Cette nouvelle édition de la foire DDESSINPARIS confirme le rôle majeur de l’événement : être un tremplin pour la jeune scène artistique travaillant le dessin sous toutes ses formes, et pour les galeries qui la défendent, en France comme à l’international. En lui offrant une forte visibilité, aux côtés de galeries et d’artistes plus établis, DDESSINPARIS contribue à faire connaître et reconnaître une scène artistique d’avenir, qui dynamise et irrigue avec passion ce médium. L’événement reste ainsi fidèle à sa vocation de soutenir, promouvoir et accompagner les jeunes acteurs du dessin de demain. Partenaire majeur des acteurs du monde de l’art, DDESSIN{20} offrira à nouveau aux professionnels, collectionneurs et amateurs, un moment riche en découvertes, dans un cadre lumineux et une ambiance conviviale.

DDESSIN{20} accueillera une vingtaine de galeries françaises et étrangères, des solo shows, une pépinière d’artistes, et le coup de cœur DDESSIN{20}, ainsi que de nombreux projets spécifiques dont celui d’Artskop3437.

Diane Victor exposée pour la première fois à Paris

Pour cette édition 2020 de DDESSIN{20}, Artskop3437 et Atelier le Grand Village collaborent sous un format spécifique et présenteront pour la première fois lors d’une foire d’art en France l’artiste de renommée internationale Diane Victor.

Diane Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine et internationale par ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Ses dessins et ses estampes de grands formats démontrent une maîtrise de la gravure, qu’elle utilise pour rendre ses sujets avec des détails touchants. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, en considérant les questions de corruption, de violence et de distribution inégale du pouvoir.

Un dessin de grand format – 150 x 115cm – au charbon et cendres intitulé « Mère et Fille » sera dévoilé pour la première fois. Cette oeuvre réalisée par l’artiste fait suite à des mouvements de violences ayant eu lieu à Johannesburg en 2019 et durant lesquels une jeune fille violée fût retrouvée morte. Cette oeuvre n’est pas sans rappeler celle de Michel-Ange « La Pietà » . Cette statue en marbre de la basilique Saint-Pierre du Vatican à Rome représentant le thème biblique de la « Vierge Marie douloureuse » (Mater dolorosa en latin ou Pietà), tenant sur ses genoux le corps du Christ descendu de la Croix avant sa Mise au tombeau, sa Résurrection et son Ascension. La composition de Diane Victor est tout aussi saisissante d’effroi pourtant d’une beauté surprenante et inattendue. Au fur et à mesure de l’observation de l’oeuvre, le regardeur est témoin de l’amour profond qui se dégage de la mère qui tient le corps de sa fille avec dignité.

Aux côtés de cette oeuvre magistrale, une série dessins à la suie sur les primates sera également présentée. L’artiste décrit sa série en ces termes:

« Notre code génétique humain est si similaire à celui d’autres primates qu’ils sont en fait quasiment des « petits frères » ou au moins des cousins éloignés pour nous. Pourtant, comme certaines lignées familiales éloignées et désavouées, nous semblons ne ressentir aucun scrupule à la connaissance de leur persécution et de leur mise en danger. Des communautés entières de primates sont menacées par l’empiètement humain, elles sont chassées, réduites en esclavage et exposées publiquement dans les zoos – leur nombre s’amenuisant au fur et à mesure que les nôtres explosent. » Par cette série, Diane Victor nous fait réfléchir sur la condition environnementale et animale. L’artiste met en exergue la vulnérabilité de ces vies au travers de la technique de dessin employée, qui elle même s’avère être très délicate. Créant ainsi une forte connexion entre le médium et le sujet.

La suie, crée par la fumée d’une flamme de bougie en mouvement, est un matériau relativement fragile et vulnérable. Le carbone déposé par la suie sur le papier est visible mais très instable et délicat. Au moindre contact physique, des traces apparaissent sur la surface. L’artiste utilise cette possibilité de marquage pour créer une image à l’aider d’un pinceau. Toutefois, le processus de dessin est assez intuitif car il faut suivre la fumée dans sa direction. L’artiste utilise le terme de – ghosts – ou fantômes – en référence à l’aspect fantomatique de l’image créée qui peut être détruite et disparaître au moindre contact. « J’estime ce fragile et éphémère support être approprié pour les portraits de primates rendus fragiles et impermanents par l’humanité. » explique Diane Victor.

Les oeuvres de l’artiste Diane Victor font parti d’importantes collections dans le monde dont le Musée d’Art moderne à New York (MoMA), le Victoria et Albert Museum à Londres, La Bibliothèque Nationale de France (Paris); Le Musée d’art de Baltimore, le Musée National Iziko  au Cap en Afrique du Sud et de nombreuses collections privées prestigieuses. 

Nú Barreto

En collaboration avec la Galerie Nathalie Obadia, Artskop3437 présentera une sélection d’oeuvres de l’artiste Nú Barreto, figure majeure de la scène contemporaine africaine. Né en 1966 à São Domingos en Guinée-Bissau, l’artiste vit et travaille à Paris depuis 1989. Choisi pour représenter son pays à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998, il mène depuis une carrière internationale qui le distingue parmi les artistes majeurs de l’art contemporain africain.

Artiste pluridisciplinaire, son travail aux techniques mixtes allient dessin, collage et récupération. Sa démarche artistique cherche à interpeller le spectateur à travers l’usage de la peinture, de la photographie, du dessin et de la vidéo. Nú Barreto attire le regard sur les nombreux fléaux (misère, souffrance, discriminations, incapacité politique des dirigeants africains…) qui sévissent sur le continent africain à travers l’utilisation d’une forte symbolique exprimées dans les formes, les couleurs et les motifs.

Les œuvres sur papier de Nú Barreto sont au service de son récit personnel de l’Afrique contemporaine. Sous la mine acerbe de ses crayons et le rouge sang de ses pinceaux, Nú Barreto illustre les violences multiples subies par le continent africain.

L’œuvre pluridisciplinaire et engagée de Nú Barreto a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives. En 2018, il expose au côté d’El Anatsui, Issac Julien ou encore William Kentridge avec Reloaded Avant Garde 2018 à la galerie Sabine Knust (Munich, Allemagne). L’artiste a également bénéficié d’une exposition personnelle Ressonãncia, Casas au musée de Taipa en 2015 (Macau, Chine). Il a également participé à l’exposition 100 obras 10 años à la fondation Arpád Szenes et Viera da Silva en 2012 (Lisbonne, Portugal) ainsi qu’à la Biennale d’Art Contemporain Africain de Dakar en 2006 (Sénégal). Nú Barreto a aussi représenté le pavillon de la Guinée à l’Exposition Universelle de Lisbonne en 1998 (Portugal).

Ses œuvres sont présentes dans de grandes collections publiques et privées telles que celle du Museo Capixaba do Negro (Mucane), de la Vitória (Brésil), de l’Union Economique et Monétaire Ouest Africaine (UEMOA), du musée de Macao (Chine), de la Fondation Pro-Justitiae à Porto (Portugal) ou encore de la fondation PLMJ à Lisbonne (Portugal).

Peteros Ndunde

Pour la première fois en France, Artskop3437 dévoilera des dessins du jeune artiste Kenyan Peteros Ndunde.

Peteros Ndunde est un artiste contemporain né en 1996 à Nairobi, au Kenya, où il vit et travaille toujours. Bien qu’il s’intéresse au dessin depuis son plus jeune âge, c’est en poursuivant une licence de beaux-arts à l’université de Kenyatta qu’il a amélioré sa technique. L’artiste a été exposé au Kenya, aux Emirats Arabes Unis , et au Japon entre autres.

Comme le cubisme analytique décompose les formes naturelles du sujet en formes géométriques en reformulant sa représentation, Peteros combine un large éventail de perspectives multiples du corps humain dans une image pour mettre en scène de manière minimaliste les comportements humains, faux reflets de systèmes d’émotions plus complexes et plus profonds.

L’artiste décrit son oeuvre en ces termes: «Mon travail explore les expériences de la vie quotidienne et les énormes effets d’entraînement qui découlent de ces actions de vie en apparence simples. En effet, la plupart des interactions quotidiennes ont d’énormes conséquences psychologiques et sociales pour un individu et, en fait, pour la société en général. En tant que tel, mon approche minimaliste dans l’œuvre devient une métaphore pour les complexités de mes sujets, qui préservent une façade de simplicité. »

Artskop3437 a commissionné l’artiste pour une nouvelle série d’oeuvres. Par ce geste, Artskop3437 soutient la jeune création contemporaine africaine. Ce format permet au jeune artiste d’accéder au marché international de l’art tout en vivant et travaillant au Kenya.

DDESSIN {20} – DdessinParis

Atelier Richelieu

60, rue de Richelieu – 75002 Paris

Entrée : 14 euros

Tarif réduit : 9 euros Entrée gratuite pour les moins de 14 ans

www.ddessinparis.com

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Les dessins de Peteros Ndunde chevauchent les lignes précaires entre le formalisme de l’histoire de l’art – faisant référence à la rigidité et à la structure de la forme – et l’expérimentation. Cet équilibre entre un dessin issu de l’histoire de l’art et sa propre interprétation permet à l’espace de travail de respirer, où chaque geste devient un emblème pour une pleine expression.  

La colonne vertébrale le long de laquelle sa pratique se construit est liée à deux principes fondamentaux : la distillation et la répétition où la fracture, la fragmentation et la reconstruction aboutissent dans leur ensemble. Il réussit à extraire les aspects les plus essentiels de la forme par un processus de répétition et de superposition.

Ndunde explique; “Dans mon processus de création, je décompose les choses avec l’intention de me concentrer sur l’aspect le plus important que chaque pièce transmet. La première décomposition est le désencombrement de la composition dans son ensemble où j’utilise intentionnellement un espace négatif.” Il développe; “Je dois être répétitif dans ma technique de dessin au trait. Le processus consiste à superposer des traits de lignes jusqu’à ce que la forme soit atteinte. C’est simple, mais cela demande beaucoup de travail.”

La pratique artistique de Ndunde peut être lue à travers le médium, les matériaux ainsi que la technique, qui rendent tous visibles une sensibilité attirée par la clarté et l’équilibre compositionnel. La ligne et l’ombre sont utilisées pour créer des figures fracturées et désassemblées avec une suggestion vers le cubisme, en particulier par l’utilisation de la lumière, du ton ainsi que par la réduction de la couleur à une seule teinte à un moment où les rouges, les verts, les bleus et les gris s’affirment contre l’espace neutre.

L’utilisation de l’encre de stylo à bille ajoute de la richesse à la lecture de son œuvre tout en frustrant les lectures de l’histoire de l’art de son œuvre. Ceci est particulièrement dû au fait que l’œuvre s’inscrit dans les traditions d’expérimentation établies par une longue lignée d’artistes qui ont continué à rejeter et à compliquer les lectures claires de l’art comme étant purement de la peinture et/ou de la sculpture.

L’artiste coréen-américain Il Lee en est un exemple : depuis les années 1970, il utilise des encres à bille pour créer des œuvres abstraites à grande échelle. Les dessins à l’encre de stylo-bille d’Il Lee ont remis en question et repoussé les limites des deux médiums que sont la peinture et le dessin. S’exprimant sur l’art du stylo à bille d’Il Lee, l’auteur Trent Morse le désigne (aux côtés des artistes Alighiero Boetti et Jan Fabre) comme le parrain d’une étude intense des nouvelles formes de dispositifs artistiques. Dans la même optique, l’art de Ndunde ne contribue pas seulement au médium du dessin, mais le défie également. 

Les dessins de Ndunde résistent à des lectures allégoriques et rejettent tout symbolisme apparent. Ce processus de dépouillement des symboles laisse derrière lui des images structurelles intéressantes — des figures aérobies et acrobatiques qui émergent, sautent, se plient, atteignent et atterrissent. Elles s’enracinent de manière séduisante entre les bords ; à la fois uniformes et intelligibles tout en restant complexes, insaisissables et opaques. 

Considérées comme des séquences délibérées et des arrangements de lignes, les figures de Ndunde sont structurées et contrôlées et pourtant elles sont capables d’obtenir un effet apaisant grâce à la musicalité et au rythme. Cet effet reflète peut-être l’état d’esprit de l’artiste lorsqu’il produit son œuvre, où la régularité et la répétition se traduisent par une aisance mentale.

L’artiste précise : « J’ai des sentiments similaires au fil du temps. Certaines présentations me viennent naturellement lorsque je regarde des situations telles que la façon dont nous assumons la peur de manière subconsciente et consciente ».

Cela est une fois de plus évident dans la façon dont l’artiste a choisi d’intitules les oeuvres : Reach(portée), Flight (l’envolée), Landing (l’atterrissage), Progression et Emergence — en parlant des cycles psychologiques et physiologiques de l’apprentissage, de la réalisation, du mouvement, de l’espoir, du repos, du rêve et du lâcher prise. 

Ce qui est intéressant et peut-être même passionnant, c’est lorsque les artistes sont capables de créer en dehors des contraintes et des attentes existantes de ce que l’art est ou devrait être, c’est-à-dire la capacité de s’inspirer de traditions anciennes tout en étant capable d’innover et d’offrir une expression complète. C’est ce genre de va-et-vient sans contrainte et sans restriction qui crée un dialogue significatif entre l’histoire, le patrimoine et les notions modernes d’art et de création artistique.

Les oeuvres de Peteros Ndunde seront présentées le 24 juin prochain dans le cadre de la vente aux enchères PIASA dédiée à l’art contemporain Africain. En exclusivité et en amont de cette grande vente Artskop3437 vous propose une sélection de dessin de l’artiste.

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Cette nouvelle édition de la foire DDESSINPARIS confirme le rôle majeur de l’événement : être un tremplin pour la jeune scène artistique travaillant le dessin sous toutes ses formes, et pour les galeries qui la défendent, en France comme à l’international. En lui offrant une forte visibilité, aux côtés de galeries et d’artistes plus établis, DDESSINPARIS contribue à faire connaître et reconnaître une scène artistique d’avenir, qui dynamise et irrigue avec passion ce médium. L’événement reste ainsi fidèle à sa vocation de soutenir, promouvoir et accompagner les jeunes acteurs du dessin de demain. Partenaire majeur des acteurs du monde de l’art, DDESSIN{20} offrira à nouveau aux professionnels, collectionneurs et amateurs, un moment riche en découvertes, dans un cadre lumineux et une ambiance conviviale.

DDESSIN{20} accueillera une vingtaine de galeries françaises et étrangères, des solo shows, une pépinière d’artistes, et le coup de cœur DDESSIN{20}, ainsi que de nombreux projets spécifiques, et verra l’attribution du prix DDESSIN{20}.

La foire ouverte aux artistes du monde et d’hexagone témoigne aussi de façon significative son engagement à donner plus de visibilité aux artistes du continent africain. On retiendra parmi les artistes connectés à la scène artistique africaine et présentés pour cette édition 2020 de la foire : Nú BARRETO, Diane VICTOR, Samuel N’Gabo Zimmer, Smaïl Kanouté, Dany Leriche, Emmanuel Azizeh, Peteros Ndunde, Thilleli Rahmoun, Emory Douglas, Tahar Ben Jelloun, …

Trois solos show d’artistes connectés au continent africain

DANY LERICHE 

Pour cette première participation de Dany Leriche, DDESSINPARIS propose le travail d’une artiste sans frontières ni barrières, qui exposera les dessins issus de sa série « Quête d’un ailleurs utopique ».

Dany Leriche vit et travaille entre la France et le Mali. Artiste multimédium, elle utilise aussi bien le dessin que l’installation, la sculpture ou la photographie.

« Dany Leriche est une de ces fabricantes de rêves d’un autre temps. Une conquérante prolifique, voyageuse et généreuse. On l’imaginerait volontiers en Rénénoutet ou en divine pythie, officiant dans un laboratoire itinérant, au sein duquel les plaisirs de l’expérience et de la découverte seraient associés à la rigueur d’un travail chaque jour renouvelé. Lorsqu’elle n’est pas en Grèce, à Cuba, au Mali, ou en pays Dogon, Dany surgit là où ne nous l’attendions pas forcément, et nous offre ses fragments de songes, parcelles composites d’un imaginaire fécond. »

Lolita M’Gouni, Paris, Août 2011.

Depuis 2006, l’artiste est allée régulièrement en Afrique de l’Ouest. La pauvreté, l’hostilité climatique, qui sont le lot quotidien des Africains, poussent des milliers d’entre eux à émigrer. C’est ce que l’artiste a voulu présenter dans la série de dessins « Quête d’un ailleurs utopique ».

Dany Leriche a travaillé et exposé dans de très nombreux pays du monde, où elle a intégré de prestigieuses collections publiques et privées. Parmi les institutions qui ont acquis une œuvre de Dany Leriche, on compte notamment le victoria and Albert Museum de Londres, The National Museum of Women in the Arts de Washington, le Miniature Museum of Contemporary Art d’Amsterdam, ou encore l’African Culture Fund (ACF).

THILLELI RAHMOUN 

Pour cette première participation de l’artiste algérienne Thilleli Rahmoun, DDESSINPARIS propose une série de dessins qui dérange les perceptions, afin d’éveiller chez le regardeur une réflexion sur le rapport que l’homme contemporain entretient au monde extérieur.

Thilleli Rahmoun est née à Alger en 1978. Elle est diplômée depuis 2007 de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris et depuis 2001 de l’Ecole Supérieure des Beaux Arts d’Alger. Elle a remporté plusieurs prix de peinture, dont le prix Fondation villa Seurat en 2018, sous l‘égide de la Fondation de France. En 2019, elle a mené à bien un projet de fresques avec les jeunes du quartier de la Cruz, à Medellin en Colombie, en partenariat avec la Fondation villa Seurat pour l’art contemporain, sous l’égide de la Fondation de France et l’association Grandir Ensemble.

Thilleli Rahmoun a longuement travaillé sur des espaces sensuels mais inhabitables, lieux de vie malgré les contraintes qu’ils supposent – présence d’objets incongrus, difficulté de s’y déplacer. En observant ses dessins, le regardeur se demande quel est l’élément qui n’est pas dans son environnement naturel, mais qui continue à exister pour perturber sa lecture de la scène proposée.

L’artiste représente des histoires détournées, qu’elle place au cœur de mises en scènes théâtralisées, rassemblant dans ce jeu subtil des visions fortes, au sein de lieux « de passage » et d’espaces fictifs. Les évocations sont nombreuses, notamment celles liées à l’énergie frustrée. Les fragiles protagonistes sont jetés dans les bras d’un monde clos, à la fois témoins et juges indifférents de leur captivité.

Le travail de Thilleli Rahmoun a fait l’objet de l’édition d’un e-book paru chez Tribew, qui sera présenté sur tablette à l’occasion de DDESSIN {20}.

SMAÏL KANOUTE 

Pour cette première participation de Smaïl Kanouté, DDESSINPARIS propose le travail d’un artiste qui fait partie de cette jeune génération renouvelant sans cesse les codes visuels et esthétiques, toutes disciplines confondues. Passionné du motif, de l’univers du manga et des motifs textiles africains, l’artiste se sert de ces derniers pour ouvrir un dialogue pictural et cuturel.

Smaïl Kanouté est un artiste protéiforme diplômé de l’ENSAD en 2012, à la fois designer graphique, sérigraphe, plasticien et danseur professionnel.

L’interdisciplinarité est le leitmotiv de Smaïl Kanouté. Danse et graphisme sont indissociables dans son processus créatif qui se nourrit de métissages artistiques et culturels. Le motif est à la base de sa recherche et de chacune de ses créations car pour lui tout est une question de lignes, de courbes, de rythmes, d’émotions et de couleurs. Ses recherches graphiques et scéniques sont également nourries par la question de la quête identitaire, se rapprochant ainsi de la mouvance afrofuturiste. Il revendique l’ouverture vers l’inconnu pour mieux découvrir son véritable soi. C’est une sorte de parcours initiatique qui nourrit son processus créatif : pour se mieux connaître, on doit regarder dans le miroir que l’autre nous tend.

Les Sérigraphies sur papier de Smaïl Kanouté proposées dans le cadre de DDESSIN {20} explorent un dialogue entre différentes cultures, histoires, mythes et légendes, dans une démarche résolument esthétique. A travers sa série « Afroninpo », l’artiste établit des ponts entre les mythologies japonaises, africaines, aborigènes et mayas, en associant et sur-imprimant les motifs qui leur sont propres. Les sujets ainsi créés racontent des mythologies contemporaines issues de sociétés mondialisées. Dans les cultures animistes africaines et japonaises, le masque revêt une importance essentielle. Ici, chaque masque est associé à un motif qui témoigne de cette rencontre des cultures.

Smaïl kanouté a exposé à la Galerie BZZ du 104. Il collabore, dans le cadre de projets artistiques et de performances, avec les artistes Tino Seghal, Philippe Baudelocque, Antonin Fourneau et Evans Mbugua. Il vient de recevoir plusieurs prix liés à son travail de court-métrages (Urban Film Festival, Dance on Screen), ses dessins ont été sélectionnés par les Ateliers Médicis pour leur identité graphique et ses travaux vont bientôt être présentés dans le cadre d’une exposition collective au CENTQUATRE, à l’ICI, et à la Maison Européenne de la Photographie.

Samuel N’Gabo Zimmer, coup de cœur de DDESSIN{20}

Eve de Medeiros, fondatrice et directrice de DDESSINPARIS, a choisi pour le coup de cœur du Salon DDESSIN {20} l’artiste Samuel N’Gabo Zimmer.

Samuel N’Gabo Zimmer, artiste franco-rwandais né en 1986 au Rwanda, vit et travaille aujourd’hui à Ornans. Cet artiste autodidacte s’efforce de transmettre par le dessin son attachement à la nature, et aux arbres en particulier, qui forment le motif central de son œuvre en évolution. C’est ainsi à l’image de leur créateur, pétri de cultures entremêlées, que les arbres dessinés déploient leurs racines avec force, et dressent fièrement un entrelacs fécond de branches, que l’on pourra emprunter du regard comme autant de chemins et d’histoires possibles. Car les formes qu’il tisse avec la plume, le pinceau ou le crayon, laissent une totale liberté d’appropriation au regardeur, qui pourra se promener dans l’histoire, à la fois universelle et particulière, que raconte chaque arbre.

Madeleine Filippi, critique d’art et historienne de l’art, membre de l’AICA, décrit son travail en ces termes :

« Ancien élagueur, le rwandais Samuel N’Gabo Zimmer avoue se passionner pour le dessin depuis sa formation en botanique. Autodidacte, c’est au départ pour lui un procédé mnémotechnique, un langage à part entière, dans lequel chaque élément végétal prend sa place dans une grammaire. De son Rwanda natal jusqu’à Besançon, les plantes et végétaux n’ont eu de cesse de l’inspirer. La fleur de coton, pour sa symbolique tout d’abord, mais aussi pour ses propriétés physiques, revient tel un fil rouge dans le travail de l’artiste. Loin des clichés et des discours usuels sur le panafricanisme, Samuel N’Gabo Zimmer s’approprie la fleur de coton de manière subtile. Qu’elles apparaissent de manière très figurative ou de manière moins évidente sous formes de fibres végétales, ces propositions dessinées explorent avec intelligence un parangon de « l’ancrage ».

Ainsi, en partant de la fleur de coton, l’artiste élabore une multitude de motifs parallèles : lianes, fils, arbres, vagues, etc. C’est d’autant plus juste dans les œuvres plus géométriques.

La fleur de coton disparait peu à peu pour laisser la place à l’imaginaire du spectateur face à l’élément végétal qui se contorsionne sur la feuille, dans un mouvement savamment construit par l’artiste, créant ainsi une sensation de flottement dans de nombreux dessins. Boucles, nœuds, accroches, distorsions sont autant de procédés techniques utilisés par Samuel N’Gabo

Zimmer pour suggérer un mouvement, un rythme. Cela confère à l’élément végétal un rôle particulier dans les œuvres de l’artiste, en effet, il devient tour à tour architecture et personnage, une forme hybride en mutation à la fois sensible et féroce. Impossible de ne pas évoquer le processus de création de Samuel N’Gabo Zimmer, au cœur même de la démarche de l’artiste. Il passe des heures à choisir le papier, « à caresser les feuilles les yeux fermés (…) le papier doit freiner l’encre », la densité du grain a donc toute son importance. Le papier est le premier « point d’ancrage » des œuvres avant même les volutes, les boucles et la mise en place, le déploiement de l’image.

Le grainage du papier détermine l’outil qu’il conçoit lui-même, en fonction du papier bien entendu, mais aussi de l’humidité ambiante. En effet il retravaille les encres pour atteindre une parfaite densité de noir. Cela peut prendre plusieurs jours en fonction de la météo qui influe sur ses préparations. Tel un alchimiste, il donne vie à l’inerte. A travers une patiente élaboration de croquis et de dessins préparatoires, le travail sur les contrastes et les mouvements de Samuel N’Gabo Zimmer semble se muer en rythme. L’élément de base est en noir et blanc, telle une partition. Il peut se voir de temps à autre, rehaussé de couleurs.

La couleur semble alors surgir et renforce l’illusion rythmique. Rythme que l’on peut retrouver dans certains titres de dessins qui portent les noms d’instruments de musiques et de titres de chansons. Le format n’est pas anodin non plus, présenté sur plusieurs mètres, il devient monumental. Ce qui induit et impose un positionnement de la part du spectateur, contraint à prendre du recul pour apprécier l’ouvrage dans son ensemble, et à se rapprocher pour se voir révéler certains détails. Ce rôle du public est très important pour N’Gabo Zimmer car c’est une manière d’immiscer le spectateur au sein du processus créatif, en lui faisant jouer un rôle de médiateur.

Chacun étant libre d’y lire selon sa tradition et ses références, les connexions qu’il repère et décide d’associer. Les œuvres de Samuel N’Gabo Zimmer sont une véritable invitation au dialogue, dans lequel la nature est un idéal de modèle de liens qui se tissent et d’interconnexions. Ce qui se joue finalement ici, à travers cette ode à la nature, c’est une représentation ontologique du monde végétal, symbole d’un éternel recommencement et du lien universel. »

Artskop3437 projet spécial pour DDESSIN {20}

À l’occasion de DDESSIN {20}, Artskop3437 met en place un projet spécial présentant trois artistes contemporains du continent africain. Un format de collaboration spécifique permettant aux artistes émergents, comme Peteros Ndunde, d’avoir une chance d’être présents sur un marché international.

Le choix des artistes Diane Victor et Nú Barreto, artistes reconnus à l’international, permet à Peteros Ndunde de pouvoir faire dialoguer ses œuvres avec celles d’artistes établis présents dans les collections de nombreuses institutions publiques et privées. Un dialogue s’articulant autour d’un dénominateur commun, celui de l’exploration des émotions et comportements humains sous diverses perspectives.

Le projet d’Artskop3437 est manifeste : créer un point de rencontre pour découvrir, comprendre, considérer l’Afrique, plurielle et mondiale, à travers sa création.

Artskop3437 propose, dans le cadre de collaborations spécifiques, de présenter le travail d’une sélection d’artistes contemporains en lien avec le continent africain, à l’occasion de foires internationales d’art et d’expositions éphémères. L’ensemble ayant notamment pour but d’offrir à ces artistes une meilleure visibilité, ainsi qu’un accès facilité au marché international de l’art.

Atelier Richelieu

18 au 20 septembre 2020

60, rue de Richelieu – 75002 Paris

Entrée : 14 euros

Tarif réduit : 9 euros Entrée gratuite pour les moins de 14 ans

www.ddessinparis.com

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