« J’en suis venu au tissage par un processus d’élimination », explique Luam Melake, artiste basée à New York. Melake trouve l’architecture – pourtant diplômée de cette discipline de l’Université de Berkeley en Californie – « trop long ». En effet le mobilier substantiellement expérimental qui constitue le deuxième pilier de sa pratique artistique « nécessite beaucoup de temps d’arrêt, un temps nécessaire pour laisser prendre les choses ». Au lieu de cela, elle trouve dans le tissage une réelle possibilité « d’expérimentation immédiate ».

Ironiquement, le tissage à la main n’est que très peu célébré pour son immédiateté, mais comme tant d’autres choses, la nuance est relative. Dans son travail de chercheuse en matériaux pour l’environnement bâti aka architectural, l’artiste est plus familière avec le délai nécessaire à la construction d’un bâtiment que celui d’un textile. Elle reconnaît cependant que les œuvres matérielles qu’elle crée peuvent souvent être ignorées par un visiteur peu patient. L’intérêt que porte Melake aux possibilités de notre monde matériel trouve un écho plus important auprès des contemplateurs dans ses textiles et ses pièces design.

Lors d’une résidence au Musée des Arts et du Design (MAD) de New York en 2017, Melake « a voulu trouver un moyen permettant aux autres de faire une introspection ». Elle présenta des matériaux dont la fonction n’avait pas été divulguée aux visiteurs. Ces derniers ont ensuite été invités à partager leurs réflexions sur ce que ces matériaux évoquaient. Une série de tissages ont été créés en réponse à cette invitation. Surprise par la nature confessionnelle de bon nombre des conversations révélées, Melake a constaté que le projet confirmait sa fascination pour le pouvoir communicatif des matériaux. « Les choses que je fais sont liées à des objets reconnaissables et destinées à un usage quotidien », explique-t-elle. Liés, mais loin d’être identiques.

Des oeuvres antérieures tels que Recovery (2016) sont réalisés grâce aux techniques de tissage à l’aiguille de la dentelle et de la tapisserie pour dit-elle « camoufler la grille, nécessaire à la pratique du tissage ». Elle combine des matériaux tels que le cuivre et le ciment appliqués à froid avec la structure poreuse du textile, décrivant l’œuvre comme un paysage d’émotions variées qui apparaissent dans « le processus constant de guérison et de raccommodage de soi-même, ainsi que la menace implacable du désespoir et de la dépression qui menace de s’engouffrer et de durcir ».

Remains (2018) est composé de matériaux inhabituels, réunissant des fibres d’acrylique et de lurex avec de l’argile polymère et du cellophane. Melake fait ici référence à un sédiment archéologique d’une « section topographique, révélant une histoire de fragments d’argile, de terre et de poterie, suivie de couches de plastiques et de produits pétroliers ». L’attention portée aux compositions matérielles évocatrices est également apparente dans Outpouring (2019) où des tubes de caoutchouc s’affaissent de manière dramatique. On trouve une alchimie de goudron, de caoutchouc, de laine d’acier et de ciment côtoie des imitations de feuilles d’or et d’argent dans Without qualities (2018), tandis que des languettes de mousse de polyuréthane, de fil de nylon, d’uréthane et de fibres de flocage suggèrent des tests de matériaux dans Parts That Fell Away (2019). « Je pense qu’il est facile d’écarter ce qui est reconnaissable », explique Melake à propos de sa recherche de l’équilibre entre le familier et l’inhabituel.

En plus du tissage, Luam Melake débuta une nouvelle série de mobilier intitulée Optimisd (un mélange des mots « optimist » (optimiste) et « optimized » (optimisé)). Les pièces de design Listening Chair (2019) et Better Together Table (2019) permettent de s’asseoir de façon à observer, bercer ou entendre une autre personne – une réponse à « l’aliénation et au déclin de l’empathie », un phénomène répandu non seulement en Amérique, mais aussi dans le monde entier aujourd’hui. Elle explique que ce n’est pas un travail qui prétend résoudre les problèmes du monde, mais plutôt « une tentative désespérée de faire quelque chose ; une tentative optimiste ».

Récemment, Port, Porte, Porter (2019) propulse le tissage de Luam Melake à une plus grande échelle. L’œuvre, une commande spéciale de la Fondation Blachère, a été tissée à la main à la Manufacture sénégalaise des arts décoratifs, une organisation fondée par le poète, théoricien de la culture et ancien président Léopold Sédar Senghor en 1966. Le projet a été géré par Versant Sud à Marseille, qui se consacre au développement de projets artistiques et culturels dans le sud de la France et dans les capitales du continent africain – des zones géographiques qui partagent le défi d’une infrastructure artistique locale limitée.

Melake a puisé son inspiration initiale pour la tapisserie dans le livre de Rahim Danto Barry, Portes d’Afrique, qui propose un parcours architectural des portes et entrées en Afrique subsaharienne. Le titre Port, Porte, Porter propose un jeu de mots linguistique, suggérant différentes versions du mouvement par la mer et par les portes – des lieux d’échange qui offrent des références poignantes aux histoires du colonialisme et du commerce des populations réduites en esclavage à l’ouest du continent africain.

Malgré l’expérience considérable des tisserands de la Manufacture sénégalaise des arts décoratifs, la sélection de jute, de raphia et de fibres synthétiques de Melake était inhabituelle et représentait un défi au niveau du tissage. Une fois le textile terminé au Sénégal, Melake appliqua de la peinture à base d’argile et de plâtre sur la surface tissée et une structure en aluminium a été créée dans les ateliers de la Fondation Blachère. « Je veux pousser la tapisserie vers des formes tridimensionnelles », explique-t-elle.

Les textiles et le mobilier design de Luam Melake sont des créations qui ne ressemblent plus à une taxonomie. Ils proposent plutôt de curieux mélanges de matériaux et de techniques qui refusent d’être limités par les attentes d’une seule catégorie ou définition.

Port, Porte, Porter (2019) sera exposée à Sumegne/Ngaparou et sera inaugurée à la Fondation Blachère en octobre 2020.

Luam Melake ( Née en 1986) est diplômée de l’Université de Californie à Berkeley, où elle obtint une licence en études de terrain interdisciplinaires, avec une spécialisation en architecture et en histoire de l’art en 2008. Elle a collaboré avec des institutions publiques et privées sur des projets commissionnés et a été artiste en résidence dans des institutions de premier plan, notamment le Musée des Arts et du Design de New York, le Bemis Centre pour l’Art Contemporain d’Omaha et la Fondation Blachère à Apt, en France. Melake vit et travaille à New York.

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Pour Nahusenay, la création d’une œuvre d’art vient de l’esprit et du cœur. Ses œuvres naissent de pieuses méditations et sont elles-même des méditations. En 2018, l’artiste a été sélectionné pour la première édition du programme de résidence artistique du Versant Sud à Marseille, en France. Pendant sa résidence artistique, Leikun Nahusenay a créé une série d’œuvres composées de dessins au pastel sur carton. Il a également réalisé une large tapisserie inspirée de ses dessins à Aubusson, une des référence du savoir-faire tapisserie en France et dans le monde. Artskop3437 s’est entretenu avec lui sur les récits de ses œuvres et sur la façon dont il vit la situation actuelle de Covid-19 en tant qu’artiste.

Comment te définis tu en tant qu’artiste ?

L.N: Je suis avant tout un artiste multidisciplinaire. Je travaille avec le collage de photos, la peinture, la gravure sur bois et le design graphique. Malgré mon diplôme en gravure sur bois, mon principal intérêt reste le dessin. Je dessine des lignes en images. J’aime expérimenter. Récemment, j’ai travaillé avec une technique de découpe de la photo.

Dites-nous en plus sur le processus de création de vos dessins.

L.N: J’aime dessiner des lignes et en faire des images. Je crée une composition en noir et blanc en gros plan, comme un échiquier où je dessine le drapé du vêtement et j’en arrive ensuite au sujet du corps et de l’âme, qui paraît être une personne sans visage. Un sujet qui m’intéresse beaucoup depuis un certain temps.

Vous semblez particulièrement apprécier la technique du pastel car beaucoup de vos dessins sont réalisés avec cette technique. Pouvez-vous nous en dire plus ?

L.N: Tout d’abord, le pastel est une technique dans laquelle je me sens à l’aise, que je maîtrise bien. De plus, le pastel me donne plus de liberté dans l’expression de mon art. Lorsque je dessine au pastel, je sens que l’acte créatif me vient aisément, et je suis capable d’exprimer mon travail dans les formes, les couleurs, les textures et les lignes exactes que je souhaite.

Pouvez-vous en dire plus sur la série « Body vs Soul » car lorsque nous observons certaines de vos œuvres de cette série, nous remarquons des silhouettes fantomatiques et sans visage qui reviennent sans cesse ?

L.N: « Body vs soul » est la série sur laquelle j’ai travaillé pendant ma résidence en France et que j’ai poursuivi en rentrant en Ethiopie. J’essaie de représenter la déconnection: comment notre corps et notre âme sont parfois séparés. Dans certaines situations, notre corps peut être présent, mais notre âme / notre esprit est errant, ailleurs. Un jour, alors que j’étais assis dans un café à Addis-Abeba, j’ai remarqué une jeune femme assise à une table plus loin qui semblait attendre son petit ami. Il n’est jamais venu. La jeune femme était physiquement dans le café mais elle n’était pas présente.

Dans la série « Lips lover », des formes organiques sont combinées à des formes plus géométriques. Pouvez-vous nous en dire plus ?

L.N: Cette série représente également la connexion (et la déconnexion) de notre « corps et de notre âme ». Les formes florales organiques représentent ici les histoires d’amour qui provoquent cette (dé)connexion. Dans cette série, je représente la manière traditionnelle dont ces nouveaux amoureux essaient de se couvrir de baisers, tout en essayant de se cacher des autres.

Dans l’œuvre « Enate », un ensemble de symboles est présent. Pouvez-vous nous en dire plus ?

L.N: La plupart de ces symboles sont des représentations de l’alphabet amharique. J’utilise l’alphabet amharique dans mon art pour leur donner un son / une voix. De plus, j’ai vraiment l’impression qu’ils ajoutent à la beauté de l’ensemble, en y ajoutant des éléments artistiques : texture, design, symboles. En ces termes, j’exprime les nombreuses choses qui me viennent à l’esprit, des choses pour lesquelles je me demande si elles sont bonnes ou mauvaises, que je mets en doute (par exemple, l’actualité ou des choses que j’ai entendues à la radio).

Beaucoup de ces textes sont, par exemple, des proverbes amhariques ou des expressions éthiopiennes avec des sens propres et figurés. Avec ces symboles, j’exprime les contradictions de notre existence, comme le noir et le blanc, la lumière et l’obscurité, le jour et la nuit, les âmes absentes et présentes, être à la fois ici et là-bas, aujourd’hui et demain, etc. Il y a une oeuvre qui est liée à la femme dans un échiquier en noir et blanc (lips lover VII), elle symbolise les dualités telles que le jour et la nuit, l’absence et la présence et ainsi de suite.

Vos oeuvres semblent aussi imprégnées de spiritualité. Pouvez-vous nous en dire plus ?

L.N: Je sens que nos expériences spirituelles se mêlent aux expériences plus physiques / terrestres. Comme dans la série « corps vs âme »(Body versus Soul) : notre corps fait l’expérience d’une réalité et notre âme d’une autre. Par exemple, dans la série « lips Lover », je voulais exprimer leur forte connexion spirituelle dans l’acte physique du baiser.

Que vous a apporté votre récente résidence artistique avec Versant Sud à Marseille ?

L.N: Lors de ma résidence au Versant Sud, j’ai mêlé mes expériences éthiopiennes à celles vécues à Marseille. C’était la première fois que je faisais une large tapisserie de 100 x 140 cm à partir d’un de mes dessins. J’ai appris à travailler avec des outils numériques, alors que dans ma culture, il est courant de travailler le tissage à la main. Travailler sur une tapisserie à Aubusson – qui a une longue histoire de tissage en France et dans le monde -, m’a permis de réfléchir davantage sur le tissu, les traditions entre ces deux régions Marseille et Addis Abeba. À l’avenir, j’aimerais continuer à travailler plus souvent avec le textile.

Comment vivez-vous cette période où le monde est impacté par le COVID-19 ?

L.N: En fait, je passe beaucoup de temps dans mon atelier pour créer. Et Bien sûr, sortir et être avec des amis me manquent, mais en même temps, j’utilise cette opportunité pour prier, méditer et créer une forme d’art qui peut apporter du réconfort à tout être humain en cette période.

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