Bien que conventionnelles dans leur présentation, les pratiques artistiques telles que le textile – n’ayant été accueillies que récemment dans les salles sacrées de l’art contemporain – y occupent pourtant une place considérable. Dès, l’entrée les visiteurs aperçoivent de loin les œuvres de l’artiste sud-africaine Billie Zangewa, née au Malawi, qui a réalisé des pièces et des coutures en soie brute. Le fait de quitter la zone billetterie pour se diriger vers l’œuvre de Zangewa crée un jeu d’optique qui fait de son choix de matériaux une surprise pas tout à fait visible de loin. Zangewa décrit l’oeuvre The Rebirth of the Black Venus (2010), dont l’artiste apparait au premier plan surplombant le centre-ville de Johannesburg, comme une œuvre biographique. Le titre suggère également la figure historique de Saartjie Baartman, dont le corps, au début des années 1800, est devenu tristement célèbre et a fait l’objet d’une exploitation coloniale, avant de retourner en Afrique du Sud pour y être enterré en 2002. Cette tension entre le personnel et le politique inquiète peut-être plus qu’ailleurs l’art du continent africain.

La capacité à reconnaître les contextes politiques semble une interprétation presque obligatoire pour le visiteur assidu, la silhouette de Zangewa porte une bannière annonçant d’ailleurs un mantra utile : « Abandonnez-vous sans réserve à votre complexité ». La phrase pourrait être reprise tout au long de l’exposition. Alors que Zangewa utilise des textiles pour créer des œuvres qui peuvent ressembler à des peintures de loin, les peintures à motifs de l’artiste malien Amadou Sanogo rappellent des motifs textiles sans utilisation de tissu. Les peintures de Sanogo s’inspirent plutôt de ses connaissances et de son expérience personnelle, dans le processus de teinture des textiles de Bogolan, qui exige beaucoup de travail. Cette technique utilise de la boue fermentée sur du coton pour modeler des textiles tissés, souvent avec une palette très contrastée – une esthétique que l’on retrouve dans plusieurs des magnifiques peintures de Sanogo.

Dans la mezzanine supérieure, deux artistes sud-africains utilisent la couture comme moyens esthétiques très différents. Le travail de Senzeni Marasela avec le textile et la performance s’inspire de la génération de sa mère, de la vie sous l’apartheid, des femmes qui attendent sans cesse leurs hommes à cause du travail, de la guerre ou de l’incarcération. Dans la série en cours Waiting for Gebane, de délicates aquarelles rouges et des dessins au fil cousu évoquent l’effacement et le mépris de l’identité des femmes. L’artiste utilise la description péjorative « Kaffir sheet » (feuille de Kaffir) pour décrire le matériau dans lequel elle coud – une réappropriation du nom désignant les textiles de coton de qualité grossière vendus pendant l’ère coloniale dans les commerces ruraux du KwaZulu Natal et du Cap-Oriental.

Tout près, on trouve une installation faite à partir de pneus en caoutchouc recyclés (marque de fabrique de Nicholas Hlobo) et de vibrants organza cousus avec des rubans de suture créant une sculpture à la fois phallique et anthropomorphique – une référence, du moins en partie, à l’identité de l’artiste en tant que Sud-Africain noir ouvertement gay. Le podcast en ligne du musée explique l’utilisation par Hlobo de sa langue maternelle, le Xhosa, – pour les titres (qui demeurent non traduits) de la sculpture Ndimnandi ndindodwa (2008) et de l’œuvre murale cousue Nalo ikhwezi alinyulu (2015), – comme une « référence à la fois à ses propres racines et à la façon dont l’art doit souvent être traduit lorsqu’il est vu en dehors de son contexte original ».

Si The Rebirth of the Black Venus de Zangewa domine l’horizon urbain de Johannesburg, Atlantic de Wura-Natasha Ogunji (2017) offre une autre image de l’émancipation femmes. Ogunji travaille avec plusieurs supports, y compris la performance, mais utilise ici un papier calque délicat. Un simple visage dessiné porte une épaisse chevelure dressée au-dessus de sa tête. Un texte écrit à la main sort de l’oreille du sujet : « Nous sommes issus de la perte. Nos défunts bordent la mer. Nous devons les retrouver – devenir des mammifères amphibies comme les ours polaires et les ornithorynques. Notre terre n’est pas l’Afrique, mais le sable formé par l’ossature de nos ancêtres ». Les lignes bleues obsédantes dans The proof, an undersea volcano, attraction, extraction, distraction (2017) suggèrent de faibles veines dessinant des figures horizontales – un rappel des pertes catastrophiques de vies humaines créées par le commerce transatlantique d’esclaves africains.

Un catalogue d’exposition complet, imprimé avec dix-sept couvertures différentes, mérite d’être salué pour avoir largement évité le piège consistant à faire parler les voix européennes au nom des expériences du continent. Babacar Mbaye Diop, du Sénégal, donne un aperçu utile des événements artistiques contemporains subsahariens, tandis que « Notes Towards a Lexicon of Art and Place », rédigé par Sean O’Toole, basé au Cap, remet en question de manière perspicace le principe curatorial de l’exposition, qui est quelque peu lourd.

Les deux parties du titre de l’exposition méritent leur propre critique. Alpha Crucis est considérée comme l’étoile la plus brillante de l’hémisphère sud. Invisible depuis l’hémisphère nord, elle fait partie de la constellation de la Croix du Sud et – depuis Oslo ou n’importe où en Europe – nécessite une réorientation physique pour pouvoir en être témoin en personne.

L’art africain contemporain ou art contemporain d’Afrique dans son immensité est une nomenclature encore plus délicate. À peine invisibles pour l’hémisphère nord, les artistes sélectionnés représentent pour la plupart des identités bien établies dans un marché de l’art mondial à peine invisible pour l’hémisphère nord. À cet égard, Alpha Crucis (dont le commissariat se trouve dans un monde pré-Covid, bien sûr) semble un peu déconnecté.

Alpha Crucis – Art Contemporain Africain

Astrup Fearnley Museet

Oslo, Norvège

31 janvier – 6 septembre 2020

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L’utilisation de la matérialité pour façonner l’expérience esthétique

L’exposition de groupe explore différentes questions et idées telles que le climat et les questions environnementales, la pollution, les déchets, la xénophobie, la pauvreté, la beauté, le genre et la politique – en utilisant certains matériaux pour donner un aperçu de leur réalité. L’exposition, qui a été inaugurée à la galerie nationale sud-africaine Iziko le vendredi 14 février 2020, explique comment les artistes ont utilisé les matériaux, directement ou indirectement, pour soulever des questions sur des préoccupations sociétales. La sélection d’artistes peut explorer un large éventail de questions, mais le fil conducteur qui les relie tous est celui de l’utilisation de la matérialité pour guider l’expérience esthétique. Parmi les artistes présentés dans l’exposition figurent Athi Patra-Ruga, Patrick Bongoy, Jodi Paulsen, Billie Zangewa, Bert Pauw, Bronwyn Katz, Cyrus Kabiru et Gabrielle Kruger – pour n’en citer que quelques-uns. Ces artistes explorent ce qui est important pour eux avec autonomie et autorité, mais sans perdre les traditions matérielles qui ont constitué une part si importante de l’héritage artistique ou historique de leur nation.

Les matériaux utilisés ont souvent une histoire inhérente, qui peut offrir un point de départ puissant et permettre un processus plus significatif. Ces artistes, pour la plupart émergents ou établis, donnent un aperçu de la dynamique de la scène artistique sud-africaine ainsi que de la production visuelle du reste du continent africain. Ce groupe d’artistes contemporains de tout le continent explore « la matière » de manière nouvelle et passionnante. Les œuvres couvrent un très large éventail de matériaux, montrant que la « matérialité » est un sujet riche ; les matériaux vont des peaux de vache aux sacs en plastique, des bretelles de soutien-gorge aux collants, des faux ongles aux pièces d’ordinateur. Matereality, dont le commissaire est Andrea Lewis, conservateur des estampes et des dessins d’Iziko, est exposée à la galerie nationale sud-africaine d’Iziko à partir du 14 février 2020.

Les matériaux utilisés ont souvent une histoire inhérente, qui peut offrir un point de départ puissant et permettre un processus plus significatif. Ces artistes, pour la plupart émergents ou établis, donnent un aperçu de la dynamique de la scène artistique sud-africaine ainsi que de la production visuelle du reste du continent africain. Ce groupe d’artistes contemporains de tout le continent explore « la matière » de manière nouvelle et passionnante. Les œuvres couvrent un très large éventail de matériaux, montrant que la « matérialité » est un sujet riche ; les matériaux vont des peaux de vache aux sacs en plastique, des bretelles de soutien-gorge aux collants, des faux ongles aux pièces d’ordinateur. Matereality, dont le commissaire est Andrea Lewis, conservateur des estampes et des dessins d’Iziko, est exposée à la galerie nationale sud-africaine d’Iziko à partir du 14 février 2020.

À propos des musées Iziko d’Afrique du Sud (Iziko)

Iziko gère 11 musées nationaux, le Planetarium et le Dôme numérique, le Centre d’histoire sociale et trois bibliothèques spécialisées dans les collections au Cap. Les musées qui composent Iziko ont leur propre histoire et leur propre caractère. Ils présentent de vastes collections d’art, d’histoire sociale et naturelle qui reflètent la diversité du patrimoine africain. Iziko est une entité publique et une organisation d’intérêt public qui rassemble ces musées sous une seule structure de gouvernance et de direction. Ils sont malheureusement actuellement fermé pour cause de covid-19.

Matereality

Iziko South African National Gallery

Du 14 Février au –

25 Queen Victoria St, Gardens, Cape Town, 8001

Afrique du Sud

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Billie zangewa fait partie de cette génération d’artistes féministes, qui utilisent leur corps afin de mieux raconter ce qu’est la vie d’une femme au 21e siècle. Au travers des histoires plus personnelles et politiques via des scènes domestiques qu’elle nomme «Fémninisme du quotidien» mais aussi fortement universelles, Billie Zangewa scande son corps dans ses oeuvres, le met à nu, au regard de tous. L’observateur se veut voyeur. Témoin d’une certaine intimité. Autant morale que physique. « En mettant l’accent sur les choses que les femmes font à la maison qui sont vues, appréciées, reconnues, je dis tout haut c’est ma force, c’est de cette manière que je fais bouger le monde » explique l’artiste.

Comme le soulignait l’historienne de l’art Christine Eyene dans « Billie Zangewa, Quintessence de la beauté africaine »,¹« Au-delà du récit personnel, émane de cette protagoniste à la fine allure et aux cheveux rasés, une quintessentielle beauté africaine à laquelle la femme noire pourrait aisément s’identifier. (…) Il ne s’agit pas non plus de la femme bien en chair prisée par l’Africain, comme l’évoque Fatou Kandé Senghor. Mais plutôt de l’artiste comme muse, usant de son propre corps pour symboliser les multiples facettes de la femme. Zangewa la dépeint d’abord comme objet, sujette au désir masculin, trophée de celui dont elle serait la conquête. Jusqu’au jour où celle-ci prend conscience du pouvoir que son corps exerce sur le sexe opposé. Ainsi, ses scènes brodées, cousues, apiécées, jouent sur les subtilités du corps féminin, de l’innocence à la volupté, jusqu’à la reconquête de soi comme l’illustre sa magnifique Renaissance de la Vénus Noire (2010)».

Fidèle à son oeuvre, Billie Zangewa met en scène une fois de plus non seulement son corps d’une « quintessentielle beauté africaine » comme une armure de guerrière, mais aussi sa vie de famille qui n’est pas si différente de celles d’autres femmes du monde peu importe leur couleur de peau ou leur origine. À travers cette première exposition individuelle de l’artiste chez Templon intitulée Soldier of love. – Soldat de l’amour, Billie Zangewa s’en va en guerre…Elle s’en va mener un combat pour l’amour dans des temps incertains. « Je pense que l’acte ultime de la résistance est l’amour de soi » déclare Billie Zangewa lors d’une récente interview au Tate Modern.

Pour cette exposition à la galerie Templon – (Paris-Beaubourg) visible en ligne sur le site de la galerie jusqu’au 24 juillet 2020 -, ce sont pas moins de dix nouvelles oeuvres qui prennent possession de l’espace. Les chutes de soie et de textiles brillants et colorés s’entremêlent délicatement sur les compositions figuratives, pour dépeindre des portraits narratifs élogieux de l’amour sous toutes ses facettes. Des détails de sa vie personnelle ainsi que de sa famille comme prendre une tasse de thé dans la cuisine, ramener ou emmener son fils de /à l’école, lire un journal papier depuis son fauteuil ou encore prendre une douche semblent être des actes manifestes dans un combat pour l’amour. Nous laissant à penser que ce dernier se trouve aussi dans les moments quotidiens de la vie.

«J’ai choisi d’appeler cette exposition Soldat de l’amour car j’ai le sentiment d’ être un soldat de l’amour. Et je pense que dans ces temps difficiles dans lesquels  nous vivons, on commet de nombreuses transgressions les uns envers les autres, beaucoup de souffrances que nous nous infligeons les uns envers les autres partout dans le monde. Je suis un soldat de l’amour car dans ce climat, beaucoup de personnes sont désabusées et ne croient pas en l’amour. C’est pour cette raison que j’utilise le terme de « soldat » parce que c’est un combat pour l’amour.» Déclare Billie Zangewa. 

Entre universalité de l’expérience du tissu et language métaphorique

La soie, pour l’artiste, revêt diverses connotations dont la relation entre le tissu et l’humain. «Le tissu fait parti de notre vie quotidienne » explique Zangewa, «nous portons des vêtements, nous dormons entre des draps, lorsqu’on se réveille le matin on ouvre nos rideaux. On étend le linge sur les fils et c’est une expérience très tactile. »

Et pourquoi la soie en particulier ? À cette question l’artiste réponds que d’un point de vue métaphorique la soie est par essence un produit issu d’une transformation. Du vers à soie au tissu fini, ce matériau passe par une transformation avant de devenir la matière finale. Billie Zangewa compare cette transformation à la sienne. Inconsciemment elle dit s’être sentie attirée naturellement vers elle. 

L’utilisation de morceaux de tissus, sectionnés permet une expérience plus connectée avec l’observateur qui s’interroge du fait qu’il s’agisse ou non d’une peinture. Les formes irrégulières de l’oeuvre trahissent bien assez tôt son caractère. Ces mêmes irrégularités dans le tissu font également référence aux blessures de l’enfance de l’artiste. « (…) C’est comme ci quelque chose était arrivé au tissu, c’est peut être le temps, ou peut-être quelque chose l’a grignoté. Donc cela parle d’une transgression. Comme si quelque chose de l’extérieur est venu et a interféré avec l’oeuvre » raconte elle. « Mon art est comme une thérapie personnelle. Je transforme mes traumatismes et douleurs en de belles oeuvres. La soie est l’élément qui est laissé par la transformation d’un animal. Donc je ressens l’utilisation de la soie comme si ce matériau m’avait choisi et m’attendait plutôt que l’inverse. »

Les irrégularités du tissu font également référence à la notion de perfection recherchée sans cesse par les humains, oubliant qu’une beauté existe dans l’imperfection. La beauté, selon l’artiste, apparait aussi dans les oeuvres qui racontent les moments quotidiens « Car j’ai l’impression que dans l’art, on essaye plutôt de représenter des moments spectaculaires et moi j’ai tendance à m’engager au niveau personnel et politique et d’approfondir ce qui semble être le quotidien mais qui en réalité représente tant psychologiquement et symboliquement de manière universelle. » 

Au final l’artiste mène aussi un combat pour mettre en avant la place des femmes noires dans le monde. Ces dernières ont besoin de soutien de la société et en créant des images autour de l’intimité de sa vie personnelle, l’artiste attire l’attention sur l’existence de femmes qui livrent des combats quotidiens en apparence banaux mais pourtant si forts de sens.

Née en 1973 au Malawi, Billie Zangewa vit et travaille entre Londres et Johannesburg. Exposée au Botswana et en Afrique du Sud depuis 1997, le travail de Billie Zangewa est présenté et reconnu sur la scène internationale depuis une quinzaine d’années. Son travail a bénéficié d’expositions personnelles notamment en 2018 à Art Basel Miami Beach, en 2017 à Frieze Londres et à Art Paris. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives en Afrique, en Europe et aux Etats-Unis dont notamment en 2019 à I am… Contemporary Women Artists of Africa au National Museum of African Art-Smithsonian Institute, Washington ; en 2018, Making Africa: A Continent Of Contemporary Design, Blanton Museum of Art, Austin; en 2017, Stedelijk BASE, Stedelijk Museum Amsterdam; en 2016 Women’s Work, Crafting Stories, Subverting Narratives, IZIKO South African National Gallery, Cape Town et A Constellation, Studio Museum Harlem, New York; en 2015, Body Talk: Feminism, Sexuality and the Body in the Work of Six African Women Artists, WIELS, Brussels. Les œuvres de Billie Zangewa sont présentes dans les collections du Centre Georges Pompidou, Paris et de la Tate Modern, Londres.

Depuis fin janvier 2020, son travail fait partie d’une exposition de groupe au Astrup Fearnley Museet à Oslo. Du 12 juin au 1er novembre 2020, le Musée d’Art moderne de Paris, organise l’exposition The Power of My Hands, qui rassemblera une sélection d’œuvres d’une douzaine d’artistes féminines de plusieurs pays africains et de la diaspora, dont des œuvres de Billie Zangewa.

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Aspire Art Auction renforce sa position sur des marchés choisis

La dernière vente aux enchères d’Aspire Art Auctions au Cap a démontré la prééminence de la société sur le marché sud-africain dans les segments stratégiques de l’art dans lesquels elle est spécialisée. L’art contemporain a occupé le devant de la scène, particulièrement l’accent a été mis sur les œuvres de William Kentridge, coïncidant avec ses deux expositions magistrales au sein de deux majeures institutions de la ville. Aspire est également la première maison de vente aux enchères d’Afrique du Sud à vendre des œuvres dans deux autres domaines spécialisés, à savoir les œuvres d’artistes sud-africains noirs du XXe siècle, et la photographie artistique. Une fois de plus, ces deux segments ont réalisé de bons résultats.

La vente aux enchères printanière a eu lieu le dimanche 1er septembre 2019 au Cap. En tant qu’entreprise, ils réaffirment une vision stratégique claire axée sur le développement de la valeur dans des segments de marché particuliers, dont l’art contemporain, l’art moderne noir sud-africain et la photographie d’art, tout en démontrant une expertise et un sens du business pour gérer les principales signatures du marché sud-africain des enchères d’art. William Kentridge, l’artiste contemporain international le plus en vue d’Afrique du Sud, a dominé la vente. Le timing parfait, coiincidait avec ses deux grandes expositions au Zeitz MOCAA et à la Fondation Norval au Cap.

Spécialistes de Kentridge

La capacité d’Aspire à vendre avec succès de l’art contemporain a été signalée par l’attention particulière accordée à l’œuvre de Kentridge. Un premier dessin de paysage de 1988 a ouvert cette section sur l’artiste, avec Sans titre (Paysage de Witwatersrand) qui a rapporté 161 684,09€.

L’un des portfolios les plus en vue et les plus exposés à l’échelle internationale du maître, Portage, s’est vendu au prix de 40 421€. D’autres oeuvres de Kentridge tels que Quatre chats, Graffiti d’été et Épine de singe noir ont toutes réalisées de bons scores, ce dernier dépassant largement sa plus haute estimation. La forte présence de la section Kentridge à la vente a été complétée par son œuvre tridimensionnelle Tête I, qui a atteint 10 105€.

Succès sur les marchés modernistes

Aspire s’est encore démarquée dans les secteurs plus traditionnels du marché moderniste avec un beau paysage de Maggie Laubser, Paysage marin avec bateaux et oiseaux, 1932. Vendu pour 47 157,86€

Leur approche cohérente pour développer le segment du marché des modernistes noirs, jusqu’alors négligé, est remarquable. Aspire a réussi à créer de la valeur et à développer la connaissance du marché dans ce qui est en train de devenir un domaine très respecté de l’art sud-africain. Ce segment a été mené par un dessin remarquable du célèbre Dumile Feni, Mère et enfant, qui s’est vendu pour 32 337€ actuellement le deuxième prix le plus élevé pour une œuvre sur papier de Feni. Aspire détient toujours le record des ventes aux enchères de l’œuvre de l’artiste.

Une aquarelle lyrique et une gouache de Gérard Sekoto, Portrait d’une femme, vendue pour 17 516€, bien au-dessus de son estimation la plus élevée. Parmi les autres ventes importantes, mentionnons une œuvre de Mmakgabo Mmapula Helen Sebidi, Milking the Cows (4042,10€) et un magnifique panneau de bois incisé intitulé Buffalo (5052,63€) par Lucky Sibiya.

Chefs de file en art contemporain et en photographie

Cette vente a une fois de plus démontré leur leadership établi sur le marché dans les segments de l’art contemporain et de la photographie avec de nombreux nouveaux records établis et des débuts. En tête de la collection contemporaine se trouvaient une pièce de Deborah Bell, Tapisserie Je t’entends de tout mon cœur, qui s’est vendue pour 17 515,78€, et une exquise œuvre brodée de Billie Zangewa, Les Cotswolds, qui a rapporté 13 473,67€ établissant un nouveau record sud-africain pour l’artiste.

Plus tôt cette année, Aspire a été pionnier de la première section dédiée à la photographie d’art aux enchères, qui a obtenu des résultats remarquables. Poursuivant sur cette lancée, David Goldblatt, qui atteignait un prix record mondial au début de l’année, a de nouveau occupé le devant de la scène. Sa photo Le fils du fermier et sa nourrice, la ferme Heimweeberg, près de Nietverdiend dans le Marico Bushveld, 1964 a remporté 18 863,40€, en plus des succès majeurs pour les œuvres de Mikhael Subotzky et Zanele Muholi qui se sont vendues au-dessus de leurs estimations les plus élevées.

Droits de suite de l’artiste

Aspire versera une fois de plus des redevances aux artistes sud-africains vivants dans le cadre de son initiative – Artist’s Resale Rights (ARR) – Droits de suite de l’artiste -. Aspire couvre volontairement le coût des frais de pourcentage de l’ARR. A ce jour, Aspire a gagné des royalties pour plus de 100 artistes sud-africains vivants à travers leurs ventes, sur l’ensemble du marché, et a payé environ 35 519,35€. Leurs efforts pour améliorer la durabilité de l’industrie de l’art dans le pays ont été reconnus au niveau national lorsque l’entreprise remporta le Business Arts South Africa Best Strategic Project Award en 2017.

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Art contemporain

William Kentridge (né en 1955, Afrique du Sud)

William Kentridge est né en 1955 en Afrique du Sud, et vit et travaille toujours à Johannesburg, sa ville natale. Aujourd’hui mondialement reconnu pour sa pratique artistique diversifiée qui comprend le dessin, le cinéma d’animation et d’action en direct, la sculpture, la gravure, la peinture, la mise en scène et la conception pour le théâtre et l’opéra. Mais c’est toujours le dessin qui a été au cœur de ses œuvres d’art. C’est le dessin, principalement au fusain, qui éclaire ses œuvres dans d’autres médias, en particulier les films d’animation basés sur de multiples marquages et effacements qui l’ont porté à l’attention du monde. Depuis les années 1990, ses œuvres ont été exposées et conservées dans de grands musées et leurs collections à travers le monde, tels que le Musée d’Art Moderne à New York (MoMA), le musée Albertina  à Vienne, le musée du Louvre à Paris, le Tate Modern et le Tate Britain au Royaume-Uni, l’Institut d’Art de Chicago, le Musée National centre d’Art Reina Sofía à Madrid, le musée d’Art moderne de San Francisco et bien d’autres.

Graffiti d’été possède une qualité cinétique et une attraction magnétique qui attire le spectateur de plus en plus près. Rappelant les films et les œuvres processionnelles très appréciées de Kentridge, les « cadres » exposés à l’intérieur du décor animent la série imprimée. Ajoutez à cela les décalages dynamiques du regard à l’intérieur des différentes estampes, et le spectateur devient complice des interactions des sujets qui, d’une part, observent les sujets se regardant et, d’autre part, se retrouvent confrontés au regard des sujets eux-mêmes. À une époque où Kentridge contribuait à une collecte de fonds pour son ancienne école, il a trouvé l’impulsion pour la série dans un manuel de l’enseignant. Le tableau noir iconique visible dans le décor sert d’outil de représentation pour l’expression des désirs érotiques. Connu pour ses représentations des désirs internes des êtres humains comme étant socialement inacceptables, Kentridge fait ici allusion à ces pulsions cachées.

Billie Zangewa (née en 1973, Afrique du Sud)

Billie Zangewa utilise la soie pour créer des tapisseries complexes qui reflètent la lumière de différentes manières, en fonction de la position du spectateur par rapport à l’œuvre. Il en résulte des œuvres d’art qui semblent danser et se produire lorsque le regard change et que le spectateur se déplace dans l’environnement de l’image. Les œuvres d’art qui défient la réplication dans les médias imprimés ou sur un écran d’ordinateur sont des objets sensoriels qui doivent être vus en personne. Zangewa a grandi à Gaborone, où l’infrastructure habituelle de l’artiste était limitée – pas de studios, pas de presses à imprimer, pas de matériaux typiques qu’on associerait normalement à la création artistique. Il en est ressorti quelque chose de remarquable. « Pour faire de l’art, j’ai dû utiliser ce qui était disponible », explique l’artiste, « ma créativité vient du manque – j’ai dû travailler à partir de zéro ».

Née au Malawi, grandissant à Gaborone, vivant et pratiquant aujourd’hui à Johannesburg, Zangewa explore son identité intersectionnelle dans le contexte contemporain, « défiant constamment les stéréotypes historiques, l’objectivation et l’exploitation du corps féminin noir ». Son travail porte sur son expérience vécue, ses préoccupations domestiques et les thèmes universels sous-jacents qui nous relient les uns aux autres. Le présent lot a été produit alors que Zangewa séjournait en Europe. L’artiste raconte qu’elle est allée dans le district de Cotswolds pour son anniversaire au milieu de l’hiver. Pour elle, la région est la plus belle partie de l’Angleterre. Elle fût particulièrement attirée par l’architecture de la ville et les arbres nus de l’hiver. La pièce est une célébration de la beauté de l’endroit. » Ruarc Peffers, directeur général chez Aspire Auction.

Nandipha Mntambo (née en 1982, Swaziland)

S’appuyant sur une riche tradition de références historiques et mythologiques de l’art, l’autoportrait saisissant de Nandipha Mntambo est un composite dans lequel l’artiste joue les deux sujets. L’image qui en résulte est très ambiguë : le minotaure et la femme sont figés dans les médias, avec une multiplicité d’issues possibles. Nandipha Mntambo a reçu le prix Standard Bank Young Artist Award pour l’Art Visuel en 2011. Son travail a été exposé au Pavillon sud-africain à la 56e Biennale de Venise, en 2015 ; au Brooklyn Museum, New York ; au Smithsonian musée National d’art Africain, Washington DC et au Zeitz Musée d’Art Contemporain en Afrique entre autres.

Diane Victor (née en 1964, Afrique du Sud)

Diane Victor (née en 1964 à Witbank, Afrique du Sud) s’est imposée comme une figure majeure de la communauté artistique sud-africaine et internationale. Elle est reconnue pour son expertise en gravure et en dessin. Victor se positionne sur la scène artistique sud-africaine à travers ses confrontations audacieuses avec des sujets difficiles et parfois tabous. Parfois, son travail semble poser des défis à la vie sociale et politique de l’Afrique du Sud contemporaine, compte tenu des problèmes de corruption, de violence et de répartition inégale du pouvoir. Récemment Artskop3437 l’a rencontrée lors de sa résidence à l’Atelier le Grand Village en Charentes. De plus, de nouvelles œuvres de Diane Victor seront exposées lors de la prochaine édition londonienne de la 1.54 Foire d’Art Contemporain Africain avec l’Atelier le Grand Village. Découvrez-en plus au sujet de Diane Victor ici.

Cette gravure à grande échelle de la série « Les quatre chevaux » de Diane Victor a été exposée dans le cadre de son exposition personnelle Transcendance à la galerie Goodman à Johannesburg en 2010. Il s’agit d’une œuvre saisissante dans laquelle l’image d’un cavalier apparemment valeureux et apocalyptique à cheval apparaît comme le présage d’une autre époque. Le cheval d’élevage traverse l’histoire, projetant une ombre de destruction qui est rendue comme une vue aérienne détaillée d’une ville européenne historique. La maîtrise de Victor, en marquages, pour dépeindre le sujet avec des détails d’une finesse obsédante est évidente. Dessinatrice et experte de l’estampe, elle incorpore ici diverses techniques traditionnelles à l’impression numérique pour rehausser le sens. Figure reconnue à l’ international, Victor a exposé dans de nombreux grands centres, dont le MoMA à New York.

Art moderne

George Pemba (Sud Africain 1912–2001)

Cette œuvre de George Pemba de 1979 démontre clairement sa maîtrise de l’idiome social réaliste de la peinture. La scène domestique intérieure, dans un contexte plus clair par son titre, est pleine des types de caractérisations et de récits implicites qui étaient typiques du peintre Hogarth au XVIIIe siècle. Comme son prédécesseur, l’œil vif de Pemba pour les détails offre un aperçu d’un mode de vie pour les Sud-Africains noirs urbains qui est doucement humoristique mais pertinent. L’enthousiasme avec lequel le vieil homme au premier plan boit dans un recipient en étain, sur ses hanches, contrebalance les avertissements de la figure de la femme dominante au milieu du plan, comme s’il mettait en garde contre une trop grande célébration de la cérémonie d’initiation à peine terminée.

Dumile Feni (Sud Africain 1942–1991)

Le dessin de Dumile Feni de 1986, intitulé Mère et enfant, explore non seulement une convention iconographique établie et omniprésente dans l’histoire de l’art, mais qui est également omniprésente dans sa propre œuvre. En fait, son portrait antérieur de la mère et de l’enfant vers 1966 a déjà été jugé intolérable par un critique, soulignant son apparence inquiétante et « moche ». Cette compulsion n’avait pas pour but d’ennoblir les mœurs historiques de l’art occidental, car ces retours incessants sur le thème étaient très personnels pour l’artiste. Feni a perdu sa mère à un très jeune âge et a été élevé par sa sœur aînée, affectueusement connue sous le nom de Kulie.

Edoardo Villa (Sud Africain 1915–2011)

Le génie de Villa réside dans cette capacité extraordinaire de faire apparaître des images de notre temps et de notre environnement à partir de matériaux industriels contemporains générés par les nouvelles technologies. Janus, produit en 1988, ne fait pas exception.

Le jaune vif émerge des puissantes formes noires de Janus que l’on peut voir dans la ronde. Dans le mythe romain, Janus est le dieu des débuts, des portes, des transitions, du temps, de la dualité, des entrées, des passages et des fins. Il est généralement dépeint comme ayant deux visages, puisqu’il regarde vers l’avenir et vers le passé. En tant que dieu des transitions, il a des fonctions relatives à la naissance, aux voyages et aux échanges, et il est associé aux déplacements, au commerce et au transport maritime. La vision moderniste de Villa était partagée par sa grande amie, Carmel Back, l’une des premières femmes architectes à façonner l’image évolutive de Johannesburg. Ils se reconnaissaient mutuellement comme des voyants et, selon la fille de Back, jouissaient d’une amitié durable au cours de laquelle ils se rencontraient régulièrement la plupart des samedis pour regarder les gens et bavarder autour d’un café. Villa a créé Janus comme cadeau de pendaison de crémaillère à l’architecte pour sa nouvelle maison à Parktown, qui figurait en bonne place dans les publications de design au début des années 1990.

Cecil Skotnes (Sud Africain 1926–2009)

Skotnes, tout au long de sa longue carrière, s’est fait remarquer pour son travail sur des panneaux de bois sculptés, incisés et peints. Sa position centrale et son influence sur l’histoire de l’art sud-africaine ne découlent pas seulement de son travail pédagogique à Polly Street ou même de son appartenance à l’influent groupe Amadlozi dans les années 1960. Il s’agit beaucoup plus, comme le reflète cette œuvre, de sa recherche à long terme d’un vocabulaire visuel adéquat pour exprimer sa position en tant qu’artiste aux prises avec un héritage culturel et artistique européen, tout en façonnant un langage visuel africain. Ses représentations figurées marquent très clairement les inflexions continues qu’il a données à cette quête, changeant subtilement tout au long de sa carrière, mais marquant très nettement son travail comme étant caractéristique de Skotnes.

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Vente aux enchères Art moderne et contemporain
Vente du soir | Printemps 2019 Vente aux enchères publique organisée par Aspire Art Auctions
Cape Town | 1er septembre 2019 | 18h00
Avenue | 40 Dock Road | V&A Waterfront | Cape Town

Horaires d’avant-première des enchères :
Vendredi 30 août | 10 h à 17 h
Samedi 31 août | 10 h à 17 h
Dimanche 1er septembre | 10 h à 17 h

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