C’est sous les thèmes forts de l’engagement et de l’exil qu’Art Paris a choisi de souligner ses 25 ans. Reconduit pour une troisième fois au Grand Palais Éphémère, ce rendez-vous majeur dans l’écosystème parisien attire particulièrement l’attention cette année avec une présence étrangère presque paritaire, 40 % des exposants provenant de l’extérieur de l’Hexagone. Parmi la liste, on notera la participation de la galerie Afriart, une première pour celle qui a pignon sur rue à Kampala, des galeries turques Martch Art Project et The Pill ainsi que du Comptoir des Mines et de l’Atelier 21, deux galeries respectivement implantées à Marrakech et à Casablanca. 

Engagement et exil 

À travers le parcours de la foire, deux fils rouges, tissés par les commissaires Marc Donnadieu et Amanda Abi Khalil, relient une poignée de galeries participantes. Chacun a puisé dans le riche éventail de la foire, proposant deux expositions fragmentées que la déambulation recompose suivant les cartels dédiés. 

« Que peut l’art ? » a été le point de départ de Marc Donnadieu pour concocter une sélection réfléchie autour de l’engagement, un thème qu’il exploite à travers 20 œuvres de 20 artistes exposées dans 20 galeries différentes. Ce parcours unique nous conduit à la galerie Rabouan Moussion où deux œuvres d’Hervé Télémaque, artiste haïtien récemment décédé, père de la figuration narrative, lui rendent brillamment hommage. Cet engagement dans l’acte créatif mène également vers la galerie Carole Kvasnevski où une puissante triade de photographies monochromes signées Angèle Etoundi Essamba enrichit les cimaises. Figure aussi dans cette exposition de Donnadieu l’artiste originaire du 93, Rakajoo – « tête de mule » en wolof – dont le travail vaut amplement le détour à la galerie Danysz. 

Exposition sœur signée Amanda Abi Khalil, Exil : dépossession et résistance sonde la complexité de l’exil, ce départ choisi ou forcé, mais toujours subi, à travers 18 œuvres sélectionnées par la commissaire. De ce riche éventail, nous retenons La foule X (2016) de Nabil El Makhloufi, une méditation poétique et sensible sur l’attente qui languit une foule. L’œuvre est un fragment d’un corpus plus large pour lequel l’Atelier 21 a brillamment dédié l’entièreté de ses murs, proposant ainsi l’un des 16 solo shows disséminés dans les dédales de la foire. Coup de cœur aussi pour Myriam Mihindou dont le travail occupe toute une partie du stand de la galerie Maïa Muller. Un juste choix commissarial qui met en valeur ses œuvres manifestes de la vulnérabilité des corps blessés et de la matière — ou du rituel — qui soigne, panse et apaise de la douleur.  

Focus galeries 

Au stand G6 de la galerie Afriart, nous rencontrions Daudi Karungi, fondateur de la galerie, et son bras droit Lara Buchmann. Si la galerie avait déjà fait l’expérience d’Art Paris dans le passé, c’était en collaboration avec une autre enseigne, faisant de cette édition 2023 leur première représentation indépendante. Une participation qui ravit la galerie : « Of course, it’s great to be in Paris as an African gallery at an international fair. It’s not like 1-54 or AKAA where it is more obvious to find galleries located on the continent », nous confiait Lara, quoique songeuse de représenter l’unique galerie, parmi les 134, à être localisée en Afrique subsaharienne. Sans conteste un déséquilibre de représentation loin d’être exclusif à Art Paris. Y sont à découvrir les sculptures murales de Richard Atugonza, les somptueuses tapisseries recyclées de Sanaa Gateja et le travail de Mona Taha.

Passage aussi obligé chez Anne de Villepoix où le trait vif, électrique de Gastineau Massamba se joint aux deux œuvres du peintre Bouvy Enkobo qui se font pièce maîtresses dans l’espace. Des grands formats qui parlent du soi et de la culture publicitaire à Kinshasa, un travail que l’artiste s’est ravi de nous décortiquer.

 Je pars de ma réalité, de celle que je vis à Kinshasa. À travers les affiches que je vais chercher dans les imprimeries, que j’arrache et que je colle, j’essaie de créer ce dialogue entre la réalité de la ville et l’image que la publicité nous en donne, parfois contradictoire. Pour moi, c’est vraiment une histoire que je vis dans le quotidien. 

Toujours du côté parisien, la galerie 31 Project s’ajoute à liste de visite. De part et d’autre de l’espace, ce sont quatre extraits de la série documentaire Primordial Earth de Léonard Pongo se détachant sur un mur vert forêt et les explorations d’archives de Kelani Abass qui sont à découvrir. Centrale, vous ne manquerez pas non plus de glisser dans l’une des bacchanales peintes d’Epheas Maposa, un travail empruntant à l’onirique et au cynisme pour critiquer la déliquescence des structures politiques et sociales au Zimbabwe. 

Les fins connaisseurs et adeptes de la scène africaine contemporaine ne seront non plus déçus par une visite des galeries poids lourds répondant communément présentes à ce rendez-vous du printemps. Ainsi, les œuvres de Roméo Mivekannin (Eric Dupont), El Anatsui (RX & SLAG), Nú Barreto (Nathalie Obadia), Alioune Diagne (Templon), Zanele Muholi (Carole Kvasnevski) et Omar Ba (Templon) parsèment le parcours. 

Bref, un rendez-vous de découverte de l’art moderne et contemporain qui réitère sa pertinence en tant que fidèle vitrine de la scène artistique parisienne et qui s’engage de plus en plus vers le cosmopolite. Art Paris, foire qui fait vibrer la ville le temps de sa tenue et dont le nom est sur les lèvres de collectionneurs, amateurs et professionnels de l’art, n’est pas à manquer. 

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Le 17 novembre dernier marquait une double célébration pour la Biennale Internationale de Casablanca. Artistes, amateurs et curieux d’art contemporain foisonnaient dans les espaces encore flambant neufs de l’American Arts Center pour souligner le dévoilement de sa 5e édition – tant attendue après des reports causés par la pandémie -, et commémorer les 10 ans d’impulsion de la biennale dans la scène artistique marocaine.

Orchestrée par l’historienne de l’art Christine Eyene, cette édition intitulée Les mots créent des images présente, jusqu’au 17 décembre inclusivement, une sélection de 17 artistes locaux et internationaux, dont les œuvres, allant de la performance à l’intervention digitale, sont réparties entre trois adresses clés de Casablanca: l’American Arts Center, le BIC Project Space et la So Art Gallery. Trois espaces, et donc plusieurs expositions contiguës, mais singulières, auxquelles trois jeunes commissaires, Selma Naguib, Patrick Nzazi Kiama et Juste Constant Onana Amougui, ont été invités à ajouter leur touche curatoriale et épauler le commissariat général d’Eyene.

« Les mots créent des images » : la photographie à l’honneur

Biennale certes multidisciplinaire, la photographie semble couronner cette 5e édition. Déjà, son titre et son thème, Les mots créent des images, découle du photographe sud-Africain George Hallett, l’artiste derrière les couvertures de l’African Writers Series, une collection emblématique des traductions anglaises de grands classiques de la littérature africaine du temps des Indépendances. Passionné de littérature, Hallett déclarait dans un entretien que « le mot crée une image dans l’esprit », une remarque qui, des années plus tard, allait conduire Christine Eyene à charpenter une biennale autour des plumes africaines comme catalyseuses de la création, mais aussi à réfléchir à l’héritage des mots, des langues et du signe dans la création des images. Ipso facto, un brillant hommage est rendu au photographe au 3e étage de l’American Arts Center où ses clichés occupent une pièce entière, donnant à voir une décennie de travail photographique déterré des archives – un corpus que les publics notamment non anglophones découvrent sans doute pour la première fois.

Toujours à l’American Arts Center, où se déploie l’exposition Calling in Question, sont aussi présentés deux fragments de la série Landmarked de l’artiste multidisciplinaire afro-américaine Ada Pinkston. Ses autoportraits confrontent les socles de statues d’anciens généraux des États confédérés qui habitent l’espace public américain, les vestiges d’un lourd passé que Pinkston considère comme métaphores des silences et des voix étouffées dans l’histoire. Un peu plus loin, ce sont les clichés documentaires du photographe marocain Brahim Benkirane qui attirent l’oeil avec sa série documentaire Écrire l’Avenir. Appareil en main, Benkirane sensibilise sur un enjeu local : les conditions précaires des écoles primaires implantées dans les quartiers défavorisés de la banlieue de Casablanca. Un regard documentaire qui fait écho à Drummies, la série maintes fois encensée de la photographe sud-africaine Alice Mann présentée à la So Art Gallery. À son tour, la photographe fixe sa lentille dans les espaces de la jeunesse et capture les équipes féminines majorettes du Cap occidental, proposant une réflexion sur l’agentivité et l’autodétermination comme pierres d’assises de l’identité de ces jeunes captoniennes. Du côté du BIC Project Space, point de mire sur les archives narrées du photographe marocain Ziad Naittadi, porteuses d’histoires personnelles sur l’exil et la migration, qui s’étendent sur un mur entier de l’espace.

Mouvance contemporaine : critique et engagée

Black feminism, post-colonialisme, intersectionnalité : un fourmillement de courants et de concepts forts qui parsème la trame narrative des différentes expositions et façonne le corpus exposé. À cet égard, mentionnons Afroféminisme postcolonial, l’exposition de la So Art Gallery commissariée par Selma Naguib qui présente When The Moon Wanes, une installation de l’artiste indo-sud-africaine Sharlene Khan qui plonge dans les récits amoureux de ses figures maternelles à travers une lentille intersectionnelle et l’incontournable plume de bell hooks. Aux côtés de cette plongée dans l’amour interracial, se déploie la série photographique d’Aïsha Jemila Daniels, jeune artiste afro-américaine qui propose par le biais de sa What If Exploration, une contre-histoire où se renversent à coups de douce ironie la suprématie blanche et l’impérialisme occidental.

Autre point fort de l’irrigation de ces courants critiques dans le fil rouge de la biennale : Lypsinc de la pensée, une performance forte que Brandon Gercara, artiste et militant.e du milieu queer de La Réunion, livrait comme ouverture au vernissage du 17 novembre. Sous des projecteurs fuchsia, cadré.e d’un rideau clinquant et élevé.e sur une scène de fortune, Gercara jouait des codes du surjeu propre à la culture drag en troquant les paroles de reines de la pop à celles de féministes dont les théories sont dans l’air du temps. C’est ainsi que les voix d’Asma Lambaret, théoricienne du féminisme islamique, de François Vergès, figure du féminisme décolonial et d’Elsa Dorlin, celle du féminisme intersectionnel, résonnaient à travers l’artiste et s’offraient au public sous une forme nouvelle, loin des livres, opérant une démocratisation intellectuelle cruciale pour Gercara. « Je trouvais déjà que les drag queens faisaient un travail magnifique et super politique. […] L’idée m’est venue à l’École d’art de la Réunion. J’avais besoin d’avoir toutes ces théories pour avoir les armes pour me défendre. Et, je n’ai pas la pratique de la lecture. C’est-à-dire que, dans ma famille, on ne prend pas un livre comme ça, par plaisir, ce n’est pas vraiment ancré dans notre culture. Notre culture, c’est plutôt regarder un film, écouter des interviews, des podcasts. En tout cas, moi j’ai accès à des pensées grâce à ça. »  

Outre cette puissante performance, ne manquons pas de mentionner celle de Khadija Tnana qui, quant à elle, a marqué le vernissage du BIC Project Space. Dans une installation de voiles suspendus, Tnana interprétait un segment de sa pièce de théâtre Tata Mbarka. Une histoire touchante qui puise dans ses souvenirs d’enfance du Maroc des années 50 et donne une voix à cette femme noire confinée à la cuisine que sa famille mit en esclavage. Une performance saisissante qui abordait avec sensibilité et transparence l’esclavage domestique, les violences sexuelles et le racisme dans l’espace marocain. 

À propos de la sélection

Concernant la sélection des artistes, on notera l’exclusivité de l’Afrique du Sud pour la représentation subsaharienne de cette édition. Une sélection qui, sans doute, étonne pour une biennale honorablement implantée sur le continent et dont l’édition aurait tout à gagner à offrir une visibilité à la création contemporaine de l’Afrique subsaharienne qui attire, autant qu’elle convoite, le monde de l’art. Un déséquilibre de représentation auquel la deuxième partie de la biennale prévue du 1er juin au 2 juillet 2023 saura sans doute remédier.

Et si des 17 artistes sélectionnés, 6 sont issus d’un contexte sud-africain, que 3 d’entre eux, Brahim Benkirane, Khadija Tnana et Ziad Naittadi, sont originaires du Maroc. À cet égard, Christine Eyene précise: « La biennale de Casablanca est internationale. Donc il ne s’agit pas simplement que les artistes marocain.e.s ou du monde viennent à Casablanca ou au Maroc et créent un art qui s’inspire nécessairement de la ville ou du pays, mais plutôt d’avoir un dialogue autour de l’art, à Casablanca tout en s’exprimant de sa propre culture, de sa propre expérience, ou de ses propres intérêts dans toute leur diversité […]. » Reste qu’un ancrage local plus marqué du point de vue de la sélection aurait pu donner une meilleure visibilité à la scène contemporaine marocaine – notamment casablancaise – et sans doute initié nombreux des visiteurs internationaux au riche écosystème artistique du pays. Une occasion que la Biennale entend saisir pour son deuxième temps selon la commissaire générale. 

Biennale d’exception

Quoi qu’il en soit, en fêtant ses 10 ans, la Biennale Internationale de Casablanca fait cas à part. Lors d’une discussion dans le cadre des journées professionnelles qui ont jalonné la première semaine de la biennale, la commissaire et critique d’art Syham Weigant attirait l’attention sur la récurrente éphémérité des biennales au Maroc (après six éditions, la biennale de Marrakech n’est pas renouvelée depuis 2016 et celle de Rabat n’a connu qu’une édition en 2019). Une pérennité de la BIC qui en doit sans doute au mécénat particulier de son fondateur Mostapha Romli, président de la Fondation Maroc Premium, qui porte le projet de la biennale avec cœur depuis 2012. Formée de collaborations étroites, elle est le fruit d’une volonté individuelle qui la rend entièrement indépendante, un aspect distinctif que souligne fièrement sa commissaire : « La Biennale Internationale de Casablanca est importante tout d’abord parce qu’il s’agit d’une initiative marocaine indépendante, qui prend le temps de mûrir, qui fait preuve de résilience et qui, de ce fait, compte aujourd’hui dix ans d’existence. Cette indépendance est significative dans le contexte du continent africain. » 

Une visite au cœur de cette biennale qui se veut au diapason de l’effervescence de Casablanca est donc vite obligée. C’est avec patience qu’il faudra attendre la mi-décembre pour que le programme de sa seconde partie, qui promet autant qu’elle attise la curiosité, soit officiellement annoncé.

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Voilà déjà dix ans que la 1-54 s’érige comme la principale foire d’art spécialement vouée à la promotion de l’effervescence artistique et intellectuelle qui émerge du continent africain et de sa diaspora. Après une édition fort réussie à New York en mai dernier, c’est au cœur de la Somerset House de Londres, lieu emblématique qui l’a vu naître et grandir, que la foire célébra son dixième anniversaire du 13 au 16 octobre prochain. Pour souligner ces dix ans d’impulsion de l’art contemporain africain, un pari d’abord ambitieux, mais vite remporté pour la fondatrice Touria El Glaoui, cette dernière s’est assurée d’orchestrer une édition d’exception pour cette foire qui ne cesse de faire vibrer le marché de l’art depuis sa création en 2013. 

« Nous sommes ravis de célébrer le 10e anniversaire de 1-54 Londres avec notre édition phare à Somerset House, où nous avons exposé depuis notre création en 2013. Cette étape importante verra une plus grande foire occuper plus d’espace à Somerset House, avec une installation spéciale dans la cour et une performance de la talentueuse artiste Grada Kilomba, que j’ai hâte de faire découvrir au public britannique. Nous sommes impatients d’accueillir de nouvelles galeries et de nouveaux artistes, ainsi que nos fidèles habitués qui nous accompagnent depuis 10 ans et sans qui nous ne serions pas là. » — Touria El Glaoui, fondatrice de la foire d’art contemporain africain 1-54

Des chiffres significatifs donnent corps à l’envergure de cette dixième édition : 50 galeries spécialisées provenant de 21 pays, le plus grand nombre de pays représentés jusqu’à présent, exposeront plus de 130 artistes africains et de la diaspora aux démarches aussi variées que leurs médiums. Des 50 galeristes présents, 17 ont pignon sur rue en Afrique et 14 s’invitent à la foire pour la première fois. 

Tour d’horizon et l’émergence à ne pas manquer 

Autant pour les connaisseurs que pour les néophytes en matière d’art contemporain africain, la foire 1-54 demeure un moment incontournable pour garnir sa liste d’œuvres coup de cœur et d’artistes à découvrir. Les passionnés de portraits seront par exemple comblés devant les visages stoïques et puissants du peintre nigérian Collins Obijiaku ou encore devant les portraits des « Black kids from the hood » de l’afro-américain Auudi Dorsey, tous deux représentés par la Luce Gallery. Pour les amateurs d’art naïf et d’expressionnisme, rendez-vous obligé à la galerie Unit London pour contempler le travail de l’artiste zimbabwéen Option Nyahunzvi dont les œuvres servent de médium pour sonder la spiritualité shoa. Sinon à la galerie THIS IS NOT A WHITE CUBE où l’œil sera ravi des peintures rythmées de l’Angolais Cristiano Mangovo qui partage avec l’univers du jeune artiste malien Famakan Magassa de la galerie Albertz Benda une esthétique libre et une palette éclatante. Les férus de sculpture sont suggérés de s’arrêter au kiosque de la Montoro12 Gallery où les sculptures surréalistes de l’artiste sud-africaine Cow Mash seront fort appréciées pour leur côté intriguant ou encore celles de la namibienne Stephané E. Conradie qui joue avec des effets d’enchevêtrements d’objets domestiques pour explorer l’histoire coloniale et la créolisation. 

Aux côtés d’artistes de renom tels qu’Ibrahim El-Salahi, figure clé du modernisme africain, ou encore les photographes Hassan Hajjaj et Zanele Muholi, de jeunes artistes émergents sont également à surveiller. Travaillant et vivant à Londres, Sola Olulode, née en 1996, propose des visuels de l’intimité féminine noire et queer dans des scènes de connexion tendres et profondes qui sont à découvrir à la galerie Berntson Bhattacharjee. Soulignons également le travail du jeune brésilien Pedro Neves exposé par la Portas Vilaseca Galeria. Épousant de grands formats, ses œuvres sont le fruit de sa recherche continue sur les complexités historiques, notamment en regard avec la colonisation, et identitaires qui forment le tissu culturel de son pays d’origine. Pour l’artiste de 25 ans qui présentait sa toute première exposition personnelle Tripa au début de cette année, cette participation à la 1-54 marque un moment important de sa carrière. 

Un programme parallèle chargé 

Parallèlement au salon d’exposition, les visiteurs de cette dixième édition auront définitivement de quoi enrichir leur passage avec le remarquable agenda d’activités organisées pour l’occasion. 

Pour les visiteurs du jeudi et du vendredi, un arrêt obligé s’impose dans la cour intérieure de la Somerset House, là où se déploie l’immense installation de Grada Kilomba intitulée O Barco/The Boat. Avec ses 32 mètres de long, l’installation composée de 140 blocs de bois carbonisés et gravés de poèmes plurilingues dessine la forme de la cale inférieure d’un ancien négrier. L’œuvre adresse les mémoires de la traversée atlantique dans une poésie singulière, qui commémore et pose les bases d’une réflexion commune sur les formes mémorielles futures de ces millions de récits de vie marqués par la traite transatlantique. Si O Barco/The Boat est visible à la Somerset House depuis le 29 septembre 2022, c’est dans le cadre de la 1-54 que l’œuvre prendra sa forme totale, avec deux performances dansantes, chantantes et musicales programmées respectivement les 13 et 14 octobre. Nul besoin d’applaudir l’engagement de la foire de faire de cette œuvre poignante un événement majeur de son programme, un choix notable considérant que l’installation prenne vie au cœur d’une ville historiquement chargée et indissociable de son passé esclavagiste. Ces performances seront présentées pour la première fois aux regards britanniques.

La foire sera également enrichie de son habituel Forum 1-54, une fructueuse plateforme de dialogues entre publics, artistes, historiens de l’art et commissaires africains et afrodescendants. Commissariées et dirigées par Omar Kholeif, les discussions s’annoncent comme des moments forts d’échanges intellectuels, abordant des réflexions chères aux Africains et à la diaspora. Ce vivier de discussions portera notamment sur la culture visuelle noire, les mouvements artistiques britanniques antiracistes des années 80, les tensions entre tradition et contemporanéité en art, le racisme quotidien et la notion d’ « africanité » d’un point de vue identitaire.  

Enfin, la 1-54 saura plaire autant aux regards qu’aux papilles gustatives. L’artiste d’origine marocaine Hassan Hajjaj fera découvrir « Love Letter », un thé spécialement conçu pour la foire qui rassemble une riche sélection d’épices et d’herbes en provenance de toute l’Afrique, de la vanille à la coque de cacao du Ghana jusqu’à la fleur d’oranger de Tunisie. Plus qu’un simple thé, ces notes douces et épicées font de cet assemblage aromatique un véritable va-et-vient gustatif à travers la richesse du continent africain. Aussi, ceux de passage au salon VIP seront accueillis par une installation multisensorielle, le Chop Bar, une œuvre conceptuelle du chef et restaurateur Akwasi Brenya-Mensa qui reprend la forme des traditionnels chop bars ghanéens, ces échoppes de bord de route où de copieuses portions de banku, de fufu et d’omo tuo sont servies. Chaises et tables en plastique, vieux bidons d’essence en guise de tabourets et serviettes en papier : le jeune chef d’origine ghanéen cherche à faire plonger ces convives dans une interprétation personnelle de la restauration africaine de demain et rendre hommage aux femmes derrière ce riche patrimoine culinaire. 

Après dix ans de dévouement, de partage et de mise en valeur des artistes africains et afrodescendants sous les projecteurs du monde de l’art international, la foire 1-54 n’a cessé de s’imposer comme un des principaux porte-voix de l’art contemporain d’Afrique et de sa diaspora. Elle s’inscrit parmi les manifestations extra et intra-africaines – soulignons ses quatre dernières éditions à Marrakech et celle prévue pour février 2023 – les plus influentes et ambitieuses en son genre, raison de plus d’en faire sa destination de choix ce week-end. 

Artskop3437 partenaire officiel de 1-54 Contemporary African Art Fair

1-54 Londres 2022

Du 13 au 16 octobre

Somerset House, 

Strand, London WC2R 1LA,

United Kingdom

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Les règles sanitaires désormais assouplies, les masques enfin tombés et les déplacements internationaux reprenant de plus belle, le monde de l’art retrouve tranquillement son souffle et la vigueur qui l’animait avant la pandémie. En témoigne la très attendue foire d’art contemporain africain 1-54 qui, pour la deuxième fois depuis sa création en 2013, se déploie avenue Matignon dans les prestigieux locaux de Christie’s. 

Si la maison de ventes aux enchères prêtait déjà ses cimaises lors de la précédente tenue de la foire en janvier 2021, c’était dans un contexte plus intimiste où, en raison du couvre-feu et de la distanciation sociale imposés, la découverte des œuvres se fit majoritairement en ligne et des plages horaires strictes ponctuaient les visites. Franc succès n’empêche, Christie’s s’est vu ravi de réitérer sa collaboration avec 1-54 pour 2022, une coopération qui marque l’investissement de la maison dans la multiplication des regards sur la production contemporaine africaine et l’éveil de ses échos à l’international.  

« En lieu et place de la célèbre édition de Marrakech, Christie’s Paris a l’honneur d’accueillir à nouveau la foire 1-54 dans nos galeries de l’avenue Matignon. Janvier 2021 a été un véritable succès et l’occasion pour Christie’s d’offrir à nos collectionneurs la possibilité de découvrir l’art contemporain africain. La deuxième édition à Paris nous permettra de renforcer notre soutien aux galeries participantes et aux artistes qu’elles représentent. Nous sommes ravis que ce partenariat se poursuive en 2022, en commençant par Paris et en continuant à Londres pour coïncider avec la 10e édition de la foire.» Julien Pradels, Directeur général de Christie’s France. 

Durant les quatre jours de foire, collectionneurs, curieux et férus d’art contemporain peuvent s’attendre à un événement de plus grande envergure et comptant un plus grand nombre de galeries participantes, soit 23 au lieu des 21 de la précédente édition. Un retour à la normale qui permettra de consolider l’objectif même de Touria El Glaoui, la fondatrice de la foire, qu’est de faire de 1-54 un riche vivier de dialogues et d’échanges entre les visiteurs, les galeristes et les artistes. Une manifestation considérable qui insuffle une force à la création africaine, à ce qu’elle légitime les questionnements sociaux, politiques et identitaires, ainsi que les enjeux que sondent les artistes au moyen de leur art, et renforce l’importance de l’Afrique et de sa diaspora dans le récit de la contemporanéité artistique autant que dans les circuits du marché de l’art.

L’émergence à ne pas manquer

Pour cette seconde édition française, trois jeunes artistes ont particulièrement retenu notre attention. Représentée par la galerie African Arty, la Congolaise Cinthia Sifa Mulanga fait plonger notre regard dans des intérieurs de la féminité noire, espaces intimes et domestiques qu’elle charge de réflexions autour des normes de beauté et des stéréotypes qui fonctionnent à la fois pour défier et embrasser les femmes africaines. Des références au patrimoine culturel du continent truffent ses compositions, presque photographiques, qu’elle travaille en combinant peinture à l’huile, encres, techniques de collage et fusain. 

Rejoignant l’intimité domestique de Mulanga, l’artiste nigérian Kenechukwu Victor, présenté par la galerie athénienne The Breeder, propose des portraits puissants où les regards percent celui du spectateur, comme un moyen de l’absorber dans l’espace pictural et d’entrer en conversation avec lui. On aura remarqué les cheveux et les lèvres immaculées de chacun de ses sujets, une signature esthétique qui réfère au « Nzu », une argile blanche utilisée dans la culture Igbo, symbole de sagesse, de paix et de pureté. 

Dans une palette vive, des aplats monochromes et une technique maîtrisée du non-finito, le jeune ghanéen Joshua Oheneba-Takyi représenté par Gallery 1957 explore les notions de stabilité et d’appartenance par le biais du motif de la chaise. Un mobilier quotidien que notre attention oublie, sinon néglige, qui fascine pourtant l’artiste. Oheneba-Takyi y voit autant un garant du temps qui passe qu’un outil par lequel les corps qui s’y posent, tantôt pour attendre ou travailler, entrent dans un état de réflexivité où leur manière d’être, de se montrer et d’agir dans le monde est mise en suspens, sinon complètement remise en question.

Du côté parisien

Sept des 23 galeries participantes ont pignon sur rue à Paris. Encore là, plusieurs artistes auxquels prêter attention. D’abord, arrêt obligé à la galerie Cécile Fakhoury qui, installée sur l’avenue Matignon depuis octobre 2021, expose entre autres le travail de Roméo Mivekannin, dont l’œuvre, travaillée sur de larges draps imbibés de solutions rituelles, revisite la représentation picturale et photographique des Noir.e.s dans la culture visuelle occidentale. On y retrouve aussi la peinture de la Franco-Algérienne Dalila Dalléas Bouzar qui s’inscrit dans une critique des systèmes de domination exercés sur les corps, notamment féminins.

Halte ensuite au stand de la galerie Nathalie Obadia qui, en plus de présenter les portraits de l’encensé photographe malien Seydou Keïta, propose une plongée dans l’œuvre surréaliste et engagée de l’artiste natif de Guinée-Bissau Nú Barreto. Enfin, alors qu’une série inédite de l’artiste camerounais Justin Ebanda est présentée en primeur par la galerie Carole Kvasnevski, collectionneurs et amateurs peuvent retrouver le travail d’Omar Mahfoudi sur les cimaises du stand de la galerie Afikaris, jeune galerie créée en 2018 dont la première participation à ce moment parisien ravit sa responsable, Michaëla Hadji-Minaglou : « Nous sommes très heureux de la faire pour la première fois à Paris. C’est une foire à taille humaine, donc ça sera intéressant de revoir nos collectionneurs et d’en rencontrer des nouveaux. »

Point de mire sur l’art textile

D’ores et déjà légitimé comme pratique artistique à part entière, l’art textile est particulièrement mis à l’honneur par l’édition de cette année. En témoignent notamment les sculptures textiles du Malien Abdoulaye Konaté qui, exposées sur les cimaises de la Galerie 38 et de Primo Marella Gallery, impressionnent tant par les jeux chromatiques travaillés par l’artiste – chaque colorant provenant d’une région différente du Mali – , que par leur imposante dimension qui invite à un véritable face-à-face avec le médium. Un puisement dans la richesse patrimoniale du Mali qui rejoint les tentures assemblées de l’artiste malien Ange Dakouo dont le travail est exposé par LouiSimone Guirandou Gallery.

C’est aussi à la Primo Marella Gallery que les amateurs des techniques du tissage pourront découvrir le travail du Zimbabwéen Troy Makaza. Troquant la fibre par des ficelles de silicone infusées d’encre et de peinture, Makaza façonne des réseaux complexes de matière entrelacée qui, formant d’étranges formes abstraites, symbolisent la vicissitude et la fluidité des relations entre les deux sexes dans le Zimbabwe contemporain. Une exploration relationnelle qui n’est pas sans rappeler l’œuvre tissée de la Française d’origine ivoirienne et guadeloupéenne Marie-Claire Messouma Manlanbien représentée par la galerie Cécile Fakhoury. Fervente exploratrice de la matière – tantôt textile, organique ou industrielle -, l’artiste crée des compositions délicates et polysémiques, œuvrant comme une poésie du visuel qui marient la tradition africaine et antillaise, au syncrétisme et à l’hybridité culturelle qui forge également sa propre identité. 

Éminemment plurielle et transculturelle, la foire 1-54 est un moment culturel à ne pas manquer, autant pour les fervents d’art contemporain africain que pour les néophytes qui cherchent à s’y initier. Apportant son vent de fraîcheur sur l’avenue Matignon, elle offre une voix essentielle à la production artistique contemporaine non occidentale en France.  

Artskop3437 partenaire officiel de 1-54 Paris chez Christie’s

1-54 Paris chez Christie’s

Du 7 au 10 avril

9 Av. Matignon

75008, Paris

France

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L’Atelier le Grand Village et la maison d’édition indépendante Mare et Martin travaillent depuis plusieurs mois à la rédaction d’un livre d’art sur l’oeuvre de l’artiste plasticienne Diane Victor.

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) est une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en estampe et en dessin. Diane Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine et mondiale à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous.

Ses dessins et estampes de grand format démontrent une maîtrise de la fabrication des marqueurs, qu’elle utilise pour rendre ses sujets émouvants dans les détails. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique pas seulement de l’Afrique du Sud contemporaine mais aussi de nos sociétés contemporaines, compte tenu des problèmes de corruption, de violence surtout envers les femmes et de répartition inégale du pouvoir. Les œuvres de Diane Victor font partie d’un certain nombre de collections importantes, dont la Bibliothèque Nationale de France (BNF), le musée d’art de Pretoria, le Victoria & Albert Museum, IZIKO South African National Gallery, le musée d’art moderne (MoMA) à New-York et tant d’autres collections privées prestigieuses.

Peu connue et présentée assez rarement sur le sol français, l’oeuvre de Diane Victor avait été montrée à Paris en Septembre 2020 du fait d’un partenariat entre l’Atelier le Grand Village et Artskop3437. Pourtant l’oeuvre de Diane Victor gagnerait à être plus connue. Qu’à cela ne tienne car le livre entend remédier à cela. Intitulé tout simplement ‘Diane Victor’, cette première monographie en langue française et anglaise de plus de 200 pages comprendra des essais d’historiens de l’art et commissaires d’expositions permettant de saisir toute la complexité et la beauté de l’oeuvre de Diane Victor.

Pour aider à la sortie du livre, une campagne de financement participatif est organisée par Atelier le Grand Village et la maison d’édition Mare & Martin. Intitulée The Lady and the Rhino, une estampe de Diane Victor spécialement crée à cette occasion, en édition limitée de 40 exemplaires signés et numérotés, est proposée au prix de 550€ (livraison incluse pour l’Europe continentale).

The Lady and the Rhino s’inspire d’une série de tapisseries du début du XVIe siècle, chef d’oeuvre de la renaissance française de la collection permanente du Musée de Cluny – Musée National du Moyen Âge à Paris: ‘La Dame à la Licorne’. A l’exception près que dans l’oeuvre de Diane Victor, un rhinocéros est remplacé par la licorne. En utilisant la faune et la flore sud- africaine, Diane Victor attire notre attention sur la vulnérabilité et la possible extinction de certaines espèces.

Vous pouvez commander dès à présent votre estampe afin de contribuer à la publication de la prochaine monographie de l’artiste et dont la sortie est prévue pour la fin 2022. Ne tardez pas!

Contact

Francis van der Riet

Atelier le Grand Village

studio@fvanderriet.com

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Considérée comme l’une des artistes les plus influentes de la scène artistique contemporaine, Marlene Dumas est née en 1953 au Cap, Afrique du Sud. Elle grandit et étudie les beaux-arts sous le régime brutal de l’apartheid. En 1976, elle arrive en Europe pour poursuivre ses études et s’installe à Amsterdam, où elle vit et travaille depuis lors. Bien qu’au début de sa carrière elle ait été connue pour ses collages et ses textes, Marlene Dumas peint aujourd’hui principalement à l’huile sur toile et à l’encre sur papier. La plus grande partie de son œuvre est constituée de portraits représentant aussi bien la souffrance, l’extase, la peur, que le désespoir, mais qui sont également souvent un commentaire sur l’acte même de peindre. Le moment crucial de son travail réside dans son utilisation des images d’où elle puise son inspiration, provenant aussi bien de journaux que de revues, de photogrammes cinématographiques, ou encore de polaroïds qu’elle prend elle-même.

Dumas dit en parlant de son travail : « Je suis une artiste qui utilise des images de seconde main et des expériences de premier ordre ». L’amour et la mort, les questions de genre, les thématiques raciales, l’innocence et la faute, la violence et la tendresse sont les grands questionnements, où la sphère intime s’allie à des questions sociopolitiques, à des faits divers ou à de grands sujets de l’histoire de l’art. Toute sa production se fonde sur la conscience que le flux sans fin d’images qui nous investit chaque jour, interfère avec la perception que nous avons de nous-mêmes et notre manière de lire le monde. Pour l’artiste, peindre est un acte très physique, qui touche à l’érotisme et à ses différentes histoires. Le travail de Marlene Dumas se concentre sur la représentation des figures humaines prises dans leurs émotions et paradoxes les plus intenses : « La peinture, c’est la trace du toucher humain. Il s’agit de la peau d’une surface. Un tableau n’est pas une carte postale. »

L’exposition personnelle de Marlene Dumas (1953, Le Cap, Afrique du Sud) s’inscrit dans le cycle des monographies de grands artistes contemporains, inauguré en 2012 par le Palazzo Grassi et proposé en alternance avec les expositions thématiques à partir de la Collection Pinault.

Le commissariat de cette exceptionnelle exposition est assuré par Caroline Bourgeois en collaboration avec Marlene Dumas. Intitulée «open-end» l’exposition Rassemble plus de 100 œuvres et propose un parcours consacré à l’ensemble de la production picturale de l’artiste, avec une sélection de tableaux et de dessins datant de 1984 à aujourd’hui, dont certaines œuvres inédites réalisées au cours des dernières années. Déployée sur les deux étages du Palazzo Grassi, « open-end » inclut des œuvres appartenant à la Collection Pinault, ainsi que des prêts exceptionnels provenant de musées internationaux et de collections privées.

L’exposition sera accompagnée d’un catalogue co-édité par Palazzo Grassi – Punta della Dogana avec Marsilio Editori, Venise.

Marlene Dumas «open-end»

27/03/2022 < 08/01/2023

Palazzo Grassi  | Venise (Italie)

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Pour cette 24ème édition qui se déroulera de nouveau au Grand Palais Éphémère sur le Champ de Mars, Art Paris Art Fair se donne l’ambition d’être le modèle pionnier des foires de demain – et se revendique fièrement  « régionale » , « cosmopolite » et « éco-conçue » . Les thèmes que ses deux commissaires invités Alferd Pacquement et Aude Audoin choisissent d’explorer – « Un regard sur la scène française : histoires naturelles » et « Art & Environnement » – sont en lien direct avec le choix de responsabilité environnementale que s’impose l’événement artistique parisien.

Art Paris en 2022, c’est 130 exposants de 23 pays, plus de 900 artistes représentés, 37 % de participation étrangère, 30 % de nouvelles présences – et c’était déjà 72 746 visiteurs en 2021.

L’Afrique s’amarre à Art Paris avec la présence renouvelée dans les allées de galeries parisiennes spécialisées comme Magnin-A, 31 Project, Carole Kvasnevski, Anne de Villepoix… Le nombre de galeries continentales, lui, croît cette édition avec l’arrivée de la 1957 Gallery (Ghana) et le retour de la Loft Art Gallery (Maroc) après plusieurs années d’absence sur la foire.

« Art Paris a été l’une des premières foires auxquelles nous avons participé. C’est un événement qui a été précieux, notamment en temps de pandémie. Pour cette édition 2022, nous serons pour la première fois dans le secteur général – après plusieurs participations en « Promesses » , l’espace dédié aux jeunes galeries et à la création émergente. » témoigne Clémence Houdart, co-fondatrice de 31 Project (France).

On retrouvera à Art Paris plusieurs visages connus et reconnus de la scène africaine contemporaine comme le burkinabé Nyaba Ouédraogo, le camerounais Barthélémy Toguo, le nigérian Kelani Abass et les artistes sud-africaines Marion Boehm et Zanele Muholi qui bénéficieront toutes deux d’expositions personnelles sur les stands de leurs galeries respectives.

Le béninois Romuald Hazoumé, lui, a été choisi par la commissaire Aude Audouin pour sa sélection Art & Environnement : « Pour Hazoumé, l’environnement n’est qu’une partie d’un tout et un déchet n’est qu’un élément infime d’un dispositif de création bien plus grand, dans une approche globale, où les enjeux géopolitiques, sociaux et environnementaux sont compris ensemble et ne peuvent être dissociés. Le pétrole évoqué par les jerrycans qu’il utilise est abordé comme combustible d’un système mondialisé à la fois inéquitable et pollueur. S’il figure dans cette sélection « Art et environnement » d’Art Paris, c’est justement pour intégrer l’environnement à niveau plus politique, historique et social. »

À Artskop3437, notre œil sera particulièrement curieux des œuvres et installations textiles qui seront dévoilées par Kimathi Mafafo (1984-), représentée pour la foire par la Kristin Hjellegjerde Gallery (UK & Allemagne). Rarement exposée publiquement hors du Continent, cette artiste multidisciplinaire basée au Cap fascine d’esprit et de méticulosité dans l’élaboration de ses larges compositions luxuriantes, parfois habitées de figures féminines délicatement drapées.

Artskop3437 est partenaire officiel d’Art Paris 2022.

Art Paris 2022

Du 7 au 10 avril

Grand Palais Éphémère 

Plateau Joffre 

75007 – Paris

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Après l’annulation de l’édition physique de 2021 due à la pandémie de Covid19 et aux nombreux confinements qui ont suivi, la plus grande foire d’art contemporain du continent Africain, Investec Cape Town Art Fair (foire d’art contemporain du Cap), revient dans son lieu habituel, le Centre International de Convention du Cap, du vendredi 18 au dimanche 20 février 2022.

Pour l’édition 2022, les amateurs d’art, locaux et internationaux auront la possibilité de découvrir l’art via une plateforme numérique ou en personne; la foire internationale d’art contemporain offrant un mélange des deux formats. La neuvième édition réunira l’enthousiasme du programme de longue date et une nouveauté spéciale.

INVESTEC qui donne son nom à la foire en est le sponsor principal depuis 2018. « Nous croyons que l’art peut faire tomber les barrières et rapprocher les gens. Nous sommes donc ravis d’accueillir à nouveau une Foire en format physique, combinée à l’édition numérique, qui pourrait faire découvrir le monde de l’art à un public potentiellement plus large et plus diversifié « , a déclaré Peta Dixon, responsable du sponsoring chez Investec. Elle ajoute : « Le tourisme au Cap a été durement touché par les restrictions de voyage imposées par le Covid19, mais nous avons bon espoir que la 9e édition de l’Investec Cape Town Art Fair sera une carte de visite pour la ville synonyme d’art et de créativité. »

Un format hybride: formule gagnante pour la foire du Cap ?

Alors que les artistes et l’industrie s’interrogent sur l’avenir du monde de l’art, il est important pour l’Investec Cape Town Art Fair de rester à l’écoute des tendances du public et du marché. La nouvelle offre hybride tient compte de la tendance actuelle de consommer l’art depuis chez soi, tout en veillant à ce que l’expérience en personne vaille la peine de dépoussiérer ses robes de soirée. La foire du Cap attire le meilleur des artistes de différentes parties du monde, de Nairobi à Paris, de Dakar à Berlin, de Lusaka à Leipzig, Milan et au-delà, créant ainsi un ensemble diversifié et délectable d’options pour les spectateurs et les acheteurs.

« Nous sommes impatients d’accueillir d’anciens et de nouveaux amis et partenaires à l’Investec Cape Town Art Fair en 2022 et de leur offrir une plateforme pour se connecter, se reconnecter et interagir les uns avec les autres. Le retour de l’événement physique offre un certain répit et une restauration pour la communauté artistique mondiale. Nous sommes convaincus qu’il s’agira d’une expérience profondément enrichissante sur le plan émotionnel, spirituel et physique », déclare Laura Vincenti, directrice de la foire du Cap.

« ALT » et l’Oeil numérique: deux nouvelles sections à découvrir au programme de la foire du Cap cette année

En plus d’une présentation plus large des artistes, l’édition 2022 comporte de nouveaux ajouts passionnants que sont la section ALT et l’oeil numérique. La nouvelle section « ALT » aborde un thème similaire sous un angle différent, en invitant les galeries alternatives à décrire la manière dont la pandémie a affecté la façon dont les artistes s’engagent dans le monde réel et, plus pressant, dans le monde virtuel de l’art. Notre coup de coeur est THEFOURTH; un espace de galerie qui fait le lien entre l’art et le design, à la fois contemporain et du milieu du siècle dernier, local et international. Résolument alternative, THEFOURTH proposera des photographies puissantes et silencieuses des artistes femmes Gemma Shepherd et Rochelle Nembhard qui abordent de multiples idéologies socioculturelles, sexuées, politiques et spirituelles.

En plus de la nouvelle section ALT, le programme signature habituel mais sûrement très attendu inclut: la section Tomorrows/Today ( Demain/ Aujourd’hui) avec deux commissaires invités: Nkule Mabaso et Luigi Fassi. À découvrir parmi les futures stars montantes de l’art contemporain du continent les peintures de Feni Chulumanco (Ebony Curated), celles de Mavis Tauzeni (Galerie First Floor Harare), les oeuvres textiles de Michaela Younge (SMAC) ou encore les fibres complexes de DuduBloom More (Berman Contemporary).

La section art moderne de la foire, « Past Modern », curatée par João Ferreira présentera des grands maîtres modernistes tels que Christo Coetzee, Edoardo Villa, Hannes Harrs, Irma Stern, Judith Mason, Paul du Toit, Gregor Jenkin, Cecile Skotness, Lucas Sithole, Marion Arnold, Robert Hodgins, Tinus de Jongh et Willem Boshoff.

On retrouvera aussi quelques plateformes culturelles, des Magazines et livres. Cette année la section Editions de la foire comprend les principaux studios d’impression et galeries spécialisés dans les prints et les multiples. Le coup de coeur de la rédaction est l‘Institut ASELE fondé en 1958 par Uche Okeke (Nigerian, 1933–2016), artiste et universitaire de renommée mondiale et dont certaines oeuvres figurent dans les collections du MoMA par exemple. L’Institut, centre de recherche et de documentation abritant les archives artistiques et intellectuelles d’Uche Okeke, présentera durant la foire du cap une fine sélection d’éditions, en tirages très limités, accompagnées d’exemplaires du livre d’Uche Okeke – Art in Development – A Nigerian Perspective, publié à l’origine en 1982 aux États-Unis et réédité en 2019. À ne surtout pas manquer, les sérigraphies abstraites de l’artiste Yonela Makoba présentées par South Atlantic Press.

Quant à la section SOLO, elle cherche à explorer les pratiques artistiques d’artistes travaillant localement et à l’étranger, par le biais de présentations individuelles. Dans sa quatrième itération, SOLO explorera la façon dont les artistes ont réagi aux périodes d’isolement, et offrira un dialogue sur l’effet de l’échange et de la collaboration dans la production de l’artiste. Le programme de cette année présente des œuvres d’artistes tels que Luyanda Zindela (Afrique du Sud) de la SMAC Gallery en Afrique du Sud, Thebe Phetogo (Botswana) de Guns and Rain en Afrique du Sud, Brett Charles Seiler (Zimbabwe) d’Everard Read en Afrique du Sud, Osvaldo Ferreira (Angola) de THIS IS NOT A WHITE CUBE en Angola.

La section principale de la foire regroupe les galeries star d’Afrique du Sud et du continent telles que Stevenson (Dada Khanyisa), SMAC (Usha Seejarim, Mongezi Ncaphayi), Blanc Project (Lerato Shadi, Kyle Morland), Goodman Gallery (Nolan Oswald Dennis, Kapwani Kiwanga), Afriart Gallery (Charlene Komuntale), First Floor Gallery (Wycliffe Mundopa), Southern Guild (Rich Ainsi, Zizipho Poswa), Everard Read (Lady Skollie et Speelman Malhangu) et bien d’autres.

L’édition numérique pourra être consultée en ligne via Artshell, ce qui permettra aux galeries et aux exposants indépendants d’accéder directement à l’édition numérique via un compte Artshell, et ce de manière immédiate. Cette édition sera en phase avec le bureau de la foire qui défend le thème « Connecter grâce à l’art d’Afrique et du monde ».

La foire du Cap continue de s’étendre au-delà du domaine physique (et dans les formats numériques et en ligne). Les exposants de l’édition 2022 remettront en question les notions d’identité et ce que signifie être libre à travers la peinture, la sculpture, le dessin, les techniques mixtes et la photographie.

« Alors que la technologie continue d’évoluer, nous comprenons le rôle qu’elle jouera de plus en plus sur le marché de l’art dans son ensemble et nous sommes prêts à préparer notre base de collectionneurs et nos mécènes aux implications de ces avancées, qui servent leurs intérêts à long terme « , déclare Laura Vincenti.

Le rendez-vous est donc donné pour la neuvième édition du vendredi 18 au dimanche 20 février 2022 au centre de convention international et sur la plateforme en ligne Artshell. Vous pouvez encore acheter des billets d’entrée via le lien Webticket sur www.investeccapetownartfair.co.za

Pour plus d’informations, les mises à jour, les protocoles Covid-191 et les modalités d’inscription, connectez-vous au site web et suivez Investec Cape Town Art Fair sur Twitter @ICTAF, Instagram @investeccapetownartfair et Facebook @ICTArtFair. Utilisez le hashtag #ICTAF.

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C’est une « peinture » en mouvement qui se déplace sur différents médiums : photographies mises en scène,  palettes de chantier devenant sculptures, poésie dessinée évoquant cette migration continue de l’existence que Louisa Marajo veut partager. Dans cette exposition, l’artiste continue d’évoquer cette problématique des sargasses, ces algues « dorées » qui polluent les plages de la Caraïbe. « Je fais du danger et de la beauté de cette algue un paradoxe déclenchant une expérience artistique», précise Louisa Marajo.

L’installation de l’artiste se présente sous la forme d’une explosion de l’espace avec de nombreux visuels sur les murs et au sol qui se font écho. « Je cherche la possibilité d’une déstabilisation visuelle. Je veux que le public ressorte en ayant créé son propre paysage narratif. Après la tempête, il y a toujours un nouveau souffle », rassure Louisa Marajo avec son immersion dans un chaos total.

Tempête sacrée

Du 10 au 30 novembre 2021

Conservatoire des arts de Montigny-le-Bretonneux

1 Parvis des sources

78180, Montigny le Bretonneux 

Horaires et jours de visite :

Lundi au vendredi 10h à 22h

Samedi de 9h à 19h

Info/contact: marajolouisa@gmail.com

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Guillaume Piens, commissaire général de la foire, le confirme : « L’édition 2021 d’Art Paris confirme l’ancrage de la scène africaine contemporaine au sein de la foire avec plus d’une vingtaine d’artistes exposés de 15 pays : Afrique du sud, Algérie, Angola, Bénin, Burkina Faso, Cameroun, Congo, Côte d’Ivoire, Ghana, Mali, Maroc, Nigeria, Sénégal, Togo, Zimbabwe. » Des plus jeunes comme Joël Degbo à la Septieme Gallery, Wallen Mapondera à la galerie Mitterrand, Roméo Mivekannin chez Éric Dupont, aux plus « historiques » tels Salifou Lindou chez Afikaris, Marcus Jansen chez Almine Rech, Romuald Hazoumè à la galerie Magnin-A, Abdelkader Benchamma chez Templon, ou Neil Beloufa chez Kamel Mennour….

Quelques œuvres inédites

Anne de Villepoix dévoile les nouveaux dessins et les toiles inédites de Gastineau Massamba, connu jusqu’à présent surtout pour ses travaux autour de la couture. Très impatiente de présenter ces œuvres pour la première fois au public, la galeriste considère que ce volet correspond à une étape de maturation de son travail. Ces toiles assez sombres seront en rupture avec celles très colorées de Marcella Barceló toujours chez Anne de Villepoix. Pour rester dans la sphère féminine, Guillaume Piens attire notre attention sur ses découvertes : « L’Angolaise Ana Silva à la Galerie Magnin-A dont les broderies sur toile interrogent les notions d’héritage et de transfert de connaissances entre différentes générations de femmes ou Georgina Maxim qui a représenté son pays natal, le Zimbabwe, à la Biennale de Venise en 2019 et à qui la galerie 31 project consacre un solo show sans le secteur Promesses. »

Art Paris est le bon endroit !

Au-delà de l’accumulation de ces noms en une liste d’incontournables, le public réagit, fidèle au rendez-vous comme le relate Véronique Rieffel installée à Abidjan. « Pour ma première participation à la foire l’année dernière, j’ai vendu la totalité des œuvres présentes sur le stand, à des publics qui parfois découvraient l’art contemporain africain et ont eu un véritable coup de cœur, à d’autres qui n’avaient pas vu d’emblée qu’il s’agissait d’artistes africains mais ont été séduit avant tout par l’originalité et la qualité du travail. Surtout, j’ai adoré vendre à des collectionneurs africains de passage, notamment le fondateur d’une fondation malgache très importante, et à de très jeunes collectionneurs, une cible que je chéris particulièrement ! J’ai également eu la visite des institutionnels (palais de tokyo, Fondation Zinsou, Quai Branly, Jeu de Paume, Centre Pompidou, musée de l’immigration, etc…). L’intérêt et la curiosité ont été répartis équitablement entre les trois artistes présentés : les natures mortes vivantes de Gopal Dagnogo présentées pour la première fois à Art Paris, les lignes de vie inédites de Najia Mehadji qui revient avec ce tout nouveau travail, et Clay Apenouvon qui présente lui aussi une toute nouvelle série, cette fois plus figurative que son travail habituel… »

La galerie Chauvy fait un grand écart entre le Sénégal et le Nigéria, en réunissant autour de Soly Cissé (qui évoque l’urgence écologique) Wole Lagunju (diaspora nigérienne aux États-Unis), et pour la première fois à Paris, Tonia Nneji (Nigéria). « Ils accomplissent chacun la transmission de leur histoire culturelle à travers leurs créations contemporaines », relève la galeriste. À côté de Dhewadi Hadjab, la H Gallery poursuit la présentation de Bilal Hamdad, à qui elle a « donné sa première exposition personnelle au sortir de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, en décembre 2019. Le mouvement des Gilets Jaunes commençait et, la galerie étant située à République, j’ai eu peur que personne ne voit son magnifique travail mais le succès a été immédiat. Les événements se sont ensuite enchaînés pour le meilleur : Bilal a été lauréat du Prix de la Fondation Colas puis du Prix de la Société Générale en décembre 2020. Je l’avais déjà présenté à Art Paris en septembre 2020, et il est sélectionné cette année pour le focus sur le portrait et la figuration dont le commissaire est Hervé Mikaeloff. »

En conclusion, attirons l’attention sur les photographies de Alia Ali à la 193 Gallery avec sa série « Indigo ». Une couleur tirée de la plante tropicale à connotation culturelle pour certains, mais aussi spirituelle pour d’autres, appelée parfois « le troisième œil » ou « le troisième chakra » comme le note l’artiste. Une série graphique hypnothique et envoûtante, tout comme cette édition d’Art Paris !

Art Paris 2021

Du 9 au 12 septembre

Grand Palais Éphémère 

Plateau Joffre 

75007 Paris

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