Originaire d’Afrique du Sud, William Kentridge est reconnu à l’échelle internationale comme étant l’un des plus grands artistes de sa génération. Créateur parmi les plus prolifiques de ces vingt dernières années, il explore avec une grande aisance tous les médiums : dessin, gravure, sculpture, tapisserie, film d’animation, performance, installation vidéo, etc. Son intérêt pour le théâtre lui a permis d’établir des passerelles entre les arts plastiques, le cinéma et les arts du spectacle, faisant de lui un virtuose de la mise en scène et de l’image en mouvement. Son œuvre foisonnante offre une vision tout à la fois poétique et critique de sujets parmi les plus délicats comme la décolonisation, l’Apartheid, les conflits politiques ou le rôle de l’Afrique dans la Première Guerre mondiale.

En octobre 2019, William Kentridge a reçu le Praemium Imperiale, l’un des prix les plus prestigieux dans le domaine des arts et de la culture, remis par la famille impériale du Japon.

Présentées par les plus grands musées internationaux comme la Tate Modern (Londres, 2012), le Metropolitan Museum of Art (New York, 2013), le San Francisco Museum of Modern Art (2016) et le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, 2017), les œuvres de Kentridge n’ont jamais bénéficié d’une grande rétrospective en France, ce à quoi remédie l’exposition Un poème qui n’est pas le nôtre.

Johannesburg

Né à Johannesburg en 1955 dans une famille d’avocats intimement liée à la lutte contre l’Apartheid, Kentridge étudie d’abord les sciences politiques avant de se tourner vers des études d’art. En 1981-1982, il s’installe à Paris où il s’inscrit aux cours de théâtre et de mime de l’École Jacques Lecoq. Après un passage comme assistant à la télévision, il revient en Afrique du Sud et se tourne vers le dessin et le film d’animation.

Depuis ses débuts, Kentridge explore la condition humaine, en particulier les thématiques de la migration et du déplacement. Les décors de scène réalisés pour la pièce de théâtre Sophiatown (1986- 89) ainsi qu’un film documentaire introduiront les visiteurs à son approche transdisciplinaire de la création. La pièce, fruit d’une collaboration avec la Junction Avenue Theatre Company, met en scène l’évacuation forcée et la démolition à la fin des années 1950 de Sophiatown, quartier noir de Johannesburg. Cet ensemble de dessins n’a jamais été exposé en Europe dans son intégralité.

Films d’animation et dessins au fusain

En 1985, William Kentridge réalise Vetkoek / Fête Galante, l’un de ses premiers films d’animation. Il met au point une technique cinématographique qu’il appelle «animation du pauvre», composée de photographies de dessins au fusain et de collages. Il développera ensuite ce principe dans la série de films intitulée Drawings for Projection (depuis 1989). Enregistrés avec une caméra 35 mm, les épisodes animés mettent en scène deux personnages, Soho Eckstein et Felix Teitlebaum, qui sont des alter- ego de l’artiste.

Une série plus récente de films expérimentaux Drawing Lessons (commencée en 2009) présente Kentridge dans son atelier. Des séquences courtes illustrent la façon dont il aborde, avec humour, la question essentielle du processus créateur. Il réhabilite ainsi de façon originale et ironique le lieu mythique de la création et les relations entre l’artiste et son modèle, se dédoublant et se prenant lui-même comme modèle

Sources et satire politique

Pour la première fois, l’exposition offre l’occasion de lier l’œuvre de Kentridge à l’histoire de l’art (constructivisme, dadaïsme, surréalisme, expressionnisme allemand, etc.).
Certaines des sources artistiques de Kentridge seront présentées : le cinéma de Georges Méliès qui inspira 7 Fragments pour Georges Méliès, Un Voyage dans la lune (2003) mais aussi le personnage grotesque d’Ubu inventé par Alfred Jarry que l’on retrouve dans Ubu Tells The Truth (1997). L’installation O Sentimental Machine (2015) reconstitue, quant à elle, l’espace fermé d’une antichambre d’hôtel directement inspirée de films d’archives de défilés bolchéviques, d’un discours inédit de Trotski, mêlés à une fiction humoristique sur sa secrétaire Evgenia Shelepina.

La dérision n’est jamais gratuite chez Kentridge, elle s’appuie sur une profonde conscience de l’histoire et de ses meurtrissures que l’artiste aborde sous un angle qui les rend universelles et intemporelles.

Spectaculaire, accessible et ambitieux

The Head & The Load figure parmi les œuvres les plus spectaculaires de William Kentridge. Présentée pour la première fois en 2018 à Tate Modern de Londres, elle a été réalisée dans le cadre du centenaire de la Première Guerre mondiale et revient sur le rôle peu connu joué par l’Afrique dans le conflit. Cette œuvre théâtrale fait dialoguer de façon très spectaculaire, chants africains et opéras européens, pour raconter l’histoire des enjeux des puissances coloniales en Afrique. The Head & The Load offre une synthèse saisissante du travail de William Kentridge, à la fois impressionnant dans sa forme, ambitieux dans son propos et accessible au plus grand nombre.

Plusieurs autres œuvres emblématiques de l’exposition fournissent des informations supplémentaires sur les thèmes généraux de l’exposition, à savoir la migration, le déplacement et la procession ; sujets essentiels pour l’œuvre de Kentridge, initiés par la vidéo Shadow Procession (1999), et développés plus tard dans Triumphs and Laments (2016).

Un autre thème fondamental est enfin abordé, celui du temps et de l’histoire. L’installation monumentale The Refusal of Time, 2012 (la négation du temps) est un spectacle total mêlant musique, danse, chant, vidéos, réalisé en étroite collaboration avec le compositeur Philip Miller et l’historien des sciences Peter Galison. Tout en évoquant des souvenirs personnels d’enfance, William Kentridge livre ses interrogations sur la notion aléatoire du temps.

Commissaires d’exposition parMarie-Laure Bernadac, conservatrice générale honoraire du Patrimoine et Sébastien Delot, directeur-conservateur du LaM

William Kentridge, un poème qui n’est pas le nôtre

Exposition retrospective au Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut

5 Février – 5 Juillet 2020

Du mardi au dimanche de 10h à 18h

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Organisée par la Fondation pour le Développement de la Culture Contemporaine Africaine (FDCCA) et conçue par les commissaires Yacouba Konaté et Brahim Alaoui, l’exposition « Prête-moi Ton Rêve » rassemble une cinquantaine d’œuvres de 28 artistes africains renommés dont Jane Alexander, Soly Cissé, Abdoulaye Konaté, Jems Koko Bi, William Kentridge, Chéri Samba, Barthélémy Toguo, Nnenna Okoré, Ouattara Watts.

Cette exposition collective et continentale, placée sous le signe de la collaboration Sud-Sud, a été inaugurée à Casablanca le 18 juin 2019 et voyagera au total dans 6 pays d’Afrique.

Pour son étape abidjanaise, « Prête-moi ton Rêve » est partenaire de la 11ème édition du MASA, Marché des Arts du Spectacle d’Abidjan (7 au 14 mars 2020), grand rendez-vous culturel ivoirien qui a pour objectif de soutenir la création artistique africaine.

En parallèle de l’exposition principale, la Rotonde des arts contemporains d’Abidjan accueillera une exposition hommage imaginée par Henri Nkoumo. L’exposition carte blanche sera confiée au critique d’art et commissaire ivoirien Mimi Errol à la galerie Houkami Guyzagn.

L’exposition « Prête-moi Ton Rêve » sera ouverte au public dès le 12 mars et se prolongera jusqu’au 19 avril 2020 avant d’entamer ses prochaines escales à travers le continent africain.

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Aspire Art Auction renforce sa position sur des marchés choisis

La dernière vente aux enchères d’Aspire Art Auctions au Cap a démontré la prééminence de la société sur le marché sud-africain dans les segments stratégiques de l’art dans lesquels elle est spécialisée. L’art contemporain a occupé le devant de la scène, particulièrement l’accent a été mis sur les œuvres de William Kentridge, coïncidant avec ses deux expositions magistrales au sein de deux majeures institutions de la ville. Aspire est également la première maison de vente aux enchères d’Afrique du Sud à vendre des œuvres dans deux autres domaines spécialisés, à savoir les œuvres d’artistes sud-africains noirs du XXe siècle, et la photographie artistique. Une fois de plus, ces deux segments ont réalisé de bons résultats.

La vente aux enchères printanière a eu lieu le dimanche 1er septembre 2019 au Cap. En tant qu’entreprise, ils réaffirment une vision stratégique claire axée sur le développement de la valeur dans des segments de marché particuliers, dont l’art contemporain, l’art moderne noir sud-africain et la photographie d’art, tout en démontrant une expertise et un sens du business pour gérer les principales signatures du marché sud-africain des enchères d’art. William Kentridge, l’artiste contemporain international le plus en vue d’Afrique du Sud, a dominé la vente. Le timing parfait, coiincidait avec ses deux grandes expositions au Zeitz MOCAA et à la Fondation Norval au Cap.

Spécialistes de Kentridge

La capacité d’Aspire à vendre avec succès de l’art contemporain a été signalée par l’attention particulière accordée à l’œuvre de Kentridge. Un premier dessin de paysage de 1988 a ouvert cette section sur l’artiste, avec Sans titre (Paysage de Witwatersrand) qui a rapporté 161 684,09€.

L’un des portfolios les plus en vue et les plus exposés à l’échelle internationale du maître, Portage, s’est vendu au prix de 40 421€. D’autres oeuvres de Kentridge tels que Quatre chats, Graffiti d’été et Épine de singe noir ont toutes réalisées de bons scores, ce dernier dépassant largement sa plus haute estimation. La forte présence de la section Kentridge à la vente a été complétée par son œuvre tridimensionnelle Tête I, qui a atteint 10 105€.

Succès sur les marchés modernistes

Aspire s’est encore démarquée dans les secteurs plus traditionnels du marché moderniste avec un beau paysage de Maggie Laubser, Paysage marin avec bateaux et oiseaux, 1932. Vendu pour 47 157,86€

Leur approche cohérente pour développer le segment du marché des modernistes noirs, jusqu’alors négligé, est remarquable. Aspire a réussi à créer de la valeur et à développer la connaissance du marché dans ce qui est en train de devenir un domaine très respecté de l’art sud-africain. Ce segment a été mené par un dessin remarquable du célèbre Dumile Feni, Mère et enfant, qui s’est vendu pour 32 337€ actuellement le deuxième prix le plus élevé pour une œuvre sur papier de Feni. Aspire détient toujours le record des ventes aux enchères de l’œuvre de l’artiste.

Une aquarelle lyrique et une gouache de Gérard Sekoto, Portrait d’une femme, vendue pour 17 516€, bien au-dessus de son estimation la plus élevée. Parmi les autres ventes importantes, mentionnons une œuvre de Mmakgabo Mmapula Helen Sebidi, Milking the Cows (4042,10€) et un magnifique panneau de bois incisé intitulé Buffalo (5052,63€) par Lucky Sibiya.

Chefs de file en art contemporain et en photographie

Cette vente a une fois de plus démontré leur leadership établi sur le marché dans les segments de l’art contemporain et de la photographie avec de nombreux nouveaux records établis et des débuts. En tête de la collection contemporaine se trouvaient une pièce de Deborah Bell, Tapisserie Je t’entends de tout mon cœur, qui s’est vendue pour 17 515,78€, et une exquise œuvre brodée de Billie Zangewa, Les Cotswolds, qui a rapporté 13 473,67€ établissant un nouveau record sud-africain pour l’artiste.

Plus tôt cette année, Aspire a été pionnier de la première section dédiée à la photographie d’art aux enchères, qui a obtenu des résultats remarquables. Poursuivant sur cette lancée, David Goldblatt, qui atteignait un prix record mondial au début de l’année, a de nouveau occupé le devant de la scène. Sa photo Le fils du fermier et sa nourrice, la ferme Heimweeberg, près de Nietverdiend dans le Marico Bushveld, 1964 a remporté 18 863,40€, en plus des succès majeurs pour les œuvres de Mikhael Subotzky et Zanele Muholi qui se sont vendues au-dessus de leurs estimations les plus élevées.

Droits de suite de l’artiste

Aspire versera une fois de plus des redevances aux artistes sud-africains vivants dans le cadre de son initiative – Artist’s Resale Rights (ARR) – Droits de suite de l’artiste -. Aspire couvre volontairement le coût des frais de pourcentage de l’ARR. A ce jour, Aspire a gagné des royalties pour plus de 100 artistes sud-africains vivants à travers leurs ventes, sur l’ensemble du marché, et a payé environ 35 519,35€. Leurs efforts pour améliorer la durabilité de l’industrie de l’art dans le pays ont été reconnus au niveau national lorsque l’entreprise remporta le Business Arts South Africa Best Strategic Project Award en 2017.

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Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

Pour plus d’informations, pour obtenir des renseignements sur la vente ou pour accéder au catalogue complet, veuillez contacter Aspire Art Auction.

Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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La Fondation Norval présente la première recherche sur la pratique sculpturale de l’artiste de renommée internationale William Kentridge. Dans Why Should I Hesitate : Sculpture traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture » – les visiteurs découvrent une série d’œuvres nouvelles et historiques qui ont été crées au cours des deux dernières décennies et qui racontent l’engagement de Kentridge dans la forme tridimensionnelle.

Du 24 août 2019 au 23 mars 2020, l’exposition de la Fondation Norval coïncide avec une exposition complémentaire Why Should I Hesitate ? Putting Drawings To Work, traduit par « Pourquoi devrais-je hésiter ? Mettre les dessins à l’oeuvre » au Musée d’Art Contemporain ZEITZ MOCAA qui se focalise sur la pratique du dessin de Kentridge.

La première exposition consacrée à l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur

Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est la première exposition internationale à traiter de l’œuvre de Kentridge en tant que sculpteur, et elle constitue un point de vue unique sur cet aspect de sa pratique. Couvrant plusieurs corpus d’œuvres, et témoignant d’une longue improvisation dans le maniement de la forme tridimensionnelle, cette exposition voit l’origine de ces œuvres dans les accessoires de ses opéras et dans les images de ses animations sortant de la scène et de l’écran, nous confrontant directement au niveau du sol. Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture présente également en avant-première de nouvelles œuvres spécialement commissionnées dans le cadre de cette exposition.

Une préoccupation centrale de Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture est de faire comprendre que les sculptures de Kentridge présentent une liberté spontanée et ne répondent à aucune forme ou esthétique dictée.

Les sculptures cinétiques utilisent des mégaphones sur des trépieds d’arpentage, un clin d’œil au constructivisme russe, et impliquent la diffusion par un propagandiste d’une autorité impersonnelle et mécanique. Dans Trio de chanteur (2018), par exemple, les machines à coudre « prêtes à l’emploi » se voient offrir des voix pour une performance jouée à l’unisson avec leurs mégaphones synchronisés alors qu’ils prennent une présence nouvelle et humoristique dans ce monde. De nombreuses sculptures de Kentridge incarnent un spectacle animé. En procédant à une construction apparemment aléatoire de plans abstraits, comme dans Le Monde sur ses pattes arrières (2009), nous voyons comment des formes graphiques s’alignent de façon inattendue, s’intégrant dans un tout organisé qui est chargé visuellement et métaphoriquement. Déplacez-vous un peu plus loin et la forme se dissipe à nouveau.

« La Fondation Norval présente, pour la première fois, une exposition consacrée exclusivement à la pratique sculpturale de William Kentridge, en collaboration avec l’artiste et son atelier. Les sculptures de Kentridge adoptent une approche spontanée et ont récemment évolué vers le massif et le monumental. Simultanément, et en tension avec les aspects monumentaux de sa pratique, il se révèle être autant chorégraphe que sculpteur »

Karel Nel, Commissaire d’exposition principal à la Fondation Norval.

Ailleurs, le répertoire d’objets du quotidien et d’idées spontanées de Kentridge est traduit en rangées de petites sculptures en bronze, disposées de façon syntaxique sur une étagère pour être lues comme des lignes de texte sur une page. Dans le paragraphe II (2018), le cheval, le nez, le pichet, la cruche, la caméra, le mégaphone et d’autres s’alignent pour faire des rebus, ces puzzles visuels évoquant des mots qui ont tant plu aux premiers surréalistes.

Plusieurs pièces du lexique visuel de Kentridge ont été retravaillées en prototypes de plâtre à l’échelle, à partir desquels des sculptures monumentales en bronze ont été coulées : un gigantesque tire-bouchon, une cruche effondrée d’origine cubiste, une fleur visuelle en forme d’esperluette et la présence intense d’une énorme caméra de cinéma – peut-être l’alter ego observateur du prodigieux chef-d’oeuvre de Kentridge ?

Le récit rompu, si puissamment visible dans l’œuvre de Kentridge, est chorégraphié en dislocations enchevêtrées qui se heurtent à l’espace entre le personnel et le politique, l’opéra et le mondain, l’apparemment non pertinent et le social pertinent. L’approche des sculptures de Kentridge nous ouvre sur un paysage dadaïste, à la fois provocateur et séducteur.

« La Fondation Norval est fière d’accueillir Pourquoi devrais-je hésiter : Sculpture. Un aspect clé de la Fondation est notre engagement à exposer les pratiques sculpturales et d’installation d’une variété d’artistes, ce qui est facilité par notre édifice conçu à cette fin. En particulier, nous invitons les artistes et les commissaires d’exposition à répondre à la galerie huit, la plus grande, dont l’exposition de William Kentridge en est le plus bel exemple. La galerie est dotée de planchers renforcés pour supporter des œuvres pesant jusqu’à huit tonnes et atteignant jusqu’à neuf mètres de haut. La taille monumentale de cette galerie contraste idéalement avec les sculptures anti-monumentales, spontanées et théâtrales qui font partie de cette exposition. » 

Elana Brundyn, CEO, Norval Foundation.

Une publication ajoute une expérience d’accès aux coulisses de l’exposition

Pourquoi devrais-je hésiter: Sculpture sera accompagnée d’une publication visuellement riche, conçue en collaboration avec l’artiste, prolongeant l’exposition sur support imprimé. Il comprend une section d’un format catalogue raisonné de la pratique sculpturale de William Kentridge à ce jour, avec une autre présentant des esquisses préparatoires pour plusieurs œuvres clés. Il comprend également un essai photographique retraçant l’évolution des grandes sculptures du Lexique de Kentridge qui font partie de l’exposition, de la maquette à l’original en plâtre, en passant par le processus de moulage du bronze lui-même. David Freedberg, professeur d’histoire de l’art à l’Université Columbia et directeur de l’Académie italienne d’études avancées en Amérique, situe le travail de William Kentridge dans plusieurs pratiques artistiques et mouvements clés du canon historique de l’art occidental.

William Kentridge, Pourquoi devrais-je hésiter? : Sculpture
24 août 2019 – 23 mars 2020
Atrium et galeries 2-8
Fondation Norval
4 Steenberg Road Tokai, Le Cap 7945 Afrique du Sud

Commissaires de l’exposition : Karel Nel, Owen Martin, Talia Naicker, Vicky Lekone

Lundi – Dimanche 10:00 – 18:00
Fermé le Mardi
Dernière admission 45 minutes avant la fermeture

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La vente dédiée à l’art Africain chez Sotheby’s revient pour une quatrième saison consécutive le 2 avril 2019

En avril prochain, la vente dédiée à l’art Africain moderne et contemporain de Sotheby’s sera de retour à Londres pour une quatrième saison consécutive, après une exposition en avant-première qui aura lieu du 29 mars au 2 avril prochain.

Depuis l’inauguration de la vente dédiée – Art Moderne et Contemporain d’Afrique -, Sotheby’s a réalisé cinquante records du monde dans la catégorie Meilleurs artistes de toute la diaspora africaine et en confirme un intérêt global grandissant. Le marché international de l’art moderne et contemporain d’Afrique est certainement en plein essor, avec des conversations passionnantes qui s’enflamment sur le terrain, alimentées par des temps forts tels que l’ouverture du Zeitz MOCAA – Musée d`Art africain contemporain et la Fondation Norval à Cape Town, l`évolution des marchés internationaux comme 1-54 Contemporary African Art Fair à Londres, New York et Marrakech, Art X Lagos et bien sûr le pavillon très attendu du Ghana cette année à la biennale de Venise. L’entrée de Sotheby’s dans ce domaine atteste la position de l’art africain moderne et contemporain sur le marché mondial.

D’excellents résultats pour la vente aux enchères d’art africain en 2018

La vente de la saison dernière chez Sotheby’s a totalisé 2,3 millions £ (3 millions $) et a attiré des collectionneurs de 20 pays différents. Les ventes de 2018 ont connu de bons résultats pour des artistes établis tels que Ben Enwonwu (Obitun Dancer ; £187 500/$265 744) et El Anatsui (Tagomizor ; £670 000 /$883 730) à des stars montantes comme Eddy Kamuanga Ilunga, seulement 27 ans, dont l’oeuvre Mangbetu qui a atteint cinq fois l’estimation élevée (£65 000/$92 124).

Une perspective très prometteuse et très kaléidoscopique pour la vente de cette année

L’exposition publique et la vente de cette année rassemblent une collection soigneusement sélectionnée composée de peintures, photographies, dessins et sculptures provenant de tout le continent africain. Hannah O’Leary, chef du département de Sotheby’s, déclare avoir été témoin de la croissance de la demande, de l’audience et de la variété des œuvres :

« En matière d’art contemporain, les gens sont toujours à la recherche de quelque chose de nouveau – une demande qui se prête tout à fait à ce genre. Couvrant plus de 16 pays, un kaléidoscope de cultures et de thèmes, et comprenant les œuvres d’artistes établis et émergents, notre vente aux enchères d’art africain moderne et contemporain reste l’une des plus passionnantes, innovantes et pertinentes sur le marché actuel. L’art africain a connu une sorte de renouveau au cours de la dernière décennie, comme en témoigne l’intérêt grandissant des collectionneurs à travers le monde. En effet, plus d’un quart des acheteurs de la vente de l’an dernier provenaient du continent africain, mais les catégories de collectionneurs couvrent l’Asie, l’Europe, l’Australasie et l’Amérique du Nord, et il est fantastique de voir des artistes africains se hisser au premier plan des collections internationales, tant privées que publiques. Il s’agit donc d’une période incroyablement passionnante pour appréhender l’art africain moderne et contemporain, et les collectionneurs sont toujours séduits par les possibilités qui s’offrent à eux. Notre vente met en vedette des œuvres de quelques-uns des plus grands noms du domaine à des prix abordables, mais comme ces œuvres sont de plus en plus en demande, il est peu probable qu’elles le restent encore longtemps. Si vous êtes à Londres en avril, n’oubliez pas de visiter l’exposition – il y en a vraiment pour tous les goûts ».

El Anatsui, Zebra Crossing 2, estimée à 626,780€ – 854,699€

La vente aux enchères d’avril de Sotheby’s présentera en tête d’affiche, Zebra Crossing II, une tapisserie de capsules de bouteilles de la superstar de l’art contemporain, El Anatsui. El Anatsui a exploré un large éventail de supports, notamment la céramique, les bois durs tropicaux, les couvercles de boîtes de lait et les bouchons de bouteilles en aluminium, que l’artiste utilise pour réaliser les tapisseries métalliques scintillantes pour lesquelles il est le plus connu. Le succès des œuvres d’El Anatsui peut être attribué à la capacité de l’artiste à manipuler sans effort le matériau métallique rigide d’une manière qui crée une œuvre finie qui est robuste mais malléable, luxueuse et donne incroyablement l’impression d’un tissu.

El Anatsui a bénéficié de plusieurs expositions novatrices telles que le spectacle itinérant international When I Last Wrote to you About Africa en 2010. La plus grande exposition de l’artiste à ce jour, El Anatsui : Triumphant Scale, organisée par Okwui Enwezor et Chika Okekeke-Agulu, s’ouvre cette semaine à la Haus der Kunst de Munich et se rend à Mathaf : Musée arabe d’art moderne à Doha à l’automne. El Anatsui représentera également le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’Ibrahim Mahama, dont les œuvres sont également mises aux enchères.

Hassan El Glaoui, La sortie du Roi, estimée à 91,168€ – 136,752€

La Sortie Du Roi met en vedette les chevaux et cavaliers militaires qui ont fait la renommée d’El Glaoui. Parlant de son travail en 2009, El Glaoui a déclaré :  » Mon amour pour mon pays a été l’esprit qui a défini ma peinture. J’ai immortalisé nos racines ancestrales, les fleurs dans la vallée de la Kasbah et les palais rouges chérifiens, les courtisanes royales avec leurs longues lignes de brûlis blancs, la cavalerie montée et leurs chevaux. »

Puissante célébration de son pays natal, La Sortie du Roi déclenche chez le spectateur une myriade de sens : une palette rose poussiéreuse évoquant un climat sec et aride, l’ombre glaciale offerte par les brûlis blanc et bleu, et les mèches de peinture, fantomatiques, en mirage, entourant chaque cheval qui donnent au tableau un mouvement électrisant et frémissant. Le peintre El Glaoui a acquis une renommée internationale et est reconnu comme l’un des pionniers de l’art contemporain au Maroc. L’artiste a exprimé sa gratitude à Winston Churchill pour sa carrière ; lors de sa visite à Marrakech dans les années 1940, le Premier ministre a convaincu le père d’El Glaoui, le dernier pacha de Marrakech, de permettre au jeune artiste de poursuivre sa vocation artistique. Les œuvres de Churchill et d’El Glaoui ont ensuite été présentées conjointement dans une exposition conjointe à Londres.

Kamala Ibrahim Ishaq, Preparation of Incense – Zār Ceremony, estimée à 79,772€ – 102,564€

Kamala Ibrahim Ishaq est reconnue à la fois comme une pionnière de la scène artistique soudanaise, une icône féministe et l’une des artistes féminines les plus importantes du continent africain. L’artiste a été l’une des premières femmes à obtenir son diplôme de l’École des beaux-arts de Khartoum en 1963. Entre 1960 et 1975, la scène artistique de Khartoum a été marquée par la célèbre Khartoum School – École de Khartoum-, un mouvement artistique qui a débuté au Soudan dans les années 1960 dans le but de créer un nouveau langage visuel qui reflète un Soudan nouvellement indépendant. Kamala Ishaq faisait, par ailleurs, partie de la récente exposition à la galerie Saatchi  » Forêt et esprits Arts figuratifs de l’école de Khartoum « , organisée par Roubi l’Roubi.

Parmi les membres notables de cette école, on compte les artistes Ibrahim El-Salahi et Sarah Elmur (et les œuvres de ces deux artistes sont incluses dans la vente aux enchères). En 1971, bien qu’elle fût un membre éminent du groupe, Kamala quitte et fonde le Crystalist Group, plaidant pour une nouvelle esthétique artistique soudanaise qui s’inspire de la diversité et de la transparence. Le présent lot démontre l’intérêt de Kamala pour les processus spirituels soudanais, en particulier une pratique traditionnelle appelée la cérémonie Zār, par laquelle l’individu est débarrassé des mauvais esprits. Le travail de Kamala Ibrahim Ishaq a été largement exposé dans des institutions renommées telles que le MoMA PS1 (USA), la Whitechapel Gallery (UK), le Sharjah Art Museum (UAE), le Smithsonian National Museum of African Art (USA), Camden Art Center (UK), entre autres. Lire plus.

Chéri Samba, J’aime la couleur, estimée à 45,584€ – 68,376€

Chéri Samba est l’une des figures artistiques les plus prestigieuses issues de la République Démocratique du Congo ces dernières années. Né dans un village à 80 km de Kinshasa, Cheri Samba était l’un des quatre artistes congolais autodidactes qui, dans une Kinshasa des années 1970 nouvellement démocratique, ont fondé le mouvement connu aujourd’hui sous le nom de Peinture Populaire. Le genre joue avec la satire, l’ironie et l’humour pour aborder la vie quotidienne dans la capitale, y compris les questions sociales, politiques et économiques telles que les coutumes populaires, la sexualité, le SIDA, les inégalités sociales, la matérialité et la corruption.

Influencés par la publicité dans la ville, les artistes combinent des couleurs vives et audacieuses avec du texte pour créer des œuvres de conversation politiquement chargées qui s’adressent directement et franchement aux spectateurs. S’inspirant de sa formation antérieure de dessinateur de bandes dessinées et de panneaux publicitaires, le travail de l’artiste consiste souvent à écrire des textes, à esquisser un message clair ou une intrigue. Il a ensuite exposé dans certaines des institutions les plus prestigieuses du monde, dont la Fondation Cartier et le Museum of Contemporary Art Chicago. Sotheby’s présente aux enchères un J’aime la couleur de Cheri Samba, inhabituel et dramatique de l’imagerie la plus iconique de Samba.

Eddy Kamuanga Illunga, (b. 1991), Palm, estimée 28,490€ – 39,886€

Fusionnant à la fois les styles traditionnels et la « culture populaire », l’œuvre d’Illunga reflète à la fois la modernisation rapide de Kinshasa, troisième ville d’Afrique et ville natale de l’artiste, et la durabilité incertaine du patrimoine et des rituels quotidiens du peuple Mangbetu – qui font l’objet de cette œuvre stupéfiante. Comprendre le présent à travers le passé est au cœur de la pratique d’Illunga. Les poses classiques et les riches draperies des peintures figuratives monumentales de l’artiste rappellent les vieux maîtres européens. Pourtant, les tongs en caoutchouc et les bandes de tissu vibrantes capturent l’artisanat et l’héritage des Mangbetu. De plus, les circuits électroniques, les motifs de la marque de commerce de l’artiste, tatouent les personnages peau nue, signalant ainsi le XXIe siècle numérique.

Ce style de peinture est né très tôt dans la carrière de l’artiste, après avoir appris que la République démocratique du Congo est l’un des plus grands producteurs mondiaux de coltan, un minerai extrait à la main qui contient du tantale, un métal clé pour l’industrie électronique. Choqué par le nombre croissant de villages détruits pour exploiter ces minéraux, Illunga symbolise l’exploitation de son pays et de son peuple, et la dure réalité de la mondialisation. Avec sa finesse picturale, son symbolisme complexe et son attrait puissant pour les yeux et la conscience, l’œuvre d’Illunga a acquis une renommée internationale. La vente de Palm fait suite à la vente de Mangbetu d’Illunga à Sotheby’s en mars 2018, qui a atteint 65 000 £/92 124 $, dépassant l’estimation de 8 000 à 12 000 £ avant la vente.

Ibrahim Mahama, Rafia EB X, estimée à 22,792€ – 34,188€

Rafia EB X de l’artiste ghanéen Ibrahim Mahama est une élégante toile murale composée de sacs recyclés en toile de jute. L’artiste est surtout connu pour assembler ces sacs de jute afin de créer de grands textiles qui sont souvent déposés sur des formes architecturales. Importés au Ghana depuis l’Asie du Sud-Est, puis réutilisés pour l’exportation de cacao, de charbon de bois et d’autres cultures, les sacs de jute de Mahama sont synonymes de l’histoire commerciale du Ghana et servent à commenter les relations économiques du Ghana avec le reste du monde, de l’après-colonisation à nos jours.

Le travail de Mahama s’étend de grandes installations in situ à des pièces plus intimes comme Rafia EB X. Ayant reçu une formation de peintre, Mahama introduit dans ses œuvres comme Rafia EB X , une conception matérielle faisant référence à des peintures, cherchant à souligner la forme élégante qui pend sur le mur tout en défiant les limites du sens de la peinture. Mahama représentera le Ghana à la Biennale de Venise cette année aux côtés d’El Anatsui, dont le travail est également inclus dans la vente aux enchères, dans un pavillon national co-commissarié par l’architecte Sir David Adjaye.

La vente comprendra également Harvest Scrolls, 1983, une œuvre de l’artiste éthiopien Alexander Skunder Boghossian, considérée comme faisant partie des courants créatifs du Nil, estimée entre 34,188€ – 56,980€ et ayant appartenu à la collection de Terry McMillan.

La vente présentera aussi l’artiste Nigérian Uzo Egonu, Women Reading, 1978 estimé entre 12 000 et 18 000 £ et l’artiste sud-africain William Kentridge, Head (Orange), estime entre 30 000 et 50 000 £ parmi d’autres.

 

Vente d’Art Moderne & Contemporain Africain
Londres
02 Avril 2019
14H

Sotheby’s
34-35 New Bond Street
Londres W1A 2AA
+44(0)20 7293 5000

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