Relier la main au cœur avec le designer sud-africain Jan Ernst de Wet
S’inspirant de la nature, Jan Ernst de Wet crée des objets en céramique élégants et séduisants qui équilibrent délicatement la forme et la fonction. Pour lui, la céramique est liée à l’exploration, à l’expérimentation et à la recherche d’un équilibre dans la composition, la structure et la matérialité. Ayant reçu une formation en architecture, le principal médium de Jan Ernst est l’argile, grâce à laquelle il donne vie à des dessins organiques gracieux et magnifiques. Bien que son engagement formel dans la céramique ait commencé plus tard dans sa vie, les petites maisons en terre et les villages en argile réalisés dans son enfance ont déclenché une passion qu’il poursuivra par la suite. La tactilité, la singularité, le caractère décoratif et le plaisir sont tous des principes importants qui sous-tendent le travail de l’artiste du Cap. Il ne craint pas la contradiction – la durabilité et la nuance sont traitées avec une grande finesse.
Voici une conversation que j’ai eue avec Ernst au sujet de sa pratique, de sa philosophie envers la beauté et de ses projets d’avenir.
Nkgopoleng Moloi : Vous décrivez votre travail comme de l’art fonctionnel, pouvez-vous nous dire ce que vous entendez par là ?
Jan Ernst : La première chose qui me vient à l’esprit est une phrase architecturale de l’architecte romain Marcus Vitruvius Pollio, « commodité, fermeté et plaisir ». Il pensait que si un projet embrassait et équilibrait ces trois aspects, le créateur aurait réussi dans sa tâche. La commodité fait référence à la fonctionnalité du design – dans le cas du candélabre, l’objectif est de réussir à tenir les bougies. La fermeté fait référence à la construction/la fabrication d’un objet qui est stable. Enfin, le plaisir fait référence à l’accomplissement de la fonction esthétique.
N.M : Quand je contemple votre œuvre, il y a une subtilité et une délicatesse – une approche presque minimale mais pas tout à fait. Comment décririez-vous votre langage visuel ?
J.E : Vous avez raison. Il y a une interaction entre le délicat et le robuste. Minimal mais légèrement orné de texture. La nature est pleine de ces nuances. L’esthétique minimale est dictée par la fonctionnalité de l’objet de design. Par mon travail, je cherche à créer un équilibre entre ce qui est pur et fidèle à l’argile en tant que matériau et quelque chose qui reflète les environnements soignés dans lesquels nous vivons.
N.M : Pouvez-vous nous parler de votre trajectoire dans le domaine de la céramique ? Comment et quand a-t-il commencé ?
J.E : Si l’on remonte à l’époque où j’étais un petit garçon qui grandissait dans une ferme, on peut dire que c’est à ce moment-là que tout a commencé. Je me souviens avoir construit des maisons en terre et des petits villages faits de terre et d’argile trouvés dans le jardin. C’est au lycée que j’ai été initié à la céramique dans le cadre de mes cours d’art. Avant d’obtenir ma maîtrise en architecture, j’ai fréquenté l’école d’art de l’université Nelson Mandela et j’y ai été exposé dans le cadre de mes études de sculpture et de 3D. C’est dans mon studio d’architecture que j’ai commencé à travailler avec Vorster et Braye Ceramics. J’ai été presque instantanément happé par ce médium, mais je voulais l’explorer d’une nouvelle manière.
N.M : Votre travail n’est presque jamais lisse. Il est scarifié par des incisions et des marques sur sa peau. Pouvez-vous nous parler du processus de marquage dans votre travail ? Et pourquoi cette approche ?
J.E : Je suis personnellement attiré par les éléments texturés – j’aime toucher les objets en raison de l’interaction avec eux. Si « lisse » est aussi techniquement une texture, le marquage vient de mon interprétation des textures trouvées dans la nature et qui laissent des traces d’engagement avec l’objet. J’utilise la texture, non pas comme un élément décoratif appliqué, mais plutôt pour mettre en valeur les lignes de composition des pièces. Les fines lignes du candélabre en forme de corail soulignent le flux et les courbes et donnent du mouvement à la pièce.
La texture boueuse de la fourmilière ancre la pièce dans son environnement et représente la terre/saleté créée par les fourmis lorsqu’elles construisent des fourmilières. La création de ces textures prend beaucoup de temps. J’inscris avec un outil fin pour créer les lignes ou je fracasse un objet contondant dans de l’argile très humide pour créer la texture semblable à la terre. Je suppose qu’il y a quelque chose à retirer ou à enlever de la pureté de l’argile lisse.
Candélabre Fourmilière 
Candélabre Fourmilière en céramique 
N.M : Vous décrivez le travail comme étant influencé par des structures naturelles -coraux, champignons et formations rocheuses- qu’est-ce qui vous fascine dans ces structures ?
J.E : Je trouve que les formes organiques sont fascinantes. Elles n’essaient jamais d’être autre chose que ce qu’elles sont. C’est très vrai. Elles reflètent la croissance, la décomposition et le changement, donc il y a une histoire de temps qui passe derrière elles. Comme les formations rocheuses du Cederberg qui sont sculptées par les vents pour créer des sculptures monolithiques. Du point de vue de la « fabrication », l’argile préfère également être façonnée en formes organiques plutôt qu’en lignes droites – le matériau s’adapte donc très bien à l’inspiration et à la forme physique. Il est incroyablement difficile de créer quelque chose qui ressemble à une structure en toile flottant dans l’air, mais c’est là toute la beauté de la chose. Pousser le médium à ses limites et réussir.
N.M : Je suis curieuse de savoir si vous avez une philosophie de la beauté. Dans votre travail, à quel point pensez-vous à la beauté, comment pensez-vous à ce qu’est la beauté et comment lui donnez-vous vie ?
J.E : Je pense à la beauté tout le temps lorsque je crée. Je suppose qu’elle est beaucoup influencée par mon expérience en architecture. Je trouve la beauté dans la composition, la structure, la matérialité et la fonctionnalité. Ces éléments qui travaillent ensemble en harmonie créent un résultat qui est esthétiquement agréable et qui sert un usage. C’est peut-être une approche très académique, mais je trouve aussi la beauté dans l’absurde, dans le maladroit et le techniquement incorrect – c’est comme une bonne blague avec une forte chute. La bizarrerie et l’intelligence.
N.M : Pouvez-vous nous parler de votre processus de création des pièces, du début à la fin ? Une pièce telle que le candélabre en céramique à 6 bras et 3 jambes ou le candélabre de la Fourmilière en terre cuite, par exemple ?
J.E : La graine de l’idée vient de l’exploration de la nature et de l’emprunt d’idées à l’environnement. J’aime me promener dans le veld – les larges espaces de la campagne en Afrique du Sud ; ces espaces ont un relief peu marqué et sont couverts d’herbe et d’arbustes – ou passer du temps sur les rochers au bord de l’océan.
La nature n’arrête jamais de m’inspirer. À partir de là, je commence à styliser et à faire de l’abstraction à travers des croquis et des modèles. Beaucoup des modèles que je fais servent simplement à comprendre la forme, à affiner, à soustraire et à ajouter jusqu’à ce que ça semble bien. Dans mon esprit, je vois les lignes des bougies rencontrer l’argile. La composition triangulaire, et l’inclusion de formes telles que des cercles ou des ovales, puis la déformation en formes plus organiques et plus fluides. La dernière partie est la texture que j’applique. Le choix de la texture est un graphique simplifié de la texture réelle que l’on trouve sur les coraux ou les fourmilières par exemple.
N.M : Collaborez-vous beaucoup dans le cadre de votre pratique ? Si oui, pouvez-vous nous parler de votre approche de la collaboration ?
J.E : Je pense que les collaborations donnent certains des meilleurs résultats en matière de conception. Il est intéressant de voir comment quelqu’un d’autre pense à votre travail et quelle serait son approche. Dans le cadre d’une collaboration, il est important de rester fidèle à votre caractère de designer mais d’emprunter ce qui est pertinent à l’autre partie. Je collabore actuellement avec un autre studio dont le style de design est complètement différent du mien – fin, utilitaire et très stylisé. J’apprends à apprécier les détails, la précision et la géométrie.
N.M : Bernard Leach ( l’homme considéré comme le père de la poterie) avait l’habitude de décrire la poterie comme « une façon de connecter la main au cœur ». Je suis intriguée, en tant que personne ayant une formation dans un domaine différent (l’architecture), par ce que la céramique vous offre de plus que l’architecture ou la décoration intérieure ?
J.E : Ce qui me fascine le plus dans la céramique, c’est de voir comment quelque chose que j’ai conçu peut prendre forme sous mes yeux pendant que je m’y adonne. Pendant mes études d’architecture, nous avions l’habitude de construire des modèles de ce à quoi nos bâtiments ressembleraient [imagerie générée par ordinateur]. L’architecture est une profession lente et, de nos jours, nous sommes très éloignés du physique. Tout se passe sur ordinateur avec des représentations numériques et des visites virtuelles – cela ne laisse pas beaucoup de place pour la création à la main. L’idée de relier la main et le cœur par la poterie est une chose à laquelle je peux m’identifier. Il y a de la beauté dans le processus d’engagement, dans la compréhension de la forme physique qui se trouve sous vos yeux et dans le temps passé à la perfectionner.
N.M : Pouvez-vous nous faire part de vos projets pour le futur proche, s’il y en a ? Travaillez-vous sur de nouvelles collections ? Quelle est la direction à prendre, etc.
J.E : Je travaille actuellement sur une nouvelle collection appelée « Formations » – elle est commissionnée par un client privé du Stellenbosch et comprendra un bureau, une table d’appoint, un lampadaire, un banc et une lampe de table. L’idée est de remettre en question les qualités structurelles de l’argile en tant que support dans sa forme la plus pure. Le bureau, par exemple, n’aura pas de sous-structure en acier ou en bois. L’esthétique du design est dictée par des formations rocheuses inspirées du Cederberg ou des champignons de la forêt de Newlands dans le Cap-Occidental. Il vise à mettre en valeur les structures organiques qui se chevauchent, de l’échelle micro à l’échelle macro.
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