – 56,980€ et ayant appartenu à la collection de Terry McMillan.

La vente présentera aussi l’artiste Nigérian Uzo Egonu, Women Reading, 1978 estimé entre 12 000 et 18 000 £ et l’artiste sud-africain William Kentridge, Head (Orange), estime entre 30 000 et 50 000 £ parmi d’autres.

 

Vente d’Art Moderne & Contemporain Africain
Londres
02 Avril 2019
14H

Sotheby’s
34-35 New Bond Street
Londres W1A 2AA
+44(0)20 7293 5000

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L’Armory Show est la première foire d’art de la ville de New York et l’une des principales destinations culturelles pour découvrir et collectionner l’art des XXe et XXIe siècles les plus importants de la planète. Organisé sur les quais 90, 92 et 94 de Manhattan, l’Armory Show, soutenu par Athena Art Finance, partenaire de référence, sera ouvert au public du 7 au 10 mars 2019 avec des présentations de galeries internationales, des commandes innovantes et un programme public dynamique. Depuis sa fondation en 1994, The Armory Show a servi de lien pour le monde de l’art international, inspirant le dialogue, la découverte et le mécénat dans les arts visuels.

« UN TIRAGE AU SORT POUR LES GRANDS COLLECTIONNEURS, GALERISTES, CÉLÉBRITÉS ET AMATEURS D’ART »
– Le NEW YORK TIMES

L’édition 2019 de l’Armory Show (qui célèbre son 25ème anniversaire cette année) présentera 194 galeries de 33 pays, réunissant une présentation inégalée des galeries internationales du centre de Manhattan. Cette année, 59 nouveaux exposants seront également accueillis. Voici une courte sélection d’œuvres passionnantes d’Afrique et de sa diaspora, que vous pouvez vous attendre à voir à l’exposition, si vous êtes de passage à New York.

AJARB BERNARD ATEGWA représenté par la galerie Jack bell (Londres, Royaume-Uni)

Les œuvres d’Ategwa sont de grands formats et imitent l’échelle des paysages urbains et de l’espace public. Ses peintures fonctionnent comme des séquences dans un récit plus large décrivant le chaos de sa ville natale et de son pays, le Cameroun, où il est né. Entre les stations de taxis, les marchands de journaux, les bars, les marchés routiers et les moments de répits éphémères, l’artiste propose des clichés de la vie quotidienne. Sa palette de couleurs vives et son style graphique parlent le langage publicitaire familier aux habitants de Douala. Avec beaucoup d’habileté, l’artiste tisse des scènes urbaines, des sons et des odeurs pour créer une riche immersion sensorielle. Il est important de mentionner qu’il est autodidacte.

Jody Paulsen représenté par la galerie SMAC (Le Cap, Afrique du Sud)

Jody Paulsen est né au Cap, en Afrique du Sud, où il vit et travaille actuellement. Travaillant avec du textile, en particulier le feutre, Paulsen explore des thèmes liés à sa compréhension dans le contexte de la culture matérielle contemporaine. Son travail parle du processus de production alors qu’il crée de vastes tapisseries élaborées et des collages colorés. Diverses formes, couleurs, logos et polices de caractères font référence à l’époque actuelle du capitalisme et aux expériences de la culture mondiale qui façonnent les concepts de genre, de sexualité et d’identité. Les œuvres de Paulsen font partie de nombreuses collections publiques et privées importantes, notamment Zeitz MOCAA au Cap, en Afrique du Sud ; la collection privée de Matthais & Gervanne Leridon à Paris, en France ; Sovereign Art Foundation, à Hong Kong, Singapour, Royaume-Uni, Guernesey, Afrique du Sud ; The Royal Portfolio Collection, au Cap, en Afrique du Sud et le 21 c Museums Hotel à Louisville, États-Unis.

Zak Ové représenté par la galerie Lawrie Shabibi (Dubai, E.A.U)

Ové cherche à raviver et réinterpréter la culture et la mythologie perdue en utilisant des matériaux du monde contemporain tout en rendant hommage à l’identité spirituelle et artistique africaine. Cherchant constamment des moyens imprévisibles d’exprimer des formes traditionnelles africaines reconnaissables, sa pratique explore l’identité africaine, la diaspora africaine et l’histoire africaine.

La galerie Tiwani Contemporary (Londres, Royaume-Uni) présentera des oeuvres de Virginia Chihota

Introspective de nature, le travail de Virginia Chihota est profondément influencé par ses expériences personnelles, marquantes et quotidiennes. Dans une réflexion sur l’intimité et la figure humaine, elle a abordé des thèmes tels que la procréation, l’éducation des enfants, le mariage, la parenté, le deuil et la foi. Après une formation de graveuse, Chihota utilise la sérigraphie avec autant de confiance que d’originalité. Elle mélange les techniques d’impression et le dessin pour produire des œuvres uniques d’une complexité formelle saisissante. Elle est née en 1983 à Chitungwiza, Zimbabwe et vit et travaille à Podgorica, Monténégro.

La galerie Mariane Ibrahim ( Seattle, WA, Etats-Unis) présentera en solo un stand dédié uniquement à l’artiste féminin américano-haitienne, Florine Démosthène

Florine Demosthene est née aux États-Unis et a grandi entre Port-au-Prince, Haïti et New York. Démosthène est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’école de Design Parsons à New York et d’une maîtrise en beaux-arts du Hunter College de la City University of New York. Utilisant des matériaux non traditionnels comme les paillettes et le mylar, son travail évoque une forte lutte animée, une lutte pour le pouvoir existant. Les superpositions de ses alter-egos, reflètent la résilience des codes esthétiques préfabriqués dictés par un ensemble de comportements. On ne peut échapper à la marchandisation et à la fétichisation du corps noir. L’Artiste expose un nouveau paradigme physique, utilisant le genre et les attributs sociaux pour échapper au déterminisme.

Des oeuvres de Kapwani Kiwanga présentées par la galerie Jérôme Poggi (Paris, France)

Le travail de Kiwanga retrace l’impact omniprésent des asymétries de pouvoir en mettant les récits historiques en dialogue avec les réalités contemporaines, les archives et les possibilités de demain. Son travail est axé sur la recherche, inspiré par des histoires marginalisées ou oubliées, et s’articule autour d’une gamme de matériaux et de médiums tels que la sculpture, l’installation, la photographie, la vidéo et la performance. Kiwanga suit la lignée de la surveillance et la positionne par rapport à la noirceur en Amérique, depuis ses racines dans l’esclavage jusqu’au rôle que joue aujourd’hui la technologie.

Des oeuvres de Sadie Barnette présentées par la galerie Charlie James (Los Angeles, CA, Etats-Unis)

Que ce soit sous forme de dessin, de photographie ou d’installation à grande échelle, le travail de Sadie Barnette se complaît dans l’abstraction de l’espace urbain et dans la transcendance du mondain pour l’imaginatif. Elle crée des compositions visuelles qui engagent une esthétique hybride de minimalisme et de densité, utilisant du texte, des paillettes, des polaroïds familiaux, des codes de sous-culture et des objets trouvés. Des travaux récents s’appuient sur le dossier de surveillance de 500 pages du FBI sur son père, Rodney Barnette, qui a notemment fondé le chapitre de Compton, en Californie, du Black Panther Party en 1968.

La galerie Vigo (Londres, Royaume-Uni) présentera des oeuvres de Ibrahim El-Salahi 

A la tête de l’école soudanaise de Khartoum et premier artiste africain à avoir une rétrospective à la Tate Modern de Londres, Ibrahim El Salahi combine dans son art des styles européens avec des thèmes traditionnels soudanais. L’art d’El Salahi englobe et explore toute une gamme de formes de composition, y compris des fragments de calligraphie arabe, mais évoque perpétuellement un surréalisme transnational, influencé par l’Afrique.

La galerie ACA ( New York, NY, Etats-Unis) présentera une sélection d’oeuvres de Faith Ringgold

Les patchworks narratifs picturaux pour lesquels Ringgold est le plus connu sont issus de ces premières peintures et dénoncent le racisme et la discrimination dans leur thème. Combinant la fabrication de patchwork, la peinture de genre et la narration d’histoires à travers des images et des textes écrits à la main, la série « The American Collection » (1997) tente de réécrire l’histoire de l’art afro-américaine en soulignant l’importance de la famille, des racines, de la collaboration artistique.

La galerie James Cohan (New York, NY, Etats-Unis) présentera une sculpture de Yinka Shonibare CBE

Au cours des dernières décennies, Shonibare s’est fait connaître par son exploration du colonialisme et du post-colonialisme dans le contexte contemporain de la mondialisation. Travaillant avec la peinture, la sculpture, la photographie, le cinéma et l’installation, le travail de Shonibare examine la race, la classe sociale et la construction de l’identité culturelle à travers un commentaire politique aigu des relations entre l’Afrique et l’Europe et leurs histoires économiques et politiques respectives.

Omar Ba représenté par la galerie Templon (Paris, France)

Né en 1977 au Sénégal, Omar Ba vit et travaille à Dakar et à Genève. Ses peintures, réalisées à l’aide de techniques et de matériaux variés, représentent des motifs politiques et sociaux ouverts à de multiples interprétations. Son vocabulaire artistique soulève des questions historiques et intemporelles tout en formulant un message artistique entièrement contemporain.  L’iconographie d’Omar Ba présente des métaphores personnelles, des références ancestrales et des figures hybrides.

La galerie Jack Shainman (New York,NY, Etats-Unis) présentera des photographies de Gordon Parks

De la fin des années 1940 jusqu’aux années 1960, Parks a produit certains de ses essais photographiques les plus renommés sur les questions relatives aux droits civils. Un portrait stoïque de Red Jackson, tiré d’une série de 1948 sur le chef de gang de Harlem, révèle un homme apparemment entouré de ses options alors qu’il regarde attentivement par une fenêtre brisée ; l’obscurité de l’intérieur contraste avec la lumière qui l’éclaire de la rue. En montrant les visages individuels et les familles derrière les manchettes essentielles de la violence et de la pauvreté implacable, Parks a mis l’accent sur la similitude plutôt que sur la différence. Son héritage, et celui de ceux qu’il a capturés, demeure bien vivant dans l’Amérique d’aujourd’hui.

Les galeries Richard Taittinger Gallery et Continua présentent une installation majeure de Pascale Martine Tayou

Pascale Marthine Tayou (né en 1966, Nkongsamba) est un artiste de renommée internationale dont l’œuvre se caractérise par sa variabilité, puisqu’il ne se limite dans son travail artistique ni à un médium ni à une problématique particulière. Déjà au tout début de sa carrière, Pascale Marthine Tayou a ajouté un « e » à son prénom et à son second prénom pour leur donner une fin féminine, se démarquant ainsi ironiquement de l’importance de la paternité artistique et de l’ascension masculine et féminine. Ses œuvres ne servent pas seulement de médiateur dans ce sens entre les cultures, ou mettent l’homme et la nature dans des relations ambivalentes entre eux, mais sont produites en sachant qu’elles sont des constructions sociales, culturelles ou politiques.

Le commissaire d’exposition déclare:  » Les sacs en plastique sont utiles, mais aussi nuisibles – ils transportent des marchandises, traversent les frontières et contribuent à la pollution plastique. La grande et visuellement impressionnante installation de Tayou, Plastic Bags (2019), prend des objets omniprésents et les utilise pour créer une œuvre d’art qui offre un commentaire coloré sur la consommation et le mondialisme. »

Le Armory Show – Du 7-10 Mars 2019

Piers 90, 92, and 94
New York, Etats-Unis

Jours et horaires d’ouvertures au public

Jeudi, 7 mars, 12H— 20H
Vendredi, 8 mars, 12H — 20h
Samedi, 9 mars, 12H — 19H
Dimanche 10 mars, 12H -18H

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Koyo Kouoh apporte à son nouveau rôle deux décennies d’expérience en tant que conservatrice et productrice culturelle internationale. En tant que directrice artistique fondatrice de la RAW Material Company, un centre d’art situé à Dakar, elle a développé de nombreux programmes artistiques et publié de nombreux articles sur l’art contemporain. Koyo Kouoh a également été conservatrice du programme éducatif et artistique de la Foire d’art contemporain africain 1-54 pendant huit éditions consécutives à Londres et à New York, ainsi que des équipes de conservation pour les Documenta 12 et 13.

Active dans le domaine de la critique d’art à l’échelle panafricaine et internationale. Kouoh possède à son actif une liste remarquable de publications éditées sous son égide, dont la prochaine “RAW Académie: A Matter of Knowledge,” “Word!Word?Word! Issa Samb and The Undecipherable Form” (2013) and “Condition Report on Building Art Institutions in Africa”(2012), pour n’en citer que quelques-unes.

« Koyo est une leader exceptionnelle et une visionnaire passionnée bénéficiant d’un réseau international et de compétences exemplaires dans tous les domaines institutionnels en lien avec les arts en Afrique et dans le monde. Elle sera un atout précieux pour le Zeitz MOCAA et saura lui apporter une vision innovante du musée « 

Jochen Zeitz et David Green, co-fondateurs et co-présidents du Zeitz MOCAA.

« Je connais et travaille avec Koyo depuis de nombreuses années sur des projets liés à l’art contemporain en Afrique et au-delà. Je pense qu’elle contribuera grandement au développement du Zeitz MOCAA en tant qu’institution, car sa connaissance des acteurs contemporains du continent qui contribuent à l’histoire culturelle de l’Afrique aidera le musée dans ses intentions fondamentales d’être une voix majeure dans le domaine de la culture visuelle. Les membres du conseil d’administration ont fait un choix audacieux qui témoigne des ambitions du musée. « 

Gavin Jantjes, président du groupe consultatif de conservation du Zeitz MOCAA.

Lors de sa récente nomination, Kouoh a déclaré : « Je suis ravie de rejoindre le Zeitz MOCAA en tant que directrice et conservatrice à ce moment crucial pour le développement du musée. C’est une occasion sans précédent de créer un foyer unique pour la production, l’exposition, la discussion et la conservation de l’art contemporain en Afrique »..

La nomination de Mme Kouoh prend effet immédiatement, son poste à plein temps de directrice exécutive et conservatrice en chef prenant effet le 6 mai 2019, date à laquelle l’équipe de direction élargie du Zeitz MOCAA sera composée de Koyo Kouoh, directeur exécutif et conservateur en chef, Brooke Minto, directrice du développement institutionnel, et Fawaz Mustapha, directrice des opérations.

Dans son récent communiqué de presse en date du 4 mars 2019, le conseil d’administration du Zeitz MOCAA a tenu à remercier Azu Nwagbogu pour avoir assumé le poste de conservateur en chef du musée en mai 2018. La contribution de Nwagbogu au programme d’exposition du musée et son engagement personnel pour assurer la continuité pendant cette période de transition ont été grandement appréciés. Nwagbogu continuera d’assumer ce rôle jusqu’en mai prochain, travaillant aux côtés de Kouoh pendant la période de transition et de transfert, et continuera de collaborer étroitement avec l’institution.

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Siwa Mgoboza est un artiste plasticien qui a créé un monde nommé Africadia – « Une Arcadia africaine » comme l’appelle l’artiste -. Un monde où il n’y a aucune étiquette. Son travail est composé de textiles. Dans ses oeuvres, il n’y a pas de race, les personnages ne sont pas sujets au genre, ni à la sexualité. Parfois on a du mal à savoir si ils sont du genre humain ou animal. Cela est laissé à la libre interprétation du spectateur. Siwa s’interroge  » Alors comment puis-je commencer à exister dans un espace et ne pas être enchaîné par ces étiquettes, ou par l’espace physique réel et vivre ma meilleure vie sans me sentir obligé de me conformer pour être accepté ? »

Siwa est né au Cap mais a vécu au Pérou et en Pologne, il a toujours été considéré comme un étranger même dans son pays natal, l’Afrique du Sud. Cela l’a fait réfléchir à la notion de  » chez soi «  et à l’existence. « Nous savons que nous ne vivons pas dans un monde isolé, ce qui se passe en Afrique affecte ce qui se passe au Moyen-Orient, ce qui se passe aux Etats-Unis, ou ce qui se passe en Asie, etc. Nous sommes tous connectés mais nous avons été programmés pour fermer les frontières et isoler ce qui est différent de nous. » 

Son travail est vibrant, coloré et  » carnavalesque « . Pour lui, cet effet carnavalesque dans ces oeuvres a pour but premier d’attirer l’attention du spectateur. Une fois que le spectateur est attentif, il commence à analyser et à comprendre que l’œuvre n’est pas aussi joyeuse que son aspect le fait croire.

Siwa Mgoboza est représenté par des galeries reconnues telles que Loft Art Gallery à Casablanca, Maroc, Matter Gallery à Toronto, Canada, BoxArt Gallery à Vérone, Italie et Semaphore Gallery à Neuchatel, Suisse.

Pour aller plus loin dans la découverte de l’artiste → Africa in words. 

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Le titre « Fibers of being » – « Fibres de l’être » – fait référence à la fois au matériau utilisé et aux idées de l’existence dans les récits explorés dans son œuvre. L’intérêt de Karmali pour la migration et la socio-économie est le fer de lance de sa pratique et s’exprime à travers son processus et sa sélection de matériaux. Cette exposition présente une sélection d’œuvres de deux corpus de l’artiste et est accompagnée d’un essai de Jesse Firestone publié dans le catalogue de l’exposition.

Dans PAPERwork, Karmali aborde les complexités de la nationalité, de l’authenticité, de la documentation et des frontières créées en Afrique en examinant la population migrante en Afrique de l’Est. Né et élevé à Nairobi, au Kenya, l’artiste jette un coup d’œil sur ses documents d’immigration familiaux pendant le colonialisme et sur ses documents d’immigration actuels pour discuter des frontières et du contrôle par le matériel.

En décomposant ces documents sur papier, en les réduisant en pâte et en créant de nouvelles feuilles de papier, il remet en question la présence du papier en tant que validateur du mouvement à travers le monde. Pour lui, le processus de filtration qu’implique la fabrication du papier est une métaphore de la traversée des frontières. Les feuilles sont abstraites, certaines contenant des images et du texte, d’autres des vallées et des crêtes pour imiter les paysages.

Cette référence au paysage se retrouve également dans la série STRATA de Karmali où il étudie l’utilisation des terres et le traitement des personnes. Fabriquées en raphia, un textile traditionnel tissé de fibres de palmier de la République Démocratique du Congo, ces œuvres montrent des failles sombres faites en teignant le tissu avec du cobalt et du lithium provenant de batteries de téléphones portables. C’est une référence directe aux pratiques minières oppressives en République démocratique du Congo. Cette relation est examinée plus en détail dans les écrits de Jesse Firestone.

→ Galerie LKB/G
Première exposition personnelle de Tahir Carl Karmali en Allemagne
Du 8 février au 9 mars à la galerie LKB/G
Wexstraße 28, 20355 Hambourg, Allemagne
Lun – ven : 13h – 18h

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