Maneo Mohale parle d’un « processus très douloureux ponctué de petits moments miraculeux de découverte, un contenant pour des vérités complexes » quand pour beaucoup d’écrivains, le processus d’écriture peut être une purification et une purge des émotions, un renouvellement et une restauration. Les fantômes ne meurent pas, ils dorment, se cachent ou se taisent. Jacques Derrida parle de « la figure du fantôme comme de ce qui n’est ni présent ni absent, ni mort ni vivant ». Ces fantômes, souvent créés par des rencontres confondantes qui modifient lentement le cours de nos vies, ne restent jamais entièrement dans le passé…ils semblent toujours revenir après de longues absences.

Maneo Mohale est une écrivaine, une éditrice et une conteuse prolifique et réfléchie. Le premier recueil de poésie publié récemment, Everything Is a Deathly Flower – Tout est une fleur mortelle – , affronte le fantôme d’une agression sexuelle traumatisante. Le livre n’a pas pour but de « chercher un sermon dans le suicide » ou de trouver la leçon morale dans les actions tout à fait cruelles des autres, il n’est pas conçu comme une purge ou une purification ou un meurtre de fantômes… c’est simplement un livre d’espoir…l’espoir en voyant la vie avec toute sa souffrance et son traumatisme, avec violence, mais aussi avec amour, avec bonheur, avec frustration et avec beauté, avec mort et absurdité, fantômes, avec tragédies et humour et en s’en tenant au vouloir de la vivre. L’espérance comme la volonté de vivre pleinement et joyeusement.

Ci-dessous se trouve une courte conversation avec Maneo Mohale au sujet de son nouvel ouvrage.

Nkgopoleng Moloi: Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur ce qui vous a poussé à écrire ce livre et de cette façon, tant sur le fond que sur la forme ?
Maneo Mohale: J’ai écrit ce livre parce que j’en avais besoin. Après six ans de guérison et deux ans d’écriture, je sentais que je pouvais commencer à aborder mon agression d’une manière qui pouvait toucher aux limites de la guérison. Je ne veux pas dire que l’écriture elle-même était cathartique. C’était très douloureux mais ponctué de ces petits moments miraculeux de découverte. C’est pour ça que j’aime la poésie. C’est assez large et mystérieux pour être un récipient pour des vérités compliquées, mais assez précis et formel pour que je me sente en sécurité dans la forme et la structure.

NM: Il peut être si facile pour nous, femmes noires, homosexuelles noires ou personnes vulnérables, de nous intéresser à la violence. Comment affronte-t-on cette violence, que ce soit dans le travail ou dans la vie personnelle ?

Maneo Mohale: La violence est le spectre qui hante la vie quotidienne – elle touche tout, mais de manière inégale. Comme vous l’avez laissé entendre dans votre question, certaines personnes sont plus proches de la violence que d’autres, et très souvent, trop souvent, cette proximité est déterminée par la race, la classe sociale, le sexe, la capacité, la sexualité, etc. Surtout en Afrique du Sud, où nos fantômes sont encore si présents.

MM: En écrivant Everything Is a Deathly Flower, je voulais placer la violence que j’avais vécue dans une conversation avec quelque chose de beaucoup plus large. Je voulais alterner entre mon expérience personnelle et une critique systémique, d’une manière qui se sente encore enracinée dans quelque chose de réel et d’expansif. Les documents de réflexion et l’écriture traditionnelle long format font de ce travail un exercice très académique, polémique ou lourd de jargon. Mais avec la poésie, je peux vraiment zoomer sur un sentiment ou une expérience, comme la dissociation, la rage, l’ennui, le désir, la vengeance ou la joie. Je peux pointer mes flèches vers mon agresseur, ou je peux les pointer vers des gens violents, ou mieux encore, vers un système fondamentalement violent et exploiteur. Cela m’oblige toujours à vraiment penser à la violence, avec l’espoir que je ne la reproduise pas dans mon but de la représenter.

NM: Je vous ai entendu dire que vous êtes obstinément joyeuse, pourquoi la joie ou pour commencer, qu’est-ce que la joie et à quoi cela ressemble ?
MM: Quelle question ! Whoa. La joie est mon engagement envers moi-même et ce qui me nourrit. C’est cet amour imprudent et vif que je ressens quand je suis connectée à mes amours, ma communauté, mes familles et ma propre lumière. Cela ressemble à grandir, à guérir, à déconner, à pardonner, à apprendre et à me débarrasser des parties de ma vie qui ne sont plus faites pour moi. C’est me tenir avec douceur, et ne rien précipiter. Je me dois d’être entêtée à ce sujet ! J’essaie vraiment de la placer au centre de tout.

NM: Je m’intéresse aussi aux détails techniques de la façon dont le livre a été réalisé, y a-t-il des rituels que vous avez trouvés spécifiques à l’écriture de poésie qui diffèrent de la prose ou d’autres formes sur lesquelles vous avez travaillé ?

MM: J’ai abordé l’écriture de Everything is a deadly flower d’une manière très scientifique. Tout est assez intellectuel, je crois. J’avais besoin de feuilles de calcul, d’horaires, de calendriers et de retraites. Après pas mal d’essais et d’erreurs, j’ai fait une feuille de calcul intitulée « The Sleeping » – « le sommeil » qui a séparé le projet en 50 parties distinctes. Parce que l’écriture était si chargée et émotionnelle, j’ai espacé les journées d’écriture, avec beaucoup de repos et de thérapie entre les deux. J’ai beaucoup de chance d’avoir reçu un soutien incroyable pendant que je travaillais à The Sleeping. Sur les 50 poèmes que j’ai écrits, 31 ont survécu. Ce fût après un long et minutieux processus de révision avec Francine Simon, ma brillante rédactrice en chef, et Nick Mulgrew, mon merveilleux (et très patient !) éditeur.

NM: Je m’intéresse au pouvoir des nominations. Nommer peut signifier donner naissance à quelque chose ; cette déclaration de ce qu’est quelque chose ou de ce qui doit être considéré. Pouvez-vous nous parler de la façon dont vous vous nommez dans ce livre ?
MM: J’ai tellement de noms dans ce livre. J’ai absorbé cette idée de mon peuple, Basotho, où le nom d’un enfant est lié à son destin, d’une certaine façon, alors je me nomme et je me renomme partout dans le livre dans le but de jouer avec cette idée du destin. J’ai même écrit un poème un peu effronté, « 16 Days of Atavism », où je me donne 16 noms au lieu du mot « victime ». En fin de compte, c’était une très belle façon de réimaginer la façon dont je comprenais mon propre nom, ainsi qu’une façon de récupérer certaines des choses dont on m’avait donné le nom au fil des ans.

NM: A propos du titre. Que se passe-t-il quand ces deux mots : « mortel » et « fleur » sont juste à côté l’un de l’autre ? Je pense à la fin de toutes les possibilités avec la première et peut-être au début des possibilités avec la seconde. Mais aussi, les deux sous-entendant le caractère non permanent?

Maneo Mohale: J’aime vraiment ce que vous avez dit sur l’impermanence. C’est tellement intéressant, surtout quand on pense à la vitesse à laquelle certaines fleurs meurent, une fois coupées. L’une des meilleures choses à propos de la sortie du livre dans le monde, c’est d’écouter les gens poser des questions et parler du titre. C’est différent pour tout le monde et ça excite tellement la geek de la littérature en moi. En choisissant le titre, qui partage son nom avec le poème le plus ancien du livre, j’ai voulu rapprocher la beauté de quelque chose d’apparemment insurmontable. Comme une expérience, je voulais voir ce qu’ils pouvaient dire l’un sur l’autre. Je m’intéresse à l’espace entre les choses que nous mettons en opposition binaire, comme la mort et la beauté. Il se passe des choses magnifiques quand nous démontons des binaires. Je voulais aussi quelque chose de courageux et d’expansif, qui fasse allusion à l’interdépendance des choses : d’où le « tout » dans le titre. J’apprends encore des choses sur ce titre. J’adore ça.

NM: D’un point de vue stylistique, je suis curieuse de savoir comment le livre est organisé ; quel est le fil qui tisse les bords ensemble ? Quelles sont les décisions amusantes que vous avez prises sur la façon dont le livre de poèmes s’écoulerait ?
MM: Tous les poèmes font un clin d’œil à la flore d’une manière ou d’une autre, surtout dans leurs titres. J’ai essayé de jouer avec le langage et la taxonomie, en nommant certains d’entre eux par leurs noms latins/scientifiques comme « Diphylleia Grayi » (Fleur de verre), qui parle de la transparence que j’ai ressentie la première fois que je suis allée en thérapie ; ou « Dionaea Muscipula » (Venus Flytrap) qui réimagine le désir carnivore de mon agresseur. D’autres que j’ai nommées par leur nom en Sesotho & Setswana, qui a été un processus révélateur de recherche dans les traditions orales, la science noire et la médecine indigène. Certains sont vraiment ingénieux à l’intérieur des plaisanteries. J’ai aussi beaucoup joué avec les épigraphes et les intertextualités, pour m’insérer dans une lignée d’auteurs noirs, trans et queer. L’écriture peut aussi être très solitaire, alors appeler des voix que j’admire dans le texte était une façon de me sentir moins seul.

NM: Vous avez été en tournée et vous avez parlé du livre ces derniers mois, quelle est la réception du livre ? Qu’est-ce qui vous a surpris ?
MM: J’ai adoré ça ! Regarder ces poèmes respirer, marcher et se frayer un chemin tremblant dans les mains et le cœur des gens est une chose incroyable. Je ne peux même pas commencer à te dire ce que ça fait. C’est magique. J’ai été bien reçu, ce qui est une telle bénédiction, je suis tellement reconnaissante chaque jour.

L’expérience a aussi été très intense, parce que les gens réagissent parfois de façon très viscérale, surtout après une lecture. J’ai eu des survivants qui sont venus me voir à chaque événement jusqu’à présent, parfois incapables de parler. Parfois, on s’accroche l’un à l’autre et on tremble. Je reconnais ce sentiment d’être si bien accablé. J’apprends quelque chose de nouveau sur le traumatisme à chaque conversation, mais aussi quelque chose de nouveau sur la survie, ce que signifie survivre, ce à quoi cela ressemble, ou ne ressemble pas, sur différentes personnes. Je suis constamment surpris par ce que la poésie peut faire et fait. J’ai l’impression que je ne fais que commencer, ce qui est à la fois humble et énergisant.

Maneo Mohale est né en 1992 à Benoni. Son travail a été publié dans Jalada, Prufrock, le New York Times, le Mail & Guardian, spectrum.za, parmi de nombreuses autres plateformes. Elle vit et travaille actuellement à Johannesburg.

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La Fondation Norval présente la première recherche sur la pratique sculpturale de l’artiste de renommée internationale William Kentridge. Dans Why Should I Hesitate : Sculpture traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture » – les visiteurs découvrent une série d’œuvres nouvelles et historiques qui ont été crées au cours des deux dernières décennies et qui racontent l’engagement de Kentridge dans la forme tridimensionnelle.

Du 24 août 2019 au 23 mars 2020, l’exposition de la Fondation Norval coïncide avec une exposition complémentaire Why Should I Hesitate ? Putting Drawings To Work, traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter ? Mettre les dessins à l’oeuvre » au Musée d’Art Contemporain ZEITZ MOCAA qui se focalise sur la pratique du dessin de Kentridge.

La première exposition consacrée à l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur

Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est la première exposition internationale à traiter de l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur, et elle constitue un point de vue unique sur cet aspect de sa pratique. Couvrant plusieurs corpus d’œuvres, et témoignant d’une longue improvisation dans le maniement de la forme tridimensionnelle, cette exposition voit l’origine de ces œuvres dans les accessoires de ses opéras et dans les images de ses animations sortant de la scène et de l’écran, nous confrontant directement au niveau du sol. Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture présente également en avant-première de nouvelles œuvres spécialement commissionnées dans le cadre de cette exposition.

Une préoccupation centrale de Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est de faire comprendre que les sculptures de Kentridge présentent une liberté spontanée et ne répondent à aucune forme ou esthétique dictée.

Les sculptures cinétiques utilisent des mégaphones sur des trépieds d’arpentage, un clin d’œil au constructivisme russe, et impliquent la diffusion par un propagandiste d’une autorité impersonnelle et mécanique. Dans Trio de chanteur (2018), par exemple, les machines à coudre « prêtes à l’emploi » se voient offrir des voix pour une performance jouée à l’unisson avec leurs mégaphones synchronisés alors qu’ils prennent une présence nouvelle et humoristique dans ce monde. De nombreuses sculptures de Kentridge incarnent un spectacle animé. En procédant à une construction apparemment aléatoire de plans abstraits, comme dans Le Monde sur ses pattes arrières (2009), nous voyons comment des formes graphiques s’alignent de façon inattendue, s’intégrant dans un tout organisé qui est chargé visuellement et métaphoriquement. Déplacez-vous un peu plus loin et la forme se dissipe à nouveau.

« La Fondation Norval présente, pour la première fois, une exposition consacrée exclusivement à la pratique sculpturale de William Kentridge, en collaboration avec l’artiste et son atelier. Les sculptures de Kentridge adoptent une approche spontanée et ont récemment évolué vers le massif et le monumental. Simultanément, et en tension avec les aspects monumentaux de sa pratique, il se révèle être autant chorégraphe que sculpteur »

Karel Nel, Commissaire d’exposition principal à la Fondation Norval.

Ailleurs, le répertoire d’objets du quotidien et d’idées spontanées de Kentridge est traduit en rangées de petites sculptures en bronze, disposées de façon syntaxique sur une étagère pour être lues comme des lignes de texte sur une page. Dans le paragraphe II (2018), le cheval, le nez, le pichet, la cruche, la caméra, le mégaphone et d’autres s’alignent pour faire des rebus, ces puzzles visuels évoquant des mots qui ont tant plu aux premiers surréalistes.

Plusieurs pièces du lexique visuel de Kentridge ont été retravaillées en prototypes de plâtre à l’échelle, à partir desquels des sculptures monumentales en bronze ont été coulées : un gigantesque tire-bouchon, une cruche effondrée d’origine cubiste, une fleur visuelle en forme d’esperluette et la présence intense d’une énorme caméra de cinéma – peut-être l’alter ego observateur du prodigieux chef-d’oeuvre de Kentridge ?

Le récit rompu, si puissamment visible dans l’œuvre de Kentridge, est chorégraphié en dislocations enchevêtrées qui se heurtent à l’espace entre le personnel et le politique, l’opéra et le mondain, l’apparemment non pertinent et le social pertinent. L’approche des sculptures de Kentridge nous ouvre sur un paysage dadaïste, à la fois provocateur et séducteur.

« La Fondation Norval est fière d’accueillir Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture. Un aspect clé de la Fondation est notre engagement à exposer les pratiques sculpturales et d’installation d’une variété d’artistes, ce qui est facilité par notre édifice conçu à cette fin. En particulier, nous invitons les artistes et les commissaires d’exposition à répondre à la galerie huit, la plus grande, dont l’exposition de William Kentridge en est le plus bel exemple. La galerie est dotée de planchers renforcés pour supporter des œuvres pesant jusqu’à huit tonnes et atteignant jusqu’à neuf mètres de haut. La taille monumentale de cette galerie contraste idéalement avec les sculptures anti-monumentales, spontanées et théâtrales qui font partie de cette exposition. » 

Elana Brundyn, CEO, Norval Foundation.

Une publication ajoute une expérience d’accès aux coulisses de l’exposition

Pourquoi devrais-je hésiter: Sculpture sera accompagnée d’une publication visuellement riche, conçue en collaboration avec l’artiste, prolongeant l’exposition sur support imprimé. Il comprend une section d’un format catalogue raisonné de la pratique sculpturale de William Kentridge à ce jour, avec une autre présentant des esquisses préparatoires pour plusieurs œuvres clés. Il comprend également un essai photographique retraçant l’évolution des grandes sculptures du Lexique de Kentridge qui font partie de l’exposition, de la maquette à l’original en plâtre, en passant par le processus de moulage du bronze lui-même. David Freedberg, professeur d’histoire de l’art à l’Université Columbia et directeur de l’Académie italienne d’études avancées en Amérique, situe le travail de William Kentridge dans plusieurs pratiques artistiques et mouvements clés du canon historique de l’art occidental.

William Kentridge, Pourquoi devrais-je hésiter? : Sculpture
24 août 2019 – 23 mars 2020
Atrium et galeries 2-8
Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaires de l’exposition : Karel Nel, Owen Martin, Talia Naicker, Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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Cette exposition à la Fondation Norval présente l’œuvre vidéo immersive in Pursuit of Venus[infected] (2015-17) traduit par à la poursuite de Venus[infectée] (2015-17) de Lisa Reihana (née à Aotearoa, Nouvelle-Zélande, 1964). Intégrant des paysages peints à la main avec des figurines en mouvement et une bande sonore dense, à la poursuite de Venus[infectée] invite les spectateurs à observer une série d’événements historiques, réels et imaginaires, du premier contact entre les peuples britannique et ceux du Pacifique.

Plutôt que de reproduire une perspective européenne, qui domine la majorité des récits de ces temps, Reihana intègre les formes de connaissance et les pratiques sociales de Māori dans la façon dont le travail est structuré, offrant un contrepoint sophistiqué. Simultanément, à la poursuite de Venus[infectée] s’inspire des traditions de la culture populaire et du théâtre, y compris le panorama en mouvement, une sorte de peinture panoramique tournante de l’histoire qui était populaire dans les années 1800, et l’art du pantomime, une forme de comédie musicale.

D’une largeur de 17 mètres et d’une durée de 64 minutes, c’est le projet le plus ambitieux de l’artiste Māori des Premières nations d’Auckland, qui a nécessité une décennie de recherche, de tournage, de production et de post-production. Ceci est renforcé par l’utilisation de technologies numériques de pointe, y compris l’œuvre tournée en résolution 15k, pour former une expérience multimédia immersive pour le spectateur, plaçant la pratique de Reihana au sein d’une lignée d’artistes vidéo et d’installation tels que Nam June Paik, Isaac Julien et Pipolotti Rist.

Une référence clé de à la Poursuite de Venus[infectée] est un papier peint décoratif intitulé ‘Les Sauvages de la Mer Pacifique’ (1804-06), conçu par l’artiste français Jean-Gabriel Charvet et produit par Joseph Dufour et Cie, une société française spécialisée dans les papiers peints et textiles de luxe à la fin des années 1700 et 1800. Populaire parmi les Européens et les Américains fortunés de l’époque, le papier peint, formé de vingt feuilles séparées ou « gouttes », représente ostensiblement les différents peuples que l’explorateur et cartographe britannique James Cook a rencontré lors de ses trois voyages à travers le Pacifique de 1768 à sa mort en 1779.

Derrière les personnages se cache un paysage arcadien, des amalgames d’Hawaï, de Tahiti, d’Aotearoa, de Nouvelle-Zélande et d’autres endroits dans la vaste région du Pacifique. Cet espace imaginaire reflète davantage la façon dont les Britanniques voyaient les peuples qu’ils rencontraient, et donc l’opportunité d’observer les Britanniques, plutôt que les peuples et les cultures eux-mêmes.

En effet, lorsque Reihana s’est retrouvée devant « Les Sauvages de la Mer Pacifique » pour la première fois à la Galerie Nationale d’Australie (Sydney), elle a été frappée par la façon dont les représentations des peuples Māori dans cette œuvre ont été retirées de sa propre expérience en tant que personne Māori. En réponse, elle a créé une « contre-archive », comme l’a caractérisé le savant Nikos Papastergiadis, présentant ainsi une série complexe de rencontres et une compréhension nuancée des peuples Māori.

Lisa Reihana est une artiste multidisciplinaire dont la pratique s’étend au cinéma, à la sculpture, à la parure de costumes et de corps, à l’écriture et à la photographie. Depuis les années 1990, elle a considérablement influencé le développement de l’art contemporain et de l’art maori contemporain à Aotearoa en Nouvelle-Zélande.

Elle a acquis une réputation exceptionnelle en tant qu’artiste, productrice et interlocutrice culturelle grâce à l’attention qu’elle porte aux complexités des langages photographiques et cinématographiques contemporains qui s’expriment de multiples façons. Sa capacité à exploiter et à manipuler une valeur de production séduisante est souvent exprimée par des portraits où elle explore comment l’identité et l’histoire sont représentées. Ainsi que l’intersection de ces idées avec les concepts de lieu et de communauté.

Les trois voyages de Cook dans le Pacifique, en tant qu’événements historiques, figurent également directement dans l’œuvre de Reihana. En particulier, le titre fait référence à la fois au passage de Vénus que Cook a observé en 1769 à Tahiti, ainsi qu’au début du projet colonial britannique dans le Pacifique. L’observation de cet événement astronomique remarquable a constitué un jalon dans l’histoire de l’astronomie, facilitant le calcul précis de la distance de la Terre non seulement à la planète Vénus, mais aussi de la distance de la Terre au soleil.

Dans une séquence de à la Poursuite de Venus[infectée], un astronome britannique, probablement Cook, discute de l’utilisation d’un télescope avec un groupe de Māoris, et plus tard un télescope est à nouveau visible en arrière-plan. Pourtant, aussi remarquable que soit cette réalisation scientifique, l’arrivée des Britanniques dans le Pacifique a marqué le début d’une période dévastatrice de colonisation européenne, dont les conséquences sont encore en cours d’étude.

Reihana a représenté la Nouvelle-Zélande à la Biennale de Venise en 2017 avec l’installation vidéo à grande échelle de à la Poursuite de Venus[infectée] (2015-17). L’œuvre a été créée à la galerie d’art d’Auckland en mai 2015 et est depuis devenue une œuvre phare dans le canon de l’histoire de l’art d’Aotearoa en Nouvelle Zélande. L’œuvre à la Poursuite de Venus[infectée] a depuis été présentée dans le monde entier et a été largement acclamée par la critique.

En 2014, Reihana s’est vu décerner le prix Arts Laureate Award par la fondation des arts de Nouvelle-Zélande, le Te Tohu Toi Ke Te Waka Toi – le prix Mãori de l’innovation artistique créative de Nouvelle-Zélande en 2015, et en 2018, elle a été nommée membre de l’Ordre du Mérite de Nouvelle-Zélande.

Reihana aborde les questions du post-colonialisme, de l’injustice, des relations transnationales et de l’autonomie autochtone. Elle dit que le travail vise à « indiquer un niveau de complexité, à susciter une sorte d’empathie et à alerter les gens ». L’impact du colonialisme n’est pas unique au Pacifique ou relégué au passé. À la Poursuite de Venus[infectée] soulève des questions pertinentes pour toute société contemporaine qui souhaite apprendre de ses erreurs.

 

À La poursuite de Vénus[infectée] : Lisa Reihana
3 août 2019 – 20 janvier 2020
Galerie 1, Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaire de l’exposition : Owen Martin
Coordonnatrice du programme de conservation et du programme public : Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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Perchée sur les flancs de la célèbre montagne Lion’s Head – la tête de lion – de la ville du cap , la maison, conçue par le cabinet d’architecture sud-africain SAOTA, jaillit d’une colline escarpée qui descend vers la célèbre vue de plages immaculées de Clifton et les Douze Apôtres au-delà. L’entrée qui se fait par Nettleton Road – la rue la plus convoitée de la ville du Cap mais aussi d’Afrique du Sud – donne une impression soigneusement composée de quatre étages inférieurs conçus en cascade offrant des aperçus irrésistibles de deux autres niveaux qui dominent.

Les niveaux inférieurs abritent six généreuses chambres, dont trois pouvant être connecté pour former une suite familiale.  Sur les étages suivants, on y trouve un espace de divertissement en double hauteur avec spa, salle de jeux et cinéma. Le séjour principal se trouve tout en haut de l’immeuble avec la plus belle vue – un vaste espace ouvert à double volume qui abrite la cuisine, le bar, la salle à manger, le salon et les chambres familiales ainsi qu’un salon d’hiver, un bureau et un studio d’art au niveau de la mezzanine.

Les lignes vitrées entre l’intérieur et l’extérieur s’effacent pour estomper les limites dans un espace continu et transparent. Le tout relié à un jardin généreux donnant directement sur la piscine qui s’avance sur la mer et le parc national de Table Mountain.

La façade d’entrée répond à la définition que Le Corbusier donne de l’architecture à savoir un « magnifique jeu de masses réunies dans la lumière ». Le voyage à travers l’espace et la lumière qui s’en suit est clairement inspiré par le mouvement moderniste. Du traitement presque clair-obscur du hall d’entrée caverneux, le visiteur est conduit vers le haut où la lumière généreuse des niveaux de vie supérieurs l’attire intuitivement.

L’expérience spatiale est également prise en compte ; la maison se présente sous une forme robuste et homogène dont les fonctions sont définies par des plans, des plafonds et des revêtements de sol qui s’entrecroisent.

Ce concept est utilisé pour la conception du bar dont la forme glisse dramatiquement hors de la maison, flottant au-dessus de la piscine avec un plancher de verre, à l’échelle matérielle du béton brut au-dessus du salon principal et du plafond en bois au niveau inférieur – qui, dans l’esprit véritable de cette maison – est fait des mêmes panneaux défectueux qui ont coffré le béton ci-dessus.

Le jeu magistral de la lumière, de l’espace et des matériaux bruts au sein de la villa accueille généreusement son autre famille :  une collection aussi prestigieuse qu’éclectique d’art contemporain sud-africain.

La frontière entre la maison et une galerie d’art est toujours floue. Une tapisserie de Paul Blomkamp et la sculpture de Paul Edmunds animent le hall d’entrée mystique.

Du « Blowfish » de Porky Hefer, totalement habitable, qui flotte dans l’espace de divertissement à double volume, aux masques africains qui s’insèrent dans les murs sombres de la cuisine, la collection est toujours soigneusement mise en scène pour donner vie à la somptueuse architecture. Les intérieurs ont été créés par l’ARRCC en collaboration avec OKHA.

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À propos de SAOTA

SAOTA, un cabinet d’architectes de premier plan basé en Afrique du Sud, est animé par la combinaison dynamique de Stefan Antoni, Philip Olmesdahl, Greg Truen, Phillippe Fouché et Mark Bullivant qui partagent une vision puissante et facilement distinguable dans leur conception. Ceci, associé à une approche à la fois innovante et dédiée à la conception, à la documentation et à l’exécution de projets à l’échelle mondiale, a permis à SAOTA de devenir une marque recherchée à l’échelle internationale.

SAOTA a une présence mondiale avec des projets sur 6 continents. Ce succès repose sur une philosophie de conception qui relie la fonction et la forme, et sur la recherche d’une véritable conception architecturale pour créer des solutions appropriées. La philosophie de la pratique s’incarne dans l’esprit d’enquête qui s’épanouit au sein de son personnel. SAOTA se concentre également sur l’utilisation de la technologie informatique la plus récente dans son processus de conception, tant pour comprendre, que pour communiquer la conception à ses clients.

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La pratique rigoureuse de Mahama, socialement engagée et basée sur les processus, met en évidence le rôle de l’Afrique dans l’échange mondial de marchandises tout en tenant compte du mouvement de ses populations et de la façon dont le travail est valorisé. Pour l’installation à la Fondation Norval, Mahama intervient dans la plus grande galerie de la Fondation, à neuf mètres de haut, recouvrant les surfaces de sacs en toile de jute, contrastant l’humilité des matériaux avec la monumentalité de l’espace.

Mahama a créé d’importantes installations à partir de ce matériel au Ghana et à l’échelle internationale, notamment en couvrant des parties de la Corderie et de l’Arsenal à Venise dans Out of Bounds (2014-15), dans le cadre de la 56e Biennale de Venise ; drapant les extérieurs du Théâtre national du Ghana à Accra au Malam Dodoo national Theatre (2016), du Kunsthal Charlottenborg à Copenhague au Kpalang de Nyhavn (2016) et de l’ancienne Société de distribution alimentaire à Accra au Exchange-Exchange (2016) ; et couvrant le hall du Tel Aviv Art Museum in Fracture (2016).

Les sacs en toile de jute que Mahama utilise portent souvent les traces d’anciens propriétaires, racontant une histoire sur l’échange de biens et de travail, et sont liés à des histoires locales et de mondialisation. Histoires qui ont contribué à créer le présent.

Importés d’Inde ou du Bangladesh par Ghana Cocoa Board (Ghana Cocoa Board est une organisation contrôlée par le gouvernement ghanéen qui fixe le prix d’achat du cacao au Ghana, le deuxième producteur mondial de cacao. La fixation des prix vise à protéger les agriculteurs de la volatilité des prix sur le marché mondial) et utilisés une seule fois pour le transport du cacao au Ghana, le logo de l’organisation peut être vu sur la surface de nombreux sacs à côté d’un « Produit du Ghana » bien en évidence.

Ces sacs sont ensuite souvent réutilisés pour transporter le charbon de bois des zones rurales du nord du Ghana vers les grands centres métropolitains, comme Accra, Kumasi et Tamale, où le charbon de bois est vendu sur de grands marchés. Enfin, les sacs sont réutilisés à d’autres fins, comme le transport de nourriture ou à la maison, comme matériau de départ. De plus, les lieux et les noms des employés apparaissent à la surface de certains de ces sacs, rendant hommage aux artisans, souvent issus de la classe ouvrière, qui ont été impliqués, directement ou indirectement, dans la création de l’œuvre.

L’importance du cacao pour l’économie ghanéenne est considérable, car c’est la principale exportation agricole du pays et le Ghana est le deuxième exportateur mondial de cacao. En raison de l’omniprésence du cacao, les sacs ont une résonance particulière pour Mahama, né à Tamale, au Ghana, et basé entre Accra, la capitale du pays, et Tamale, la capitale de la région Nord du pays. Mahama est titulaire d’un baccalauréat en peinture et d’une maîtrise en peinture et sculpture et termine actuellement un doctorat en beaux-arts de l’Université Kwame Nkrumah des sciences et technologies de Kumasi, au Ghana.

« La pratique singulière d’Ibrahim Mahama rend le quotidien monumental, honorant et commémorant des personnes qui sont rarement commémorées dans les arts visuels par une intervention dans la plus grande galerie de la Fondation Norval. Installé à côté de la série photographique Dans les mines de David Goldblatt, une relation dynamique s’établit entre les deux artistes qui, dans des médias très différents, représentent des peuples et des lieux souvent négligés. » Déclare Owen Martin, commissaire d’exposition en chef au sein de la fondation Norval.

La Fondation Norval 

La Fondation Norval est un centre d’art et d’expression culturelle. La fondation se consacre à la recherche et à l’exposition des arts visuels des XXe et XXIe siècles d’Afrique du Sud et au delà. Située dans le quartier Steenberg de la ville du Cap, à proximité du parc national de Table Mountain, la Fondation Norval combine l’expérience de l’art et l’appréciation de la nature.
Le  jardin de sculptures, l’amphithéâtre extérieur, les espaces d’exposition et la bibliothèque de recherche sont situés dans un cadre unique qui offre aux visiteurs une expérience multi-sensorielle.

La Fondation Norval est également la gardienne de la Fondation Gérard Sekoto, de la Collection Edoardo Villa Estate et des Archives Alexis Preller.

La famille Norval est fondatrice et première donatrice de la Fondation Norval. Leur but est de rendre l’art largement accessible aux visiteurs locaux et internationaux en créant un centre d’art autonome. Le produit des dons en capital servira à assurer la sécurité de la fondation pour les générations futures.

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Le travail de plusieurs, l’exposition monumentale de Ibrahim Mahama
À la Fondation Norval
Jusqu’au 11 Août 2019
4 Steenberg Road, Steenberg Estate, Cape Town, 7945
Ouvert du lundi au Dimanche  10:00 – 18:00
https://www.norvalfoundation.org

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